Пять веков британской музыки: фестиваль классической и современной музыки из Великобритании в Пушкинском музее

В рамках Года музыки Великобритании и России 2019 в ГМИИ имени А.С. Пушкина пройдет фестиваль классической и современной музыки из Великобритании, приуроченный к выставке «Фрэнсис Бэкон, Люсьен Фрейд и Лондонская школа». На фестивале, который займет Итальянский дворик музея на три дня – 27 марта, 21 и 25 апреля 2019 года, прозвучат редко и никогда не исполнявшиеся в России образцы британской музыки от Реставрации до наших дней, которые тематически связаны с выставкой. 

Фестиваль состоит из трех концертов, демонстрирующих на уникальных примерах хронику развития композиторской школы в Великобритании, начиная с эпохи барокко.  Концерт «Mad Songs» посвящен «безумным песням» – музыкальному жанру времен Реставрации Стюартов, связанному с невероятным интересом англичан 17-го века к психическим расстройствам и лунатизму и с возникшим в связи с этим развлечением  —  наблюдением за пациентами госпиталя Марии Вифлеемской (Бедлам). В программу «Mad Songs» вошли сочинения эпохи расцвета жанра – песни Пёрселла, Доуленда, Экклза и их современников, а также предельно экспрессивный опыт обращения к «mad songs» в XX веке – «Восемь песен безумного короля» (1969) сэра Питера Максвелла Дэвиса. Завороженность пограничными состояниями человеческой психики, впервые проявившаяся в “безумных песнях”, спустя три века нашла свое воплощение в экспрессионистской живописи Фрэнсиса Бэкона, Люсьена Фрейда и их последователей.

Концерт для двух роялей «B like Britannia» почти целиком состоит из российских премьер. В нем прозвучат сочинения композиторов английского музыкального Возрождения XX века Арнольда Бакса и Йорка Боуэна, «британского Орфея» Бенджамина Бриттена и, наконец, «многоликого» Ричарда Беннетта, композитора послевоенного поколения. Слушателей ждет увлекательное путешествие от импрессионизма к неоклассике и джазу, к смешению «высокого» и «низкого», характерному для искусства конца XX века.

Заключительный концерт фестиваля «Brave New World» детально представит сочинения английских композиторов второй половины XX века и наших современников. Его программу откроет российская премьера Струнного квартета №6 Элизабет Лаченс, посвященного одному из главных героев выставки Фрэнсису Бэкону, далее будут исполнены «Incipit Vita Nova» — образец благозвучной «новой простоты» Гэвина Брайерса, Фортепианное трио Александра Гёра, последовательного энтузиаста серийной техники, и эпатажная «Life Story» лидера новой британской музыки Томаса Адеса. Завершит фестиваль одно из самых необычных сочинений Бриттена, написанное на стихотворение Одена «Night Mail» к одноименному документальному фильму 1936-го года – пожалуй, первый и единственный “рэп” в истории классической музыки.

В фестивале примут участие британские певцы Маркус Фарнсворт (баритон) и Уильям Тауэрс (контратенор), певицы Юлия Микконен (Вена) и Алиса Тен (Москва), известный фортепианный дуэт Людмила Берлинская и Артур Ансель (Париж), Московский Ансамбль Современной Музыки (МАСМ), клавесинистка Ольга Филиппова и инструментальный ансамбль под руководством скрипача Романа Минца (Москва).

Премьера оперы «Орландо, Орландо» Г.Ф. Генделя в московском театре «Геликон-опера»

C 27 по 31 марта в театре «Геликон-опера» пройдут премьерные спектакли оперы «Орландо, Орландо» Г.Ф. Генделя.

Театр «Геликон-опера» обращается к барокко, и опера  Георга Фридриха Генделя «Орландо», которой до сих пор не было в репертуаре столичных театров, наконец будет представлена в Москве. Однако в «Геликоне» спектакль носит имя «Орландо, Орландо». Режиссер постановки Георгий Исаакян вместе с композитором Габриэлем Прокофьевым, специалистом по барочной музыке Эндрю Лоуренсом-Кингом и театральным художником из Австрии Хартмутом Шоргхоффером создают новую реальность, объединяющую великолепное генделевское произведение и трагичную историю, случившуюся в Орландо (штат Флорида, США).

«Мысль об этой постановке появилась после известия о чудовищном убийстве в ночном клубе в Орландо, в штате Флорида, – вспоминает режиссер-постановщик Георгий Исаакян. – Неожиданно у меня возникла мысль об «инакости». Очень часто «иное» существование – по национальному признаку, социальной принадлежности или сексуальной ориентации – провоцирует яростные конфликты. Мы обнаружили важную связь между гениальным произведением Генделя и реальной историей не только в совпадении названия «Орландо».

Спектакль «Орландо, Орландо» заставит нас задуматься о многом, но главный посыл оперы состоит в том, чтобы выяснить, как далеко вы можете зайти в своих иллюзиях и своей «инакости»? Насколько вы готовы принять этот мир таким, каков он есть? «В кажущемся дружелюбным мегаполисе, где все толерантны и упорно говорят о приятии любой инакости, любого отличия, мы вдруг оказались чужими друг другу, – считает Георгий Исаакян. – К каким трагичным последствиям все это может привести, мы и размышляем в нашем спектакле».

В проекте принимает участие композитор и диджей Габриэль Прокофьев, внук великого русского композитора Сергея Прокофьева. «Это область современной музыкальной культуры. Мы не хотим называть это «техно», или «клаб», или DJ – музыкой, – говорит Георгий Исаакян. – Нам нравится использовать целый комплекс разнообразных элементов в нашем спектакле, иногда увлекающим в русло современной клубной культуры, иногда раскрывающемся как «техно-барокко», основанном на барочной технике музыки Генделя». Также создатели спектакля добавили в музыкальный текст оперы хоровые номера (в опере Генделя «Орландо» хора нет), используя фрагменты оратории Генделя «Израиль в Египте». «В «Геликоне» такой изумительный хор, что не использовать его в постановке было бы большим упущением», – считает режиссер Георгий Исаакян. – В нашем спектакле артисты хора принимают самое активное участие».

Одну из сложнейших партий – партию Орландо – в «Геликоне» репетируют контратеноры Кирилл Новохатько, Рустам Яваев и Николай Гладских.

Премьера dramma per musica «Орландо» состоялась в Лондоне в 1733 году в Королевской академии музыки. В «Геликон-опере» премьера «Орландо, Орландо» ждет москвичей и гостей столицы 27 марта 2019 года. Премьерная серия продлится до 31 марта.

Источник публикации Геликон-опера

Риккардо Мути присоединился к пикету музыкантов Чикагского симфонического оркестра

Музыкальный руководитель Чикагского симфонического оркестра Риккардо Мути присоединился к музыкантам оркестра, организовавшим пикет перед Симфоническим центром во вторник утром, 12 марта. Маэстро, выступивший на прошлой неделе с заявлением «Я с музыкантами», воплотил свои слова в жизнь. Он пообщался с прессой на пресс-конференции, организованной оркестрантами ЧСО, где они объявили о забастовке в воскресенье вечером. Позднее в тот же день Ассоциация Чикагского симфонического оркестра объявила, что все концерты оркестра с четверга по субботу отменены.

Прежде чем сделать публичные заявления, Мути тепло приветствовал своих коллег по оркестру. Мути приехал в город, чтобы провести концерты ЧСО на этой неделе, репетиции должны были начаться во вторник утром. Но они были прерваны забастовкой, которая началась главным образом из-за предложения Ассоциации реструктурировать пенсию музыкантов и также спорных моментов в размере заработной платы.

«Это большое событие», – сказал Стивен Лестер, контрабасист ЧСО и председатель комитета по переговорам. «Мы очень рады, что наш музыкальный директор маэстро Мути здесь с нами. Обычно мы в это время репетируем».

Когда Мути подошел к прессе, оркестранты ему зааплодировали.

«Я здесь со своими музыкантами», – сказал дирижер. «Сегодня у нас должна была быть репетиция».

Обращаясь к музыкантам ЧСО, он продолжил: «Мы стараемся улучшить их жизнь, пенсию и работу».

«Некоторые люди хотят интерпретировать мой приход как союз с музыкантами против руководства оркестра, — добавил Мути. — Это неправда. Я просто хотел бы, чтобы члены правления более внимательно слушали музыкантов, представляющих один из величайших оркестров мира».

Затем Мути обратил внимание на важное значение оркестра и на серьезность ситуации.

«Весь мир, весь музыкальный мир слушает, что делают в Чикаго, — сказал он. — Когда Чикагский симфонический гастролирует по миру, музыканты не только играют, но и являются культурными послами страны.

Это большая ответственность для Чикаго, для правления, позаботиться об этом сокровище. Коллапс Чикагского симфонического оркестра станет трагедией, которая затронет не только музыкантов, но и мир. Чикагский оркестр представляет собой один из храмов культуры этой нации и мира».

Затем Мути повторил, что «это опять-таки не атака на правление».

«Я приехал сюда, к своим музыкантам, я горжусь своими музыкантами и постараюсь примирить их с руководством, — добавил он. — В семье случаются конфликты между отцом и сыном. Бывают кризисы…»

Мути выступил против утверждений, что музыканты работают, но несколько часов на сцене, а затем расслабляются. Он отметил, что артисты усердно готовятся к концертам и испытывают постоянное напряжение, представляя коллектив такого уровня.

Музыка, которую они играют «в этом здании – не для развлечения людей. Музыка это не развлечение. Это культура. Это жертва».

После того, как Мути отошел от микрофона, контрабасист ЧСО Лестер вновь взял слово, чтобы напомнить всем — «это не тривиальная работа, и забастовка также нетривиальна».

Кандидат в мэры Лори Лайтфут в понедельник написал в Твиттере, что «Я поддерживаю акцию #Solidarity с музыкантами Чикагского симфонического оркестра в их борьбе за справедливый контракт. ЧСО является важной культурной институцией этого города, и музыканты заслуживают справедливой заработной платы, льгот и пенсионного обеспечения».

Анонимно музыканты на пикете выражали раздражение и страх по поводу нынешнего тупика и разногласий с руководством, и все они выражали благодарность маэстро за поддержку.

«Я думаю, это замечательно, что он здесь, с музыкантами, — сказал концертный директор ЧСО Роберт Чен. — Обычно, когда есть проблемы такого рода, музыкального директора нигде не найти».

Репетиция началась с того, что духовая секция ЧСО исполнила «Фанфары» Пола Дукаса из балета «La Peri» и «Народный дом» из музыки Джона Уильямса к фильму «Линкольн».

Как всегда, музыканты звучали великолепно.

Источник публикации Chicago Tribune, 12.03.2019, Howard Reich (публикуется с сокращениями)

Открытие Года музыки Великобритании и России 2019

12 марта в ТАСС состоялась пресс-конференция, посвященная открытию Года музыки Великобритании и России 2019. В ней приняли участие специальный представитель президента РФ по международному культурному сотрудничеству Михаил Швыдкой; статс-секретарь – заместитель министра культуры РФ Алла Манилова; генеральный директор Британского Совета сэр Кирон Деван; советник по культуре посольства Великобритании в Москве Майкл Бёрд; заместитель посла Великобритании в Москве Линдси Сколл; руководитель балетной труппы Большого театра Махар Вазиев.

Год музыки Великобритании и России 2019 продолжает серию успешных российско-британских программ предыдущих лет – Года культуры, Года языка и литературы и Года науки и образования Великобритании и России – и нацелен на укрепление связей между народами двух стран.

На пресс-конференции была объявлена программа Года музыки. Советник по культуре посольства Великобритании в Москве Майкл Бёрд представил официальный сайт Года музыки: https://www.year-of-music.org

На официальном сайте Года музыки Великобритании и России представлена наиболее полная программа Года музыки, предложения по грантам для профессионалов в области культуры и другая полезная информация. Сайт будет дополнятся новыми событиями.


«Перекрестный Год музыки России и Великобритании – та скромная, но ощутимая для многих миллионов зрителей нить, которая сегодня связывает наши страны. Сфера культуры сегодня – одна из немногих, которая в отношениях с Великобританией по-прежнему работает. Она работает более активно, чем сфера образования или сфера бизнеса», – отметил пециальный представитель Президента РФ по международному культурному сотрудничеству Михаил Швыдкой.

Программа Года музыки Великобритании и России 2019 проводится Посольством Великобритании в Москве при поддержке Британского Совета. В ее основе лежит принцип культурного разнообразия: широкую публику ждет программа живых музыкальных выступлений, как академических, так и современных направлений, образовательные мероприятия, а также специальные онлайн-проекты.

Год музыки Великобритании и России 2019 уже начался с объявления сразу нескольких грантовых программ: для российских организаций, готовящих совместные проекты с британскими исполнителями; для переводчиков и издателей литературы о современной британской музыке; для британских музыкантов и профессионалов, заинтересованных в работе на российском рынке; для профессионалов в области культуры и искусства.

Весенняя часть программы продолжится запуском совместного с Arzamas образовательного проекта об истории британской музыки.

В марте при поддержке школы «Летово» будет запущена международная программа World Voice. Она нацелена на применение пения в преподавательской практике и предлагает учителям использовать его в качестве выразительного и увлекательного приема, а также как важный обучающий подход.

В середине марта выдающийся английский тенор Иэн Бостридж представит в Москве книгу Schubert’s Winter Journey: Anatomy of an Obsession  («Зимний путь» Шуберта: анатомия одержимости»).

В том же месяце вечеринки Selector After Dark запустят серию выступлений британских диджеев в Москве и Санкт-Петербурге.

Специалистам музыкальной индустрии будут интересны профессиональные программы в апреле: интенсив по музыкальному менеджменту  Selector PRO и семинар для композиторов в киноиндустрии Envision Sound.

А в конце весны российские независимые музыканты примут участие в фестивале The Great Escape. В рамках шоукейса некоммерческой инициативы RUSH, продвигающей самых многообещающих российских музыкантов за пределами страны, в Брайтон отправятся Shortparis, Chkbns, Fogh Depot и Lucidvox.

Также в мае в Санкт-Петербургской филармонии пройдет выступление популярного вокального ансамбля The King’s Singers.

В течение всего лета британские музыканты будут выступать на важнейших российских музыкальных фестивалях как современной и электронной музыки (Present Perfect Festival, Пикник «Афиши», «Боль», Ural Music Night, «Усадьба Jazz»), так и классической (фестиваль камерной музыки Vivarte).

А в середине лета в Ясной Поляне по традиции пройдет литературный семинар «Британская литература сегодня», его гостями станут писатели, для которых музыка – важная тема творчества.

Осенью в Санкт-Петербурге и Москве состоится выставка британского образования Study UK: Discover You с отдельной секцией, отведенной музыкальному образованию.

В сибирском регионе стартует фестиваль «Британские музыкальные сезоны», который запустит Красноярская краевая филармония. В серии концертов примут участие представители нового поколения британских солистов.

Конец года традиционно подарит нам фестиваль  «Декабрьские вечера» в Государственном музее изобразительных искусств имени А.С. Пушкина. В этом году фестиваль пройдет одновременно  с крупной выставкой шедевров Томаса Гейнсборо из коллекций ведущих британских музеев.

Частью года музыки станут выступления инновационного и вдохновляющего британского коллектива Aurora Orchestra.

В рамках программы резиденций для британских и российских музыкантов три британских музыканта отправятся в Россию, а три российских музыканта – в Великобританию для интенсивного погружения в культуру, музыку и профессиональный контекст. Важной частью проекта станут выступления музыкантов в российских и британских городах, а также их совместная творческая работа.

Год музыки Великобритании и России, начавшись в 2019 году, продолжится в 2020, поэтому программа событий будет расширяться. Следить за анонсами наших мероприятий можно на сайте https://www.year-of-music.org

События Года музыки Великобритании и России 2019

Фестивали классической и современной музыки

Фестиваль «Декабрьские вечера» в ГМИИ им. А.С. Пушкина

Ежегодные «Декабрьские вечера» в Государственном музее изобразительных искусств имени А.С. Пушкина посвящены тесной связи между развитием музыки и изобразительного искусства в разных культурах и исторических эпохах. В 2019 году фестиваль пройдет одновременно с масштабной  выставкой шедевров Томаса Гейнсборо из коллекции Гейнсборо Хаус и других ведущих музеев Великобритании.

Британские виолончелисты на международном фестивале VIVACELLO 2019

10–20 ноября 2019 года в рамках Года музыки Великобритании и России пройдет XI Международный виолончельный фестиваль VIVACELLO, на котором соберутся яркие британские виолончелисты разных поколений. В фестивале примут участие Гай Джонстон, Ширли Смарт и Аянна Виттер-Джонсон. На закрытии фестиваля 20 ноября выступит Рафаэль Уоллфиш – ученик великого Григория Пятигорского и победитель Международного конкурса имени Гаспара Кассадо, в послужном списке которого сотрудничество с выдающимися композиторами современности и множество знаковых аудиозаписей. Совместно с Рафаэлем Уоллфишем в концерте-закрытии фестиваля примет участие юная Лора ван дер Хейден. Она стала победительницей Конкурса молодых музыкантов BBC в 15-летнем возрасте, что в одночасье сделало ее любимицей нации и открыло путь к международной карьере.

Фестиваль британской музыки, приуроченный к выставке «Фрэнсис Бэкон, Люсьен Фрейд и Лондонская школа» в Москве

В рамках Года музыки Великобритании и России 2019 в Государственном музее изобразительных искусств имени А.С. Пушкина пройдет фестиваль британской музыки, приуроченный к выставке «Фрэнсис Бэкон, Люсьен Фрейд и Лондонская школа». На фестивале, который займет Итальянский дворик музея на три дня – 27 марта, 21 и 25 апреля 2019 года, прозвучат редко и никогда не исполнявшиеся в России образцы британской музыки от Реставрации до наших дней.

В фестивале примут участие британские певцы Маркус Фарнсворт (баритон) и Уильям Тауэрс (контратенор), певицы Юлия Микконен (Вена) и Алиса Тен (Москва), известный фортепианный дуэт Людмила Берлинская и Артур Ансель (Париж), Московский Ансамбль Современной Музыки (МАСМ), клавесинистка Ольга Филиппова и инструментальный ансамбль под руководством скрипача Романа Минца (Москва).

Дирижер Оливер Зеффман и виолончелистка Лора ван дер Хейден на фестивале «Евразия» в Екатеринбурге

Дирижер Оливер Зеффман и виолончелистка Лора ван дер Хейден выступят вместе с Уральским молодежным симфоническим оркестром на V международном музыкальном фестивале «Евразия» в Екатеринбурге. Мероприятие пройдет 2 декабря 2019 года. Британская The Telegraph назвала Зеффмана «феноменально перспективным». Одно из ярчайших имен британской классической сцены, молодой дирижер основал свой оркестр Melos Sinfonia в шестнадцать лет, а в прошлом году номинировался на The Times Breakthrough Artist Award – одну из престижных британских наград в области искусства. Маэстро Зеффман встанет за пульт Уральского молодежного симфонического оркестра – коллектива, активно гастролирующего и известного в странах Европы, Китае и Японии. В качестве солистки выступит Лора ван дер Хейден (виолончель) – победительница Конкурса молодых музыкантов BBC.

Программа Национальной оперной студии (Лондон) в Москве и Клину

Программа «Две Елизаветы» – это концертная серия с участием выпускников Национальной оперной студии (Лондон). Их выступления пройдут в ноябре 2019 года в Музее-заповеднике «Царицыно» и в Мемориальном музее П.И.Чайковского в Клину. Они представят музыку, написанную с интервалом в 400 лет – в царствование Елизаветы I и при нынешней королеве Великобритании Елизавете II. Среди участников концертов – недавние выпускники Национальной оперной студии: Хезер Лоу (меццо-сопрано), Дэниэл Шелви (тенор), Эмир Вин-Джоунс (бас-баритон), Фиргал Мостин-Вильямс (контр-тенор), Эмили Хукер (фортепиано).

Правление Елизаветы I (1558 – 1603 гг.) получило название «елизаветинского золотого века», в который процветали музыка, драма и поэзия. А царствование Елизаветы II, начавшееся в 1951 году, оказалось богатым на социальные и культурные перемены, отразившиеся на всех видах искусства. Каждое выступление концертной серии будет состоять из двух частей: в первой прозвучит вокальная музыка времен Елизаветы I, а затем музыка, написанная в 2018 году специально для юбилейного концерта Национальной оперной студии.

The King’s Singers на  XIV Международном фестивале «Музыкальная коллекция» в  Санкт-Петербурге

The King’s Singers – один из самых известных современных вокальных ансамблей Великобритании. Они дают свыше 120 концертов в год, регулярно выступая в Европе, США, Азии и Австралии. В основе мастерства ансамбля – классическое музыкальное искусство с нотками истинно британского остроумия. The King’s Singers — исполнители более чем 200 сочинений, в том числе опусов Берио, Лигети, Макмиллана, Пендерецкого, Такемицу, Тавенера и Вайтакра, а также блестящих аранжировок джазовых и поп-хитов. Обладатели премии Грэмми (2009, 2012). В России коллектив выступает далеко не впервые, на этот раз послушать их можно будет в Санкт-Петербургской филармонии.

«Поругание Лукреции» Бенджамина Бриттена в Новой Опере

В рамках Года музыки Великобритании и России Новая Опера представит первую в Москве постановку камерной оперы Бенджамина Бриттена «Поругание Лукреции» (1946). Это событие продолжит «английскую линию» репертуара Новой Оперы: ранее здесь шли диптих DIDO (его вторая часть – опера Генри Перселла «Дидона и Эней») и «Поворот винта» Бриттена.

Бенджамин Бриттен – один из знаковых композиторов XX столетия. Его творчество представляет собой богатую палитру жанров: от фортепианных пьес и малой формы до балета и оперы. «Поругание Лукреции» — важное произведение в творчестве композитора. Это камерная опера, в которой задействовано всего 8 певцов, а оркестр состоит из 13 инструментов. Сам Бриттен очень ценил этот жанр: «Она [камерная опера] дает возможность заострить внимание на психологии человека. А ведь именно это стало центральной темой современного передового искусства». Либретто Рональда Данкана основано на одноименной драме Андре Обе и поэме Уильяма Шекспира «Лукреция».

«Боль» фестиваль

Начавшись в 2015-м как смотр достижений независимого российского рока, фестиваль «Боль» превратился в одно из главных событий московского музыкального лета, в котором принимают участие самые яркие российские и зарубежные представители андеграунда. В 2019 году фестиваль «Боль» станет трехдневным и пройдет с 5 по 7 июля в культурном центре ЗИЛ – первом московском дворце культуры и памятнике конструктивизма. В рамках Года музыки Великобритании и России на «Боли» выступят несколько британских артистов, которым пророчат большое будущее – их имена будут объявлены совсем скоро.

Выступления британских и российских музыкантов

Selector After Dark: Japan Blues в Москве

Selector After Dark — лондонское радиошоу британской музыки. Selector After Dark также продолжает вечеринки Selector Live по всему миру, на которых уже несколько лет выступают самые интересные музыканты, продюсеры и диджеи из Великобритании.

В 2019 году мероприятия Selector After Dark пройдут 23 марта и 20 апреля в московском баре «Стрелка». На первой вечеринке выступит Говард Уильямс, создатель Japan Blues, знаменитых радиошоу и рекорд-лейбла, удивляющий меломанов необычной и экзотической музыкой из Японии.

На втором концерте играть будет Дэнни МакЛьюин из дуэта Psychemagik, ценитель рарирета и коллекционер винила.

Selector After Dark: Danny McLewin в СанктПетербурге

19 апреля, накануне своего диджей-сета в Москве, Дэнни МакЛьюин из дуэта Psychemagik выступит в баре «Кузня» в Санкт-Петербурге.

Российские музыканты на главном шоукейс-фестивале Великобритании The Great Escape

С 9 по 11 мая 2019 года в Брайтоне пройдет The Great Escape – главный шоукейс-фестиваль Великобритании для молодых музыкантов. В этом году на нем выступят более 500 артистов из разных стран мира. В рамках Года музыки Великобритании и России 2019 на фестивале состоится второй шоукейс инициативы RUSH с участием четырех российских коллективов – Shortparis, Chkbns, Fogh Depot, Lucidvox.

RUSH – это первая в России некоммерческая негосударственная инициатива, объединившая в 2017-м году музыкальных экспертов с целью продвижения самых многообещающих российских музыкантов за пределами страны и налаживания международного культурного диалога.

Образовательные курсы для профессионалов в музыкальной индустрии

Интенсив Selector PRO: менеджмент музыкального артиста

6-8 апреля Московская школа музыки, Британский и ирландский институт современной музыки (BIMM) совместно с Отделом культуры и образования Посольства Великобритании в Москве проведут бесплатный интенсивный курс по менеджменту музыкальных артистов. Курс пройдет в рамках Selector PRO — программы профессионального развития в сфере музыки. Ведущим интенсива станет преподаватель Грэхэм Джексон — профессионал индустрии с огромным опытом и знаниями во всех сферах музыкального бизнеса. 

Envision Sound: воркшоп Майкла Прайса

Envision Sound – программа профессионального развития для композиторов, работающих в киноиндустрии, которая пройдет c 24 по 26 апреля в Московской школе кино. Программа была создана Британским Советом и за прошедшие два года объединила специалистов в сфере музыки и кино из Армении, Азербайджана, Казахстана, Польши и Украины.

Курс проведет известный британский композитор Майкл Прайс. В рамках трехдневных семинаров обучающихся ждет групповая работа, практические упражнения, индивидуальные сессии с ментором.

Музыка и другие искусства

Британская программа на 10-м Beat Film Festival

В этом году фестиваль документального кино о современной культуре Beat Film Festival пройдет уже в десятый раз. В программу фестиваля вошло сразу несколько фильмов, показывающих весь спектр британской культуры и, конечно, музыки: от 60-х через рейвы 90-х до наших дней.

Также в этом году на фестивале впервые будет представлена программа Beat Night, посвященная пересечению кино и музыки. Откроет ее событие, вдохновленное фильмом Rudeboy об истории культового британского лейбла Trojan Records.

Семинар «Британская литература сегодня» в Ясной Поляне

Проект продолжает традицию литературного семинара Британского Совета, впервые состоявшегося в Берлине в 1986 году. В разные годы приглашенными гостями семинара в России были Алан Холлингхерст, Сара Перри, Надифа Мохамед, Шарлотта Мендельсон, Санджив Сахота, Оуэн Ширс и другие мастера художественной прозы, поэзии и нон-фикшн.

В России семинар пройдет уже в четвертый раз. Но его цель остается неизменной – создать комфортную атмосферу для творческого и продуктивного диалога между британскими писателями и их российскими читателями, издателями, переводчиками, преподавателями, критиками и журналистами. В этом году гостями фестиваля станут авторы, в чьем творчестве важное место занимает музыка.

Дискуссия с Иэном Бостриджем и презентация его новой книги Schubert’s Winter Journey: Anatomy of an Obsession  («Зимний путь» Шуберта: анатомия одержимости»)

14 марта Иэн Бостридж, один из ведущих британских теноров и экспертов в области оперы и немецкого песенного жанра Lied, примет участие в дискуссии и представит русский перевод своей новой книги «Зимний путь» Шуберта: анатомия одержимости» (впервые опубликованной в 2018 году издательством Penguin Random House). «Зимний путь» или «Winterreise» — произведение, написанное Францем Шубертом в 1827–1828 годах. Подзаголовок книги Бостриджа отражает преданность автора — как ученого и исполнителя — освоению, возможно, самого известного музыкального цикла в истории классической музыки.

Бостридж выступит в России в прекрасной акустике нового московского концертного зала «Зарядье» с Europa Galante 14 марта 2019 года.

Образовательные оффлайн и онлайн-проекты

Музыкальное образование на выставке Study UK: Discover You

В октябре в Москве и Петербурге пройдет крупнейшая в России выставка британского образования Study UK: Discover You. Отдельная секция выставки будет посвящена британскому музыкальному образованию, которое считается одним из самых престижных в мире. У участников выставки будет уникальная возможность встретиться с представителями лучших британских университетов, музыкальных школ и консерваторий. Выставку организует агентство ECM и Отдел культуры и образования Посольства Великобритании в Москве в рамках Года музыки Великобритании и России 2019.

Совместный проект с ПостНаукой «Музыка в моей голове»

ПостНаука и Отдел культуры и образования Посольства Великобритании в Москве запускают проект «Музыка в моей голове». В нем ученые из университетов Лондона раскрывают разные аспекты психологии музыки: как музыка влияет на мозговую активность, почему она застревает в голове, как развиваются музыкальные способности, почему британские психологи используют музыку при терапии нейродегенеративных расстройств. «Музыка в моей голове» — это цикл из 5 статей и 10 видеолекций, снятых в Лондоне в феврале 2019 года. Проект выйдет на всех площадках ПостНауки в марте и апреле 2019 года.

Совместный проект об истории британской музыки с Arzamas

С марта 2018 до января 2019 года на сайте Arzamas (https://arzamas.academy) будут появляться материалы, посвященные британской музыке, а в мобильном приложении  «Радио Arzamas» (https://arzamas.academy/radio) — подкасты, в которых эта музыка будет звучать и обсуждаться. Авторы материалов — российские и британские музыкальные эксперты; охват — от Елизаветы I до Елизаветы II, от Перселла до The Beatles и от Генделя до эйсид-хауса и грайма. В фокусе проекта не только признанные классики, но и малоизвестные имена, не только мировые суперхиты, но и фолк-песни неизвестных авторов; сочинения для клавесина — и для электрогитары, для церковного хора — и для синтезаторов и драм-машин. Задача цикла — разобраться, из чего состояла и состоит британская музыка, как она устроена, в чем ее уникальность, что она подарила миру. Куратор проекта — музыкальный журналист Лев Ганкин.

«Тоска» в Большом театре Варшавы

23 февраля на сцене главного музыкального театра Польши – Большого театра Варшавы – состоялась премьера оперы Джакомо Пуччини «Тоска» по одноименной драме Викторьена Сарду. Впервые произведение было исполнено в театре Костанци, в Риме, в 1900-м.

Опера прозвучала на итальянском языке с польскими субтитрами и была исполнена интернациональным составом: в заглавных партиях выступили российская певица Светлана Касьян (Тоска) и известный итальянский тенор Массимо Джордано (Каварадосси).

Постановщик спектакля – Барбара Высоцка – интересный современный польский режиссер, работающая на пересечении театра и перформанса, кинематографа и медиа. Она родилась в Варшаве, окончила Краковскую высшую театральную школу и Консерваторию по классу скрипки в Германии. Барбара не впервые берется за постановку оперы, и надо сказать, что ей, как режиссеру, имеющему профессиональное музыкальное образование, удаётся это блестяще! Высоцка буквально заразила всех участников спектакля своим неистовым желанием воплотить, фантастическим воображением – удивить и, буквально, «убить» драматизмом жизненной коллизии… Светлана Касьян, не раз исполнявшая «Тоску» в известных театрах Европы, рассказывает:

«То, что характеризует Барбару, как человека и как художника, вызывает во мне чувство большого уважения, более того, рождает собственное постоянное вдохновение, творческий поиск и новые идеи. В течение двух месяцев, каждый день, с 10 утра и до позднего вечера, практически без выходных, мы буквально жили в театре. Искали вместе новые краски в каждом образе, чтобы всё найденное гармонично воссоединить с личностью каждого солиста… Такое редко встречаешь в современных постановках.

Фото Кржиштоф Биелинский

У Барбары очень индивидуальный подход к каждому, а это немаловажно! Высоцка внимательнейшим образом вслушивалась музыку, написанную Пуччини, как говорил великий Тосканини: «Primo è la musica e poi è parole» – «сначала музыка, потом слова»! Идя от музыки и только, Барбара стремилась достичь гармонии во всем: в драматическом развитии сюжета, в становлении образов главных героев, в воссоздании особой атмосферы в духе современного триллера с динамически захватывающим сюжетом!».

В постановке триллера Высоцкой есть все ему сопутствующие кошмарные атрибуты и символы: жестокие сцены, море крови, ножницы как орудие убийства, а также образ седовласой смерти с дико светящимися глазами… Но над всем этим царит мера и гармоничность, стильность и утонченный вкус режиссера. Джеймс Паттерсон говорил, «для триллера важна интенсивность порождаемых эмоций»! В режиссерско-постановочной части польской «Тоски» эта интенсивность не ослабевала ни на секунду, а порой даже зашкаливала. Композитор Пуччини своей «Тоской» хотел «всколыхнуть в людях чувство справедливости… и, если до сих пор мы были добрыми, то теперь станем жестокими!..», констатировал он. Сцену пыток Высоцка нетрадиционно выносит на обозрение публики (обычно в постановках слышны только стоны Каварадосси), а когда Флория закалывает Скарпиа, в руках у нее оказывается не кинжал, а ножницы, которыми до этого Скарпиа пытается срезать подвязку на ее чулке…

Фото Кржиштоф Биелинский

Светлана Касьян, говорит, что после каждого премьерного спектакля (а ей поручили петь самую ответственную, первую премьеру) наступала страшная опустошенность: «Невозможно представить сколько раз во время репетиций мы проживали каждый жест, каждую фразу… У Барбары всё это наполняется глубоким смыслом. Она добивается не только передачи эмоций, но и того, о чём ты думаешь! По композиции – это непросто сильно поставленная сцена… Даже, в тот момент, когда ты стоишь к публике спиной, режиссер добивалась того, чтобы зал почувствовал, что происходит у тебя внутри! С одной стороны это безумно сложно, с другой –поразительный результат!».

По сюжету оперы главный герой Каварадосси – художник, пишущий образ Марии Магдалины, который он постоянно сравнивает с чертами своей возлюбленной, знаменитой певицы Флории Тоски. Великолепно найдено визуальное решение драмы: Барбара Высоцка использует в грандиозных проекциях фотопортреты главной героини, которые преломляются на шикарных декорациях, выполненных в помпезном барочном стиле (действие оперы открывается в знаменитой римской церкви). Каждая сцена, как бы даётся в сильном увеличении; страдания и боль, страсть и сомнения, – всё это отображается в огромных черных выразительных глазах главной героини: для спектакля под руководством режиссера было сделано несколько сложных фотосессий Светланы Касьян. Кроме этого, на декорациях «проступают» и отдельные реплики героев; большое внимание уделено цветовому решению спектакля и современным свето-техническим эффектам.

«Тоску» готовил талантливый итальянский дирижер с говорящей фамилией Паоло Арривабене: «всё идёт хорошо», – так в переводе с итальянского звучит его фамилия! Видимо, эт, в какой-то степени, и предопределило судьбу премьеры… Ведь за неделю до генерального прогона случился форс-мажор. Дирижер упал в театре и сломал три ребра. Руководство приняло решение поставить Тадеуша Козловского. Польский маэстро прекрасно справился с задачей, добавил в неё свой неуемный темперамент, какую-то особую приподнятость и шик. Наградой для всех были долгие овации в зале, публика благодарила артистов стоя.

Татьяна ЭСАУЛОВА

Петербургское «симфоведение»

Сколько оркестров в Северной столице?

Оркестровая жизнь Санкт-Петербурга достаточно непредсказуема и протекает, можно сказать, в «плавающем режиме». Разобраться в ней непросто. Меняются названия, статус, принадлежность, учредители коллективов. Оркестры исчезают из поля зрения и возвращаются. В одних дирижеры трудятся десятилетиями, в других — ротируются неожиданно и чуть ли не мгновенно, подобно питерской погоде.

Еще год назад наиболее стабильной представлялась ситуация в филармонии. В Заслуженном коллективе уже 30 лет властвует Ю.Х. Темирканов, АСО 40 лет возглавлял А.С. Дмитриев. Но вот Дмитриев объявил о своем уходе, и стабильность во втором филармоническом оркестре превратилась в свою противоположность: трудно представить, но этот сезон один из лучших оркестров страны проводит без главного дирижера. На пользу ли это коллективу как в творческом отношении, так и с точки зрения атмосферы? Едва ли. Кто станет преемником Дмитриева, когда будет названо его имя — до сих пор неизвестно.

Аналогичная ситуация в театрах. Если Мариинский — уже 30 лет царство В. Гергиева, и меняются только масштабы этого царства, то Михайловский вполне можно назвать постоянным «ньюсмейкером». За 10 лет «эпохи Кехмана» — четыре главных дирижера и музыкальных руководителя: А. Аниханов, Д. Рустиони, П. Феранец, с 2012 по 2018 — М. Татарников. В конце прошлого года он был уволен, и на его место приглашен А. Ведерников. Есть подозрение, что ненадолго.

Стабильная ситуация в Капелле, где уже много лет все сосредоточено в руках художественного руководителя Владислава Чернушенко и его сына,  главного дирижера оркестра Александра Чернушенко.

В городе С.-П.

Следующий уровень оркестровой иерархии — муниципальные коллективы. Санкт-Петербургский государственный симфонический оркестр — знаменитый оркестр старинной и современной музыки, которым руководили Н. Рабинович, К. Элиасберг, Э. Серов, Р. Мартынов, в последние пять лет жил в режиме ЭКГ-синусоиды. Осенью 2013 без объяснения причин был уволен художественный руководитель и главный дирижер Александр Титов, и на его место был назначен П. Феранец. Спустя 3,5 года, когда об оркестре, казалось, все забыли, Титов вернулся, и сегодня СПбГАСО успешно возрождает традиции.

Александр Титов

Оркестр «Петербург-концерта», которым много лет руководил известный хормейстер и дирижер Н. Корнев, тоже поменял название. В 2013 на его основе был создан Симфонический оркестр Санкт-Петербурга, который возглавил Сергей Стадлер. Коллектив выступает практически только в своем городе и прославился главным образом «Осенними музыкальными марафонам»: в 2014 за один вечер были исполнены все симфонии Чайковского, в 2015 — все симфонии Брамса, в 2016 — 12 симфоний Моцарта. «Осенний музыкальный марафон-2017. Бетховен», в рамках которого прозвучали все 9 симфоний последнего венского классика, вошел в «Книгу рекордов России» как «Самый продолжительный филармонический концерт с программой из произведений одного автора в исполнении одного симфонического оркестра под руководством одного дирижера». Вероятно, на очереди «Гайдн-марафон»?

Время от времени появляется информация о концертах (к сожалению, немногочисленных) оркестра «Классика» под управлением Александра Канторова.

Александр Канторов

Зато активно функционирует симфонический оркестр театра «Мюзик-Холл» «Северная Cимфония», созданный 1 июня 2016 под руководством— художественного руководителя театра «Мюзик-Холл» Фабио Мастранджело. Он же руководит и камерным оркестром театра «Северная Симфониетта». Впрочем, сеньор Фабио в северной столице и вообще на просторах оркестровой России — личность весьма заметная, и его деятельность — можно сказать, отдельная симфония (подробнее о «российской Фабиане» — на стр. 8).

Сергей Стадлер

Оркестр губернатора

Перемены в Губернаторском симфоническом оркестре Санкт-Петербурга. В свое время это был эстрадно-симфонический оркестр имени В.П. Соловьева-Седого Ленинградского радио и телевидения. В начале нового века поменял название на нынешнее, а в 2016 на базе оркестра был создан «Центр музыкальной культуры “Чайковский”» (подробнее об этой организации на сайте http://tchcenter.ru/).

С 1978 оркестром руководил Станислав  Горковенко. В ноябре 2018 он ушел из жизни, незадолго до этого уступив свой пост Максиму Алексееву. М. Алексеев — сын известного маэстро Н. Алексеева, который, возглавлял оркестры и в России, и за рубежом, но только не в родном городе. Но так получилось, что сын получил в свое распоряжение один из старейших коллективов Санкт-Петербурга, в то время как Николай Константинович удовлетворяется положением «первого после Бога», являясь вторым дирижером ЗКР и заместителем художественного руководителя Санкт-Петербургской филармонии Ю.Х. Темирканова.

Максим Алексеев

Максим Алексеев в 2005 окончил Хоровое училище имени М.И. Глинки, в 2000 — Санкт-Петербургскую консерваторию по классу хорового дирижирования у проф. Е. Кудрявцевой и по классу оперно-симфонического дирижирования у отца, проф. Н. Алексеева.  В 1999–2001 работал ассистентом главного дирижера в симфоническом оркестре Ульяновской филармонии Н. Алексеева. С 2001 — дирижер Театра оперы и балета Петербургской консерватории, где в репертуаре музыканта более 30 спектаклей: «Евгений Онегин», «Свадьба Фигаро», «Севильский цирюльник», «Золушка», «Иоланта», «Так поступают все», «Лебединое озеро» и др. Дирижер балета «Пахита» (номинант премии «Золотой софит», 2003) и балета на музыку Бетховена «Танцсимфония» (номинант «Золотой маски», 2004). Является дирижером Санкт-Петербургского театра музыкальной комедии. В качестве приглашенного дирижера сотрудничал с оркестрами Санкт-Петербурга, городов России, Эстонским национальным и Корейским симфоническими оркестрами, оркестром Чешского национального театра. С 2007 выступает в Санкт-Петербургской филармонии.

С 2018 — главный дирижер Губернаторского симфонического оркестра Центра музыкальной культуры «Чайковский».

Оркестр областного подчинения

А вот Международный симфонический оркестр «Таврический», существующий с 2009, в 2017 был преобразован в симфонический оркестр Ленинградской области «Таврический». Его руководителем остался Михаил Голиков. А резиденция оркестра, разумеется, осталась в городе на Неве. Любопытно: оркестр принадлежит одному региону, а располагается в другом. Впрочем, в России бывает и такое, и не такое.

Михаил Голиков

Михаил Голиков в 1998 окончил ССМШ при Санкт-Петербургской консерватории по классу хорового дирижирования, в 2003 — консерваторию по специальности хоровое дирижирование (класс С. Легкова) и в 2009 — по специальности оперно-симфоническое дирижирование (класс В. Синайского).

Лауреат Международного конкурса дирижеров им. А.А. Юрлова (2001, Екатеринбург) и Всероссийского конкурса дирижеров (2002, Салават).

Руководил молодежными и любительскими хорами Санкт-Петербурга. Преподавал в Санкт-Петербургском университете культуры и искусств, музыкальном колледже им. М.П. Мусоргского, в балетной школе М. Бежара (Лозанна).

С 2009 — худ. рук. студенческого симфонического оркестра Санкт-Петербургской консерватории, симфонического оркестра Санкт-Петербургской государственной филармонии для детей и юношества, Международного симфонического оркестра «Таврический» (Капелла «Таврическая»), 2017 — Государственного симфонического оркестра Ленинградской области.

Сотрудничает с филармоническими оркестрами Тамбова, Петрозаводска, является главным приглашенным дирижером Губернаторского симфонического оркестра Иркутской филармонии.

Организатор фестивалей, различных образовательных программ и мастер-классов в России и за рубежом, работает в жюри российских и международных детско-юношеских музыкальных конкурсов. В 2018 возглавил Филармонию для детей и юношества.

В 2005, 2010 и 2011 отмечен премией Правительства Санкт-Петербурга как дирижер-постановщик детских музыкальных спектаклей.

В 2013 за проект «Симфония Кавказа» удостоен звания Народного артиста Республики Кабардино-Балкария.

«Симфопоросль»

Поручение Президента — создать Российский национальный молодежный симфонический оркестр — выполнено

Молодежных и юношеских оркестров в мире и в России много. Есть постоянные и временные, симфонические и камерные, пользующиеся мощной финансовой поддержкой и независимые, стандартные и необычные…

В мире

Например, старейший юношеский оркестр Европы — Молодежный оркестр Уэльса, существующий с 1946, или Молодежный оркестр Густава Малера, основанный в 1986 Клаудио Аббадо. Молодежный оркестр Евросоюза, которым руководит Василий Петренко, или Таиландский молодежный оркестр, играющий музыку своего короля.

В конце ХХ века Даниэль Баренбойм вместе с литературным критиком-палестинцем Эдвардом Саидом создали оркестр «Западно-восточный диван» (названный по сборнику стихов И.В. Гете), в котором объединились юные музыканты — евреи и арабы, израильтяне и палестинцы. Первоначально это был чисто политический проект, попытка примирить врагов с помощью музыки. Искусство Д. Баренбойма принесло выдающиеся плоды: мастерство «Дивана» признано во всем мире, в том числе и в России, где оркестр гастролировал в 2009.

Вероятно, самый известный пример — Венесуэльский молодежный симфонический оркестр имени Симона Боливара (с 2010 имени Тересы Карреньо). Он — часть проекта El Sistema, основанного в 1978 музыкантом, экономистом и педагогом Хосе Антонио Абреу. El Sistema («Национальная система детских и юношеских оркестров») включает почти 300 оркестров для детей и юношества, начиная от дошкольников и заканчивая профессиональными коллективами. Возраст участников — от 4 до 26 лет, 75 процентов этих детей и молодых людей — выходцы из семей, живущих за чертой бедности.

В оркестре играет более чем 200 музыкантов от 12 до 26 лет. Оркестром дирижировали З. мета, С. Рэттл, К. Аббадо. Почти 20 лет его возглавляет Г. Дудамель.  О масштабах этого «монстра» могла судить и московская публика весной 2010.

Некогда этот проект патронировал Уго Чавес. Но продолжает ли Молодежный оркестр быть столь же массовым и успешным проектом после смерти Чавеса (в 2013) и Абреу (в 2018), тем более в ситуации политической нестабильности, которая длится уже много лет — неизвестно.

В России

В XXI веке мода на молодежные оркестры  достигла России. Первой ласточкой стал Молодежный симфонический оркестр Поволжья, созданный в 2002. Были попытки и в других регионах.

В 2006 в Екатеринбурге создан самый главный, самый качественный, продуманный, взвешенный проект — Уральский молодежный симфонический оркестр. Идея его создания, как и многие другие революционные для российской филармонической жизни идеи (подхваченные, а часто перехваченные коллегами), принадлежит директору Свердловской филармонии А. Колотурскому. Оркестр, основанный в 2006, встроен в систему филармонии как равноправный коллектив; коллектив высочайшего исполнительского качества, имеющий яркий творческий облик, участник всех фестивалей и проектов СГАФ, хорошо известный и востребованный в России и за рубежом. УМСО своими концертами и абонементами фактически заполняет те ниши, которые просто не успевает заполнять главный оркестр филармонии — Уральский филармонический: например, абонементы для детей и молодежи.

Конечно, такому коллективу нужен опытный и требовательный наставник, в качестве которого был выбран Энхэ: превосходный музыкант и жесткий, требовательный педагог. Выдающуюся роль в становлении оркестра сыграл его главный приглашенный дирижер А. Рудин. УМСО — постоянно действующий оркестр-академия, выпускники которой играют в оркестрах Екатеринбурга, Москвы, других городов.

В начале 2010-х начали свою деятельность оркестры в регионах: Санкт-Петербурге, Татарстане, Башкортостане и других (чаще, как ни странно, поволжских).

«На все руки Башмет»

В 2012 инициативу в свои руки взял Ю. Башмет. Под его имя и под его патронатом, по идее и при активнейшем участии его ближайшего помощника, талантливого менеджера Д. Гринченко, был организован Всероссийский юношеский симфонический оркестр, собранный из совсем молодых музыкантов: в основном школьников и учащихся колледжей. Оркестр получил широчайшую рекламу:  пресс-конференции, полные почти шекспировских страстей телерепортажи с отборочных прослушиваний, трансляции концертов. Оркестр создан на грант Министерства культуры РФ, одновременно в разных и регионах были созданы Образовательные центры Ю. Башмета. ВЮСО регулярно гастролирует: последний по времени концерт был 11 февраля в Берлине, он  также получил мощный пиар.

С международным участием

В 2009 образован Молодежный симфонический оркестр СНГ, которым дирижировали Ф. Мансуров, М. Горенштейн, Ю. Симонов, В Спиваков (судя по неработающему сайту и полному отсутствию информации, оркестр прекратил свое существование).

Также как в большей степени политический проект можно рассматривать Молодежный белорусско-российский симфонический оркестр появился в 2008. Его участниками за 10 лет были учащиеся московской ЦМШ и Республиканского колледжа при Белорусской государственной академии музыки, Московской консерватории и БГАМ. Оркестр выступал  в России, Беларуси, Великобритании, Германии, Италии, Чехии, Литве.

Коллектив был впервые собран в 2008 году по инициативе Постоянного Комитета Союзного государства и Парламентского Собрания Союза Беларуси и России. Ежегодные гастроли оркестра организовываются министерствами культуры двух стран. По традиции руководство оркестром осуществляют два дирижера — российский и белорусский. От России в проекте постоянно работает Вяч. Валеев. От Белоруссии — разные маэстро.

Особенность всех этих коллективов — сессионный метод работы. Юные музыканты, отобранные дирижерами и концертмейстерами оркестров, композиторами, менеджерами, собираются, как правило, два раза в год на сессии (зимние или летние После чего разъезжаются до следующей встречи.

Под контролем Президента

Казалось бы, что еще нужно? Но вот к вопросу подключили президента. Одним из пунктов нового «майского указа» «О национальных целях и стратегических задачах развития Российской Федерации на период до 2024 года» стал следующий:

  1. Правительству Российской Федерации при разработке национальной программы в сфере культуры обратить особое внимание на необходимость: <…>

г) продвижения талантливой молодежи в сфере музыкального искусства, в том числе посредством создания национального молодежного симфонического оркестра.

Идея возникла не случайно. В 2016 «МО» опубликовало интервью В. Петренко, в котором были важные рассуждения о Молодежном оркестре Евросоюза и о роли молодежных оркестров вообще. Эта информация привлекла внимание и вызвала некоторое ревностное отношение, в частности, со стороны Ю. Башмета. Вероятно, она стала и стимулом для дальнейшего движения в этом направлении. В игру вступила Московская филармония,  получившая большой президентский грант на создание Молодежного оркестра.

Первый состав оркестра набран по результатам Всероссийского конкурса оркестровых исполнителей, проведенного Московской филармонией летом 2018. В конкурсе приняли участие более 360 молодых музыкантов. Те из них, кто не прошел отбор, но получил рекомендацию членов жюри, вошли в стажерскую группу РНМСО. По уставу в оркестре работают музыканты от 22 до 28 лет. Это  старшекурсники, которые должны сочетать работу и учебу в своих вузах.

Между прочим, премии за победу на конкурсе в оркестр были немаленькими: премии: 200 тыс. руб. за первое место, 150 тысяч за второе и 100 — за третье.

Как это работает

О том, что такое РНМСО, рассказал его арт-директор Илья Репенак:

«Это штатная единица Московской филармонии, которая создается при поддержке Фонда президентских грантов. База оркестра — в Филармонии-2, это наш дом. Мы хотим стать лучшим молодежным оркестром в мире, и у нас для этого есть всё.

Есть шикарная база, большой репетиционный зал, классы для занятий, репетитории для групповых занятий, даже специальная комната со шкафчиками для хранения инструментов и одежды.

Мы закупаем инструменты и стараемся собрать лучших молодых музыкантов. С оркестром будут работать крупнейшие дирижеры из разных стран, концертмейстеры и солисты лучших оркестров мира. Мы заказываем в издательстве Schott Music сборники оркестровых трудностей с примерами и комментариями.

<…> На сегодняшний день мы планируем взять в штат 100 артистов оркестра, плюс будет стажерская группа. Туда приглашаются ребята, которые на конкурсе не набрали достаточно баллов, но получили рекомендацию.

<…> Мы приглашаем студентов старше третьего курса. Образование необходимо, и понятно, что придется находить компромиссы.

<…> [Проект делает] команда Московской филармонии во главе с Алексеем Алексеевичем Шалашовым. Мы живем этим проектом. Это мечта, которая реализовалась. И мы очень надеемся, что ребята также будут гореть идеей, что мы сможем собрать команду, где музыканты до 30 лет получат бесценный опыт.

Надеюсь, оркестр как-то поможет решить и проблему оттока кадров за рубеж; с моего курса в России осталось несколько человек, все остальные уехали. И очень радостно, что люди готовы возвращаться на тех условиях, которые мы предлагаем.

Оркестр будет функционировать как обычный симфонический коллектив с учетом того, что больше времени будет уделяться репетиционному и образовательному процессам. Будут концерты в Филармонии-2, в Концертном зале имени Чайковского, гастроли. В общем, обычный концертный сезон обычного симфонического оркестра, просто у наших музыкантов будут ярче гореть глаза.

<…> Мы на берегу договариваемся, что наш оркестр — основное место работы. И будем прощаться с такими людьми — пусть болезненно, но быстро. Потому что мы вкладываем в ребят всю душу… большие средства, но душа здесь на первом месте, потому что много людей работает днем и ночью для того, чтобы этот проект жил. И мы рассчитываем на взаимность».

Госпроект

Очевидно, что идея создания Национального молодежного симфонического оркестра определенно попадает в число государственных культурных приоритетов с политической и идеологической подоплекой: наряду с хоровым обществом, тысячеголосными детскими сводными хорами, духовым обществом.

Не случайно государственный статус РНМСО был определен с самого начала его существования. Был показан сюжет по Первому каналу ТВ. Официальная презентация коллектива прошла на закрытии VII Санкт-Петербургского культурного форума под управлением В. Гергиева (в присутствии О. Голодец и В. Мединского). РНМСО участвовал в концерте в Государственном Кремлевском дворце к 25-летию Конституции РФ в присутствии В. Путина, в исполнении Реквиема Верди (на русском языке) в день 75-летия снятия блокады Ленинграда с Капеллой им. Юрлова под управлением В. Федосеева.

Оркестр дает регулярные концерты в залах Москвы, участвует в новых проектах МГАФ для молодежи («Мама, я меломан!», «Язык музыки»). Правда, полноценных программ в афише пока мало, все больше миниатюры и части симфоний.

Новоиспеченный коллектив уже успел провести всероссийские гастроли (Нижний Новгород, Омск, Томск, Кемерово), концерты в вузах (Московский и Санкт-Петербургский университеты, ВГИК) и даже выступить на Старый новый год в «Крокус Сити холле» с Д. Мацуевым.

Первое выступление РНМСО в Концертном зале имени П. И. Чайковского, 27 ноября 2018

РНМСО изнутри

Как отмечается в статье об  оркестре на сайте МГАФ, оркестр действует на постоянной основе и сочетает в творчестве и работе российские музыкальные традиции и мировой опыт и решает сразу три принципиальные задачи — художественную, образовательную и просветительскую. Такое сочетание функций, ни одна из которых не является вспомогательной, не имеет аналогов.

Оркестр одновременно стабилен и мобилен, он действует как концертный коллектив и первая в стране симфоническая академия. С молодыми музыкантами РНМСО выступают и занимаются дирижеры мирового уровня (Валерий Гергиев, Василий Петренко, Михаил Юровский, Александр Лазарев), концертмейстеры оркестров России и Европы (в том числе, в сезоне 2018/19 — оркестра Консертгебау), специалисты по ансамблевому мастерству и оркестровым трудностям (по учебной литературе издательства Schott Music), историческим исполнительским стилям (в 2019 над французским репертуаром с оркестром работает известный аутентист Жан-Кристоф Спинози). Таким образом, РНМСО становится оркестром, придерживающимся мировых стандартов, — универсальным симфоническим коллективом, свободно ориентирующимся в стилистическом разнообразии музыки, владеющим широким репертуаром и разделяющим с публикой свободу и профессионализм ансамблевой игры, кругозора и творчества» (www.meloman.ru).

Концертами оркестра уже дирижировали Д. Ботинис, А. Рубин, Д. Райскин (он также провел мастер-классы).

У оркестра есть сайт http://www.rnmso.ru/, но информации на нем пока немного. Зато в соцсетях оркестр «светится» основательно. Ведущие концертов музыковед Ярослав Тимофеев и медиаменеджер Мария Холкина, хоть и старше оркестрантов, своим фирменным «прикидом» — майками с портретами великих композиторов, яркими костюмами и кроссовками — придают зрелищу дополнительный «молодежный» антураж. По их мнению, так и нужно завлекать публику нового поколения: ровесников музыкантов и тех, что помоложе.

Что дальше?

В РНМСО отбираются все-таки уже взрослые люди, которым пора переходить к обычной жизни оркестрового музыканта. Как правило, старшекурсники так и поступают, совмещая учебу с работой и устраиваясь в тот или иной коллектив всерьез и надолго.

Что же касается музыкантов РНМСО — тех же старшекурсников, то они попадают как бы в промежуточное положение: с одной стороны — студенты, с другой — оркестранты, с третьей — стажеры. С точки зрения житейской, ситуация несколько неустойчивая. Раньше или позже (через 3, 5, 8 лет) они и должны будут уступить свои места следующему поколению. Смогут ли устроиться в лучшие столичные оркестры? Ведь там-то места уже заняты, в том числе и теми их ровесниками, кто поступает в эти оркестры, минуя молодежный.

Но не исключен и вариант, при котором нынешний молодежный оркестр через несколько лет просто поменяет статус и станет вторым симфоническим оркестром Московской филармонии. А учитывая, что на следующий сезон у коллектива запланировано четыре персональных филармонических абонемента плюс участие еще в нескольких филармонических циклах (всего 25 концертов), это практически уже происходит.

Для сравнения: у АСО — три абонемента.

(В связи с этим стоит напомнить, что в МГАФ в 90-е годы уже был второй коллектив — Государственный симфонический оркестр, которым руководил Владимир Понькин, ранее это был Государственный малый симфонический оркестр при «Союзконцерте»).

А для следующего поколения молодых музыкантов будет создан еще один молодежный оркестр.

Такое развитие событий вполне возможно представить.

МО

Опубликовано МО № 1 (441, 442) 2019

Европейская премьера 22-й симфонии Вайнберга — 12 марта в 21:00 в эфире радио «Орфей»

12 марта 2019 в 21:00 в программе «Deutsche Welle в гостях у Радио Орфей» — запись концерта, в котором впервые за пределами России прозвучала 22-я симфония Мечислава Вайнберга.

Ведущая программы — музыкальный обозреватель DW Анастасия Буцко.

Премьера симфонии состоялась 1 и 2 февраля 2019 в берлинском Концертхаусе. Оркестром Концертхауса дирижировал Томас Зандерлинг. Также в концертах прозвучал Первый фортепианный концерт Брамса, солист — Денис Мацуев.

Накануне концерта 1 февраля в Берлине прошла встреча с журналистами немецких СМИ, которую провели главный редактор газеты «Музыкальное обозрение», исполнительный директор Оргкомитета по проведению Года Вайнберга в России Андрей Устинов и ведущий научный сотрудник Института Адама Мицкевича в Варшаве Алекс Ласковский.

Андрей Устинов рассказал о мероприятиях Года Вайнберга в России к 100-летию со дня рождения композитора, которое будет отмечаться 8 декабря 2019. Был показан видеоролик – фрагмент интервью вдовы Вайнберга Ольги Рахальской, записанного А. Устиновым у нее дома: в квартире, где композитор жил более 40 лет.

Премьере 22-й симфонии Вайнберга в Берлине посвящена рецензия в газете Frankfurter Allgemeine Zeitung, опубликованная 4 февраля.

Воспоминания сквозь пелену безмолвия

Оригинал: газета Frankfurter Allgemeine Zeitung, № 29, 4 февраля 2019 года

В Берлине состоялась немецкая премьера 22-й симфонии Моисея (Мечислава) Вайнберга. Сочинение исполнил оркестр берлинского «Концертхауза» под управлением Томаса Зандерлинга.

Эпическое повествование, разворачивающееся в 22-й симфонии Мечислава Вайнберга, начинается, как и в рождественском хорале «О, как прекрасно сияние утренней звезды» с мажорного трезвучия, но в звучании кларнета слышится скорее смирение, нежели робость и страх. Постепенно квинта растягивается до малой сексты, и музыка приобретает минорную тональность. Сияние звезды по прежнему прекрасно, но в нем больше нет энергии и задора  пробуждения. К слушателю быстро приходит осознание того, что утренняя звезда превратилась в вечернюю и что ему предстоит услышать историю прощания.

Симфония длится 45 минут, но время пролетает незаметно. Оркестр берлинского «Концертхауза» под управлением Томаса Зандерлинга впервые исполняет последнее творение Вайнберга на немецкой сцене. Дирижер четко структурирует исполняемое произведение: глубинный мотив воспоминания пронизывает музыкальную ткань всей симфонии и, чуть замирая, напряженно пульсирует, когда в музыке «наступает тишина». Оркестр чутко следует за дирижером, с удивительной виртуозностью поддерживая драматический накал нарастающих мелодий вплоть до их затухания.

Вайнберг сочинил 22-ю симфонию в Москве, в период с 1993 по 1994 год. Композитор был тяжело болен и понимал, что это его последнее произведение. Вдова Вайнберга Ольга рассказывала, что  в это время он уже практически не мог глотать. Видео этого интервью было показано российским музыковедом Андреем Устиновым во время небольшой встречи, состоявшейся в узком кругу накануне премьеры симфонии. Несмотря на тяжелейшее физическое состояние композитора, Вайнберга буквально приносили к фортепиано на несколько минут в день, для того, чтобы он мог сочинять свою музыку. Ему удалось закончить только эскиз партитуры в фортепианном изложении, поэтому оркестровку произведения должен был взять на себя кто-то другой.

С этой задачей прекрасно справился композитор Кирилл Уманский, невероятно тонко чувствующий творчество Вайнберга. Его оркестровка выполнена  на высочайшем профессиональном уровне. Премьера симфонии состоялась в 2003 году, через семь лет после смерти композитора.

Три части симфонии – Фантазия, Интермеццо и Реминисценции – «бесшовно» переходят одна в другую. Говоря о «настроении» симфонии, трудно не согласиться с утверждением Зандерлинга, знавшего композитора с детства, что это произведение «от начала до конца депрессивно». Последняя симфония Вайнберга – это обращение в прошлое, включающее в себя цитаты из опер «Пассажирка» и  «Идиот». В опере «Идиот» нежность и суровость буквально соседствуют друг с другом: порой их разделяет только тонкая полоска тишины.

Зандерлинг – еще и «брукнеровский» дирижер. Об этом свидетельствует, прежде всего, та уверенность, с которой он работает с музыкальными «повествованиями». Если согласиться с утверждением Жана Поля, что «воспоминание – это единственный рай, из которого мы не можем быть изгнаны», то, вполне вероятно, что лейтмотив 22-й симфонии – это напряженный поиск родины в гуще воспоминаний или, в большей степени, попытка избавления от «жуткого».

Вайнберг родился восьмого декабря 1919 года в Варшаве в еврейской семье. В начале сентября 1939 года он бежал в Советский Союз, а за несколько недель до своей смерти принял православие. В финальной части симфонии звучит тема обещания спасения через обращение в новую веру: слышится перекличка с православными песнопениями. Однако конец симфонии проникнут духом сомнения. На звучание струнных накладываются сольные каденции виолончели в разных тональностях. Вайнберг задается тем же вопросом, что и Рихард Штраус в его последней опере «Каприччио»: «Есть ли финал, который не был бы тривиальным?»

В 2019 году будет отмечаться столетие со дня рождения композитора. Внушает надежды тот факт, что Польша и Россия планируют объединиться и реализовать в 2019 году целый ряд концертных и оперных проектов, а также провести симпозиумы, приуроченные к знаменательной дате. Об этом в кулуарах концерта сообщили Александр Ласковский, сотрудник Института Адама Мицкевича и Андрей Устинов, представляющий Организационный комитет по празднованию 100-летия со дня рождения Мечислава Вайнберга в России.

Основная цель этого сотрудничества заключается в том,  чтобы вернуть имя композитора, чье творчество переживает настоящий ренессанс в Западной Европе, в страны, которые были для него родными.

Большой театр поставил вайнберговского «Идиота». Премьера прошла в рамках Международного форума, посвященного творчеству композитора.

Ян Брахман

ШОС, БРИКС и ЧелСимфОрк

На Южном Урале появится симфонический оркестр

В конце 2018 губернатор Челябинской области Борис Дубровский принял решение о создании в регионе симфонического оркестра.

«Симфонический оркестр будет функционировать на базе камерного оркестра «Классика» под руководством его художественного руководителя Адика Абдурахманова, — сообщил министр культуры Челябинской области А. Бетехтин. — Губернатор выделил дополнительно 22,4 млн. руб. В новом штатном расписании числится в общей сложности 86 человек. Чтобы укомплектовать состав, нужно набрать 43 исполнителя».

Финансирование нового коллектива в составе Челябинской филармонии началось с января 2019.

Конкурсные прослушивания в оркестр будут проходить в Челябинске с 4 по 8 июня, а полноценно функционировать он начнет в сезоне 2019-2020. Выступления симфонического оркестра войдут в культурную программу саммитов ШОС и БРИКС, которые пройдут в Челябинске летом 2020.

Предполагается, что в дальнейшем оркестр будет пополняться выпускниками Южно-Уральского государственного института искусств им. П.И. Чайковского и Магнитогорской консерватории.

Мнения заинтересованных лиц

«Создание симфонического оркестра — стратегический шаг главы региона, — отметил генеральный директор Челябинской филармонии А. Пелымский. — Это глобально и в корне изменит всю музыкальную жизнь Южного Урала, поставив регион в один ряд с лидерами мировой музыкальной индустрии. Это даст приток классных музыкантов, коренным образом изменится репертуарная политика: наши слушатели насладятся множеством произведений, не исполненных ранее. <…> К саммитам ШОС и БРИКС мы сформируем международный симфонический оркестр, с участием музыкантов из стран — членов международных организаций».

Параллельно с формированием оркестра, в программе подготовки к саммитам значится и строительство нового концертного зала с хорошей акустикой. Губернатор Б. Дубровский пообещал рассмотреть возможность его появления на площади общественно-делового центра «Крылья», который строится к саммитам на набережной р. Миасс:

«В текущем проектировании общественно-делового центра мы должны учесть особенности проекта акустического зала. Нужно, конечно, ориентироваться на лучшие образцы акустических залов нашей страны», — сказал губернатор и привел в пример зал «Зарядье».

«Челябинск — единственный из российских городов с населением более миллиона жителей, не имеющий симфонического оркестра, — сказал в интервью порталу «Челябинский обзор» А. Абдурахманов. — Все остальные города-миллионники такими оркестрами располагают… Наконец, очередь дошла и до нас. Это — мечта многих поколений, начиная с 60-х годов. <…> Когда у нас в городе появится симфонический оркестр, будет большой всплеск. Приедут хорошие музыканты, они начнут преподавать, и общий музыкальный уровень Челябинска будет подниматься. Так бывало всегда, это — этап, пройденный во многих городах».

Страсти по оркестру

Речь о создании — точнее о восстановлении — собственного симфонического оркестра, как музыкального бренда Челябинска, ведется много лет.

Как отмечает видный ученый, исследователь истории музыкальной жизни Челябинской области Татьяна Синецкая, симфоническая жизнь в городе и регионе не замирала на протяжении всего ХХ века. Первый симфонический концерт в городе состоялся 2 сентября 1907 (дирижер Г. Моргулис). Концерты шли и до, и после революции. В начале 1938 в составе недавно образованной Челябинской филармонии появился симфонический оркестр. Первым концертом 10 февраля 1938 дирижировал женщина — Е. Филиппова. С 1939 главным дирижером оркестра стал дипломант Всесоюзного конкурса Н. Факторович. С началом войны оркестр был расформирован, а после войны — собран вновь и еще 10 лет радовал челябинцев исполнением классики и современной музыки, гастролями выдающихся дирижеров и солистов.

Однако, как пишет Т. Синецкая, «1956 год приносит Челябинской филармонии неожиданный «сюрприз»: открывается театр оперы и балета им. Глинки, и это радостное, очень важное для развития культуры региона, событие оказалось сопряжено с решением властей передать театру симфонический оркестр филармонии. Понятно, что в те годы город не смог бы набрать квалифицированных музыкантов на два оркестра. Один, совершенно готовый, был «под рукой». Так филармония осталась без своего опорного коллектива, который она создавала ценой невероятных усилий. Приказом № 351 от 12 декабря 1955 г. «О ликвидации с 1 января 1956 г. симфонического оркестра» 50 музыкантов были уволены из филармонии и начали работу в театре. С этого времени филармонические симфонические концерты стали проводиться силами оркестра оперного театра. Взаимное согласие руководства театра и филармонии не прерывать сложившуюся систему симфонических концертов, всемерная поддержка партийных и государственных органов этой работы способствовали дальнейшему совершенствованию в проведении симфонических концертов, созданию абонементов собственно симфонической музыки, смешанных, детских, студенческих абонементов и т.д. Значительную часть концертных программ взял на себя главный дирижер оперного театра И.А. Зак» («МО», 2007, № 10).

Огромный интерес и тяга челябинцев — тех, кто составлял особый культурный слой жителей столицы Южного Урала — к симфонической музыке, к симфоническим концертам не ослабевал и в последующие годы. При аншлагах проходили концерты лучших коллективов страны: ЗКР АСО Ленинградской филармонии под управлением Е. Мравинского, Госоркестра СССР под управлением Е. Светланова, БСО им. Чайковского с В. Федосеевым, оркестра Мариинского театра с В. Гергиевым, «Новая Россия», НФОР, коллективов Новосибирска, Свердловска / Екатеринбурга, Омска, Саратова, Ульяновска, Львова, других городов СССР и России.

Только своего коллектива по-прежнему не было… Ожидалось, что и в наше время, как полвека назад, этот вакуум восполнит оркестр театра оперы и балета, но этого не случилось. И во многом из-за того, что в самом театре, и в его оркестровом хозяйстве в последние годы было много проблем. Менялись главные дирижеры (С. Ферулев, А. Гришанин, Е. Волынский), уезжали главные режиссеры (А. Сергеев, Е. Василева), которым трудно было сработаться с руководством. По всей видимости, театру сегодня просто не до того, чтобы вести интенсивную концертную деятельность. Хотя во многих городах мира, где при отсутствии симфонического оркестра имеется оперный театр, именно оркестр театра заполняет лакуну и наряду с оперными и балетными спектаклями дает до 20 симфонических и до 10 камерных концертов в сезон, полностью обеспечивая интерес публики к оркестровой музыке.

Новое время — новые проблемы

Надежды на возрождение симфонического оркестра появились на рубеже 1980-х-1990-х годов: в перестроечные и постперестроечные годы, когда создать что-то новое в культуре было, в общем-то, не так сложно — возникло чуть ли не более половины ныне существующих российских симфонических и камерных оркестров. В 1994 и в Челябинске был создан камерный оркестр «Классика»: усилиями и энергией, прежде всего, выпускника Ленинградской консерватории, флейтиста и дирижера Адика Абдурахманова.

Потом этот процесс затормозился, потому что жизнь показала, что все не так просто. Недостаточно создать оркестр и объявить об этом во всеуслышание, как сделали во многих городах и регионах: надо, чтобы он успешно функционировал, развивался, совершенствовался. Но региональные власти, как правило, не способны были представить, что это за явление — симфонический оркестр, каков механизм его деятельности. Не понимали, что оркестр — это не «игрушка» для украшения правительственных праздничных концертов, а сложнейший организм, который живет по определенным законам. И создавая который, надо учитывать и опыт, десятилетиями наработанный в стране и в мире (в том числе и регионами-соседями), и множество профессиональных вопросов существования коллектива. Обо всем этом не раз писало «МО». Об этом же постоянно говорит в своих выступлениях и на заседаниях СКОР, и на Симфонических форумах в Екатеринбурге А. Колотурский — директор Свердловской филармонии, безусловно, крупнейший знаток оркестровой ситуации в России и наиболее прогрессивный менеджер в этой сфере.

И наступил момент, когда обнажилось катастрофическое положение ряда коллективов; выявились гигантские проблемы. Причем одни и те же во всех городах и почти во всех оркестрах, созданных на волне эйфории под лозунгом «Даешь оркестр!»: нищенские зарплаты, отсутствие достойного финансирования, дефицит музыкантов и инструментов (кое-где некоторые инструменты до сих пор заменяются синтезатором, а некоторые оркестранты не справляются со своими партиями, и их приходится «облегчать») и как результат — невозможность играть серьезные программы; засилье в репертуаре миниатюр, музыки кино, песен, эстрадных пьес. Отсутствие жилья и нормальных бытовых условий для приглашенных музыкантов. Недостаточно четкая обозначенность места и роли коллектива, его исключительного положения в общественной и культурной жизни города и региона, а порой и просто невнимание властей. А ведь — нельзя забывать! — симфонический оркестр — такой же культурный бренд города, как драматический и оперный театр. Так обстоит дело во всем мире.

Опыт соседей

К счастью, есть позитивные примеры и в России. Например, три года назад был создан симфонический оркестр в Тюмени: с нуля и по всем правилам мирового и европейского оркестростроитесльства. Под патронатом губернатора, с достойным бюджетом и достойными зарплатами, мощной и целенаправленной PR-кампанией. С учетом всех возможных проблем и стремлением их решить. Конкурс в коллектив был проведен по лекалам лучших оркестров мира. Были закуплены комплекты высококлассных инструментов. Иногородним музыкантам — а их большинство — предоставлены квартиры. Определена стратегия развития оркестра, планы по расширению штата и доведению его в течение нескольких лет до полноценного состава, ротации оркестрантов, с учетом приглашения музыкантов из других городов и воспитания собственных кадров.

Мы много писали об этом  опыте. Проект создания Тюменского симфонического оркестра был назван «Событием года», а главный дирижер Е. Шестаков и тогдашний директор филармонии М. Бирман — «Персонами года».

Хотелось бы, чтобы этот опыт, эту стратегию, этот подход восприняли и переняли в Челябинске. Чтобы челябинский проект оказался столь же продуманным и развивался по верному пути. Но стоит предостеречь и от «замыливания» проблем: в том числе и тех, которые возникнут через 2–3 года.

О чем надо думать

В первую очередь, это кадровые проблемы, поскольку из близлежащих крупных городов, где есть оркестры, музыканты в Челябинск не поедут: там гораздо лучшие финансовые условия, выше зарплаты. Речь идет о Екатеринбурге (федеральный театр оперы и балета и два — УАФО и УМСО), Перми, где вся оркестровая масса сосредоточена в театре оперы и балета, Тюмени. В Челябинской области три вуза: Институт искусств, ЮГИИ им. Чайковского и Магнитогорская консерватория. Едва ли они смогут обеспечить кадрами и оркестр, и два театра (Челябинский и Магнитогорский). К тому же, по словам А. Абдурахманова, существует договоренность — не приглашать  в симфонический оркестр музыкантов Театра оперы и балета. Поэтому надо рассчитывать на тех, кто готов покинуть более слабые оркестры других регионов, но в то же время не готов конкурировать с коллегами в коллективах более высокого уровня. Т.е. на музыкантов не самого высшего класса. Это сильно осложнит задачу качественного роста коллектива. Значит, надо думать и о приглашении именитых, опытных и умелых дирижеров, способных из этой разнородной массы создать единый ансамбль. Разумеется, при опоре (по крайней мере, в первые годы) на иногородних музыкантов остро встанет квартирный вопрос.

Важно не только продумать проблемы текущего момента (можно не сомневаться, что к саммиту все будет подготовлено по высшему разряду), но и предвидеть многие нюансы, которые могут появиться в будущем.

А пока можно только искренне порадоваться тому, что в Челябинске, городе с большими музыкальными академическими традициями, возрождается симфонический оркестр. Это действительно прорыв, который качественно изменит лицо Челябинской филармонии — одной из лучших в стране, обладающей замечательными коллективами и двумя прекрасными залами: Концертным залом имени С.С. Прокофьева и залом камерной и органной музыки «Родина». Но теперь, с созданием симфонического оркестра, городу нужен будет новый акустически совершенный зал для регулярных симфонических концертов, и губернатор обещал его построить. И можно не сомневаться, что пустовать он не будет.

В добрый путь, Челябинский симфонический оркестр!

«МО»


Дорогие наши читатели, коллеги, друзья!
Времена изменились, но «Музыкальное обозрение» неизменно в своей сути: качественная аналитика, рецензии, статьи, книжные обзоры, исчерпывающая картина культурной жизни в столицах и регионах.
Подписывайтесь на газету «Музыкальное обозрение»!
Подписка на газету – это ваша поддержка сайта, концертов и фестивалей, образовательных, просветительских, издательских проектов «Музыкального обозрения».
Также вы можете поддержать наше издание финансово.
«Музыкальное обозрение» в социальных сетях

Самарский карнавал: «Три маски короля» в Самарском театре оперы и балета

15 февраля 2019 САТОБ выпустил внеплановую мировую премьеру

«Три маски короля» добавились в афишу Самарского театра опера и балета внезапно. Они взорвали размеренную жизнь провинциального театра со скромным госфинансированием, которого хватило в этом сезоне аккурат на выпуск балета для детей «Чиполлино» на музыку К. Хачатуряна в хореографии Генриха Майорова – того самого легендарного воспитательного для ног спектакля 1974 года про овощного малютку-Спартака, идущего во всех театрах бывшего СССР. Премьера «Чиполлино» в Самаре состоялась 8 декабря 2018, и ни о каких других премьерах за государственный счет речь идти не могла, хотя еще в прошлом сезоне в театре выпустили и оперу «Кармен» в постановке Георгия Исаакяна, и балет-реконструкцию «Эсмеральда» (Юрий Бурлака после М. Петипа). Последнюю номинировали на соискание премии «Золотая маска», и она уже приезжала в Москву в рамках конкурсной программы, что важно само по себе – все-таки первый «масочный» выезд самарского балета за все время существования Национальной театральной премии, но на привлекательность домашней афиши московская гастроль влияет мало.

Оперные новинки в нынешний сезон тоже вошли, хотя и не совсем обычным путем. В ноябре в САТОБ устроили внеочередной фестиваль и посвятили его 160-летию Дж. Пуччини. Поскольку в июне прошлого года театру пришлось раньше времени распустить сотрудников в отпуска и передать здание в ведение оргкомитета ФИФА, традиционный весенний оперный форум сдвинулся на осень. По идее музыкального руководителя и главного дирижера театра Евгения Хохлова фест стал тематическим. Показали имеющиеся в репертуаре театра оперы маэстро из Лукки «Флория Тоска» и «Мадам Баттерфляй» с приглашенными из двух столиц солистами. Остальные три вечера представляли собой концертные программы, которые прятали внутри новые «Богему», «Джанни Скикки» и оперный гала со сценами и номерами из «Тоски»», «Турандот», «Богемы», «Ласточки», «Манон Леско» и «Эдгара». Формально «Богема» и «Джанни Скикки» 񠬈 полуконцертные версии, но в реальности это полноценные постановки, выполненные без привычного аутсорсинга с использованием только внутренних ресурсов (костюмы и декорации целиком изготовлены в цехах театра). «Богему» с купюрами хоровых сцен поставили штатные режиссер и художник САТОБ Марина Шапкина и Елена Соловьева, над «Джанни Скикки» работала команда из Москвы: выпускница РАТИ Надежда Бахшиева и выпускница Школы-студии МХТ Василиса Кутузова. Бахшиева (мастерская Г. Исаакяна) и Кутузова уже вместе ставили в Театре имени Н.А. Сац оперу Хумпердинка «Гензель и Гретель» в прошлом сезоне, она выпускалась с адаптированным для детской аудитории названием «Лес, ведьма и горящий шкаф». Кроме того, в рамках фестиваля состоялась еще одна необычная премьера: завлит театра Екатерина Бабурина, подготовила для супратитров новые переводы либретто всех четырех, имеющихся теперь в театре опер Пуччини на современный русский язык, взамен приблизительно-поэтических. Эффективность такой акции для САТОБ трудно переоценить, поскольку на сегодняшний момент Бабурина является лучшим и самым востребованным переводчиком оперных титров в России. Она же сделала интересный буклет-путеводитель по мировой премьере балета-притчи «Три маски короля».

Фото Виктория Назарова

Встречи на Неве

Нельзя сказать, что в Самаре никогда не случались мировые премьеры. Очень даже случались — ровно 20 лет назад в 1999 Мстислав Ростропович и Роберт Стуруа поставили в САТОБ оперу С. Слонимского «Видения Иоанна Грозного», но в те времена премьеры партитур еще не догадались называть мировыми.

Была и балетная (условно) мировая премьера — «Дама пик» Александра Чайковского в постановке К. Шморгонера в 2013 году, однако хореограф не смог внятно сформулировать, является ли его постановка новой или представляет собой частичный перенос спектакля, сделанного им много лет назад в Перми. С «Тремя масками короля» неясности нет. Это от начала до конца мировая премьера — новое название, новая музыка, новая постановка.

Петербургский меценат и владелец успешного строительного бизнеса, а также изобретатель с сотней патентов, основатель социально-культурного проекта «Созидающий мир» и театра «Килизэ» Вячеслав Заренков искал хореографа, дирижера, художника и, собственно, театр с балетной труппой, чтобы реализовать наилучшим образом дорогой ему проект. В активе Заренкова были либретто балета-притчи «Три маски короля», музыка к нему и финансы. Перспективным проектом новой внеплановой премьеры заинтересовался Хохлов и согласовал возможность постановки с главным балетмейстером САТОБ Юрием Бурлакой, который и назвал имя хореографа. Им стал друг и коллега из Мариинского театра Юрий Смекалов, вместе с которым Бурлака ставил «Пахиту» два года назад.

И новая музыка, новая музыка, новая…

Музыку к балету написал поэт и композитор Михаил Крылов, деятель Ленинградского радио. Много лет он вел авторскую программу «Соло для души», за двадцать лет в ней побывали все звезды российской эстрады. Нередко гости становились впоследствии соавторами ведущего. Это композиторы Игорь Корнелюк, Александр Морозов, Александр Журбин. Песни Крылова живут в репертуаре Михаила Боярского, Надежды Бабкиной, Аллы Баяновой и др. В 2005 Крылов участвовал в создании первого ледового шоу «Бесконечность» с Натальей Бестемьяновой и Андреем Букиным. Вместе с Вячеславом Заренковым он сочинил три балета, один из которых – «Орр и Ора» – был поставлен в 2017 году в Большом театре Беларуси хореографом Александрой Тихомировой.

В первоначальном варианте мелодичная партитура «Трех масок короля» напоминала по структуре песенник — сборник популярных песен, настольную книгу десятков тысяч меломанов из СССР. В таких сборниках, если кто помнит из детства, были песни на все случаи жизни, песни для разного настроения: веселые и веселящие, грустные лирические, танцевально-приподнятые, духоподъемные-маршевые. Взявшись за спектакль, Смекалов решил переплавить песенник в партитуру современного балета. Для этого были приглашены композиторы Даниил Пильчен и Влад Жуков: первый делал оркестровку, следуя постановочному плану хореографа, второй занимался саунд-продюсированием. На живое звучание оркестра со скромным количеством музыкантов и инструментов был плотным слоем наложен makeup фонограммы, а после выстроен идеальный акустический баланс. В зависимости от сюжетной перипетии на первый план выходили звенящее соло барочного клавесина, гул литавр, волны фанфар, рулады отсутствующих в яме групп струнных. Звуковая лавина должна была накрывать сцену, зрительный зал с ярусами, но не так яростно, как во время поп- или рок-концерта, не победительно доминировать, а равномерно покорять сердца слушателей мелодиями.

Фото Виктория Назарова

Современное неактуальное искусство

Перефразируя шекспировского Жака с его трюизмами о мире-театре, либреттисты балета-притчи утверждают, что с пеленок человек обречен носить разные маски. Маска — твой пропуск в большой мир, она же – закрытые ворота на пути к самому себе. Срывание маски — революция и свобода, но жизнь без маски — грусть и верный суицид. Внутри вот этих нехитрых дилемм живет одинокий властолюбец Юлий. «Три маски короля» —монологическая драма его искушений, тайных страстей и желаний. Смекалов ставит свой спектакль про Него.

В этом смысле хореограф продолжает драмбалетное направление Юрия Григоровича, Джона Ноймайера и Бориса Эйфмана в стадии «нео». Смекалов-танцовщик слишком много времени провел в обществе героев балетов Эйфмана — Павел I, Чайковский, etc etc — и как хореограф не может это прошлое просто так отбросить. Он складывает в Самаре новое мозаичное панно для монументальной галереи портретов сильных и сложных личностей, причастных к власти, плененных музами, мучимых психозами, героев с романтическим раздвоением личности или нравственным распадом.

Выбранное направление навязывает свой родовой хореографический синтаксис, в котором подлежащее — это главный герой, сказуемое — кордебалет (вся деятельность героя и направление его мыслей протанцовывается толпой), обстоятельства места и времени – кордебалет, прямое дополнение – тоже кордебалет. Морфология неодрамбалета, или иначе, его пластика – неприхотлива и всеядна. В ней присутствуют и классические «суффиксы», и «приставки» техник contemporary dance, флексии из спортивной гимнастики, фигурного катания и эстрадных танцев. Однако Смекалов не совсем неправ, называя свои «Три маски короля» произведением современного искусства. Увядшая для балетной сцены структура неодрамбалета «герой — его двойники, alter ego во множественном числе — кордебалет-толпа-хор» сама вышла на contemporary, закрепившись в нише современного мюзик-холла. В «Масках» нет певцов, поэтому назвать их мюзиклом нельзя, но пластическим музыкальным спектаклем вполне можно. Тем более что музыкальный материал, в основе своей – мелодичный «песенник», был переработан и «упакован» с помощью современных технологий post-production. В результате зритель получил не балет, не спектакль современного танца, не мюзикл и шоу, а нечто еще не родившееся как жанр, нечто соединяющее в себе элементы элитарного искусства и масскульта. И к этому волнительному «нечто» зритель будет тянуться.

Маска, я тебя знаю

В первый день премьеры короля Юлия танцевал премьер Мариинского театра Владимир Шкляров. Он и есть тот самый загадочный герой нашего времени, про которого Смекалов поставил балет. Трудности физической формы, переведенные в легкость бытия, трепетная душа поэта, возмущенная ежедневным возведением в королевский ранг, ангельская внешность и воля к вечному поединку с судьбой – это обрывки биографии танцовщика Владимира Шклярова, его частные маски. Он танцевал себя, а вдохновленный новой работой и исполнительским уровнем петербургского лидера самарский кордебалет увлеченно ему вторил.

В общей сложности театр подготовил шесть Юлиев, трое выступили в премьерные дни, остальные будут постепенно вводиться. И каждому предстоит надеть дополнительную маску «быть Владимиром Шкляровым».

Фото Виктория Назарова

В будущее возьмут всех

Ближайшие планы театра определены: с 17 по 27 апреля пройдет оперный фестиваль «Имена». В афишных спектаклях выступят приглашенные звезды — Владислав Сулимский, Анастасия Калагина, Агунда Кулаева, Алексей Татаринцев, Владимир Мороз и другие.

Новый сезон откроется 13 сентября постановкой оперы С. Прокофьева «Любовь к трем апельсинам». Премьеру подготовят режиссер из Москвы Наталья Дыченко (из последних ее интересных работ — «Иоланта» в Магнитогорском театре оперы и балета, 2016) и главный художник театра Елена Соловьева.

Балетная премьера состоится 18 октября 2019, она будет посвящена 100-летию со дня рождения ленинградской балерины и педагога Аллы Шелест, которую с САТОБ связывали годы плодотворного сотрудничества. К юбилею великой танцовщицы — на открытии Фестиваля классического балета ее имени — театр покажет «Бахчисарайский фонтан» Б. Асафьева. Хореографию Ростислава Захарова перенесет в Самару балерина Мариинского театра Дарья Павленко. Оформлением спектакля по легендарным эскизам Валентины Ходасевич (их московской редакции 1936 года), будут заниматься Андрей Войтенко и Татьяна Ногинова, специалисты в области реставрации.

Екатерина БЕЛЯЕВА

III-я Международная научно-практическая конференция «Дягилев: искусство продюсирования. Вчера, сегодня, завтра!»

1 апреля 2019 года в Академии Русского балета им. А.Я. Вагановой состоится III-я Международная научно-практическая конференция в Год театра в России «Дягилев: искусство продюсирования. Вчера, сегодня, завтра!»,  посвящённая 147-летию со дня рождения продюсера С.П. Дягилева, 110-летию появления балетных спектаклей в программе «Русских сезонов» и 90-летию со дня смерти С.П. Дягилева.

Третья Международная научно-практическая конференция «Дягилев: искусство продюсирования. Вчера, сегодня, завтра!» проводится в Год театра в России и приурочена, по традиции, ко дню рождения С.П. Дягилева, отмечаемого 31 марта. В этом году исполняется 90 лет со дня смерти С.П. Дягилева и 110 лет появления первых балетных спектаклей в программе «Русских сезонов».

В 2009 году столетие «Русских сезонов» Дягилева, соединивших в себе исключительные художественные ценности и открывших «Россию России, Россию миру», широко отмечалось в нашей стране и за рубежом музыкальными и балетными фестивалями, художественными выставками.

«Международный культурный проект «Русские сезоны», названный в память о легендарной труппе Сергея Дягилева, был возобновлён по поручению Президента России Владимира Путина и является сегодня ежегодным государственным проектом по представлению российской культуры в разных странах.

В 2017 г. «Русские сезоны» новейшего времени впервые прошли в Японии, в 2018 г. в Италии, в этом году проект принимает Германия. Академия Русского балета имени А.Я. Вагановой является участницей этого крупномасштабного фестиваля отечественной культуры за рубежом. История повторяется.

110 лет назад первая балетная труппа «Русских сезонов» состояла из артистов Мариинского и Большого театров, обучавшихся в Санкт-Петербургском Императорском театральном училище, ныне Академия Русского балета имени А.Я. Вагановой. В мае 1909 года труппа Дягилева прибыла в Париж, где наряду с оперными спектаклями были показаны балеты Фокина с Нижинским, Павловой, Карсавиной, Рубинштейн и другими. Сезон 1909 г. стал одним из переломных событий мировой культуры XX века и положил начало победоносному шествию Русского балета.

1 апреля 2019 г. Академия Русского балета имени А.Я. Вагановой в третий раз соберёт вместе деятелей искусства балета и оперы, теоретиков и практиков театра, музыки, изобразительного искусства, кино и телевидения; продюсеров,  руководителей и менеджеров различных организаций и проектов; учащихся, студентов, аспирантов, преподавателей и исследователей из Академии и других вузов; а также слушателей, увлечённых искусством и гением Дягилева. Состоится обмен мнениями и опытом по ряду научно-исследовательских, учебно-методических, теоретических и прикладных актуальных задач, стоящих перед профессиональным сообществом.

Тематика докладов в этом году посвящена, преимущественно, первым балетным спектаклям в программе «Русских сезонов», и шире — различным аспектам музыкально-театральных произведений малых форм, одноактных балетов, созданным в разное время и в разных жанрах театральным миниатюрам, как лаконичной форме спектакля. Со всеми составляющими — от замысла до выпуска и проката камерного произведения исполнительского искусства.

Целью ежегодной научно-практической конференции является междисциплинарные исследования творческих, научных, образовательных, организационно-управленческих, финансово-экономических, интегративных и иных аспектов деятельности в сфере культуры и искусства; консолидация научного знания с практикой современного российского и зарубежного продюсирования; придание динамики эффективному развитию исполнительских искусств в Год театра в России.

Активное участие в подготовке и проведении международной конференции принимают студенты профилей подготовки «Менеджмент исполнительских искусств» (бакалавриат) и «Продюсирование хореографического искусства» (магистратура) кафедры балетоведения Академии Русского балета имени А.Я. Вагановой в рамках своей практической деятельности.

Программа Конференции предусматривает обмен научным и практическим опытом при изучении феномена Дягилева, «Русских сезонов» и «Русского балета Сергея Дягилева»; междисциплинарных исследований инструментов эффективного менеджмента и продюсирования проектов в сфере исполнительских искусств, организаций и учреждений культуры и искусства; различных аспектов теории и практики регулирования творческой деятельности; межкультурных и глобальных коммуникаций; подготовке студентов-менеджеров и будущих продюсеров.

 

Организатор Конференции — Академия Русского балета имени А.Я. Вагановой:

  • Кафедра балетоведения;
  • Междисциплинарная научно-практическая лаборатория искусства продюсирования имени С.П. Дягилева при кафедре балетоведения Академии Русского балета имени А.Я. Вагановой («Дягилевская лаборатория»).

 

Культурно-просветительская программа в рамках Конференции:

Сроки и порядок регистрации участников Конференции:

Регистрация участников на сайте Академии, раздел «Научная и издательская деятельность. Конференции».

Регламент доклада (сообщения) — до 15 минут (включая вопросы).

 

Заявки на участие в Конференции, темы докладов и их тезисы (на русском или английском языке объемом до 1 тыс. знаков с пробелами) принимаются до 20 марта. Если Вы не получили уведомление об успешном получении Вашей заявки в течение 3-х рабочих дней после прохождения электронной регистрации, пожалуйста, дополнительно свяжитесь с организаторами по указанной ниже электронной почте.

Организаторы оставляют за собой право отклонить заявки, не соответствующие тематике и формату Конференции. Авторы тезисов, статей и докладов получают уведомление об участии не позднее 22 марта.

Материалы Конференции по её итогам могут быть рекомендованы к публикации в научном журнале «Вестник Академии Русского балета имени А.Я. Вагановой» (при условии соответствия формату издания), который включён в перечень ведущих рецензируемых научных журналов ВАК и в систему РИНЦ.

Регистрационный взнос не взимается. Возможно заочное участие.

Порядок регистрации слушателей Конференции:

Регистрация слушателей на сайте Академии, раздел «Научная и издательская деятельность. Конференции».

В строке «Полное название доклада», пожалуйста, обязательно укажите: «Слушатель конференции». Также можете направить Заявку слушателя по установленной на сайте Академии форме по электронной почте diaghilevlab@vaganovaacademy.ru и обязательно получить подтверждение об успешном прохождении регистрации и приглашение.

Время начала Конференции будет уточнено и объявлено по окончании приёма и обработки Заявок докладчиков. Ориентировочно время начала в 10.00, окончание ориентировочно в 18.00, с перерывом.

 

Научный руководитель Конференции:

Мария Олеговна Потолокова, член-корреспондент Всемирной академии наук комплексной безопасности, Академии естественных наук, доктор экономических наук, профессор кафедры балетоведения Академии Русского балета имени А.Я. Вагановой.

Куратор и инициатор проведения Конференции:

Ринат Дулмаганов, член Международного союза музыкальных деятелей (1996), генеральный продюсер Национального оперного центра и Общественного фонда развития исполнительских искусств, эксперт Национальной оперной премии «Онегин», создатель и руководитель Продюсерской мастерской и ст. преподаватель СПбГИК, основатель и руководитель «Дягилевской лаборатории» при кафедре балетоведения, аспирант кафедры балетоведения Академии Русского балета имени А.Я. Вагановой.

Координатор:

Инна Муаедовна Конотоп, генеральный директор ГП «Леноблкиновидео», аспирант кафедры балетоведения Академии Русского балета имени А.Я. Вагановой.

Менеджеры: студенты профилей подготовки «Менеджмент исполнительских искусств» (бакалавриат) и «Продюсирование хореографического искусства» (магистратура) кафедры балетоведения Академии Русского балета имени А.Я. Вагановой.

Заведующий кафедрой балетоведения:

Борис Александрович Илларионов, кандидат искусствоведения.

Архив Конференции:

2018 – 2017 гг. на сайте Академии, раздел «Научная и издательская деятельность. Конференции. Архив».

Вопросы, в т.ч. по получению официального приглашения для оформления визы зарубежными участниками Конференции — по электронной почте diaghilevlab@vaganovaacademy.ru.

Список стран безвизового въезда можно найти на сайте Ростуризма.

Страница в сети Интернет: http://diaghilevconf.tilda.ws/, Мероприятие «Конференция» во ВКонтакте: https://vk.com/diaghilevconference.

Адрес: Академия Русского балета имени А.Я. Вагановой, 191023, Санкт-Петербург, ул. Зодчего Росси д.2, тел. +7-812-456-07-65.

14 марта — Михаил Бурлаков (баян) с программой «Отражения» в концерте абонемента «www.баян.ru. Звезды баяна и аккордеона»

Московская филармония и газета «Музыкальное обозрение» представляют абонемент «www.баян.ru. Звезды баяна и аккордеона» с участием мастеров исполнительства на этих инструментах. 14 марта в Камерном зале Московской филармонии выступит Михаил БУРЛАКОВ с программой «Отражения». Автор и ведущий программ — главный редактор газеты «Музыкальное обозрение» Андрей УСТИНОВ.

Томазо Антонио Витали (1663—1745) – Чакона для скрипки и фортепиано (опубликовано 1872)
(переложение для виолончели – В. Тонха, транскрипция партии ф-но для баяна – М. Бурлаков), исполнители: Ростислав Буркин (виолончель) и Михаил Бурлаков (баян)

Арво Пярт (*1935) – Тривиум для органа (1976)
(переложение для баяна – М. Бурлаков)

Джон Кейдж (1912—1992) – Сон (1948)
(транскрипция для баяна – М. Бурлаков)

Альфред Шнитке (1934—1998) – Две маленьких пьесы для органа (1980)
(транскрипция для баяна – М. Бурлаков)

А. Шнитке – Сюита в старинном стиле для скрипки и фортепиано (1972): Пастораль, Балет, Менуэт, Фуга, Пантомима
(переложение для ансамбля – М. Бурлаков), ансамбль солистов «Классик-форум»: Денис Чефанов (рояль), Ростислав Буркин (виолончель), Ирина Богданова (скрипка), Полина Баулина (флейта), Михаил Бурлаков (баян)

А. Шнитке – 4 части из «Гоголь-сюиты» (1981): Увертюра, Детство Чичикова, Шинель, Чиновники.
Исполняет   ансамбль солистов «Классик-форум»: Денис Чефанов (рояль), Ростислав Буркин (виолончель), Ирина Богданова (скрипка), Полина Баулина (флейта), Михаил Бурлаков (баян)

Автор и ведущий — Андрей Устинов

Михаил БУРЛАКОВ: «Программа, которую мы с моим ансамблем “Классик-форум” сыграем в абонементе Андрея Устинова, полна сюрпризов…»

Что мы знаем о современном баяне?..

Музыкальный инструмент, который чуть ли не во половине стран мира считают своим народным.

Старая шутка про парнокопытное, ныне ставшая интернет-мемом…

Пожалуй, всё.

Надеюсь, слушатели концерта «Отражения» в Камерном зале Московской филармонии узнают об этом инструменте что-то новое. Программа, которую мы с моим ансамблем «Классик-форум» сыграем в абонементе Андрея Устинова, полна сюрпризов: многоликий баян в роли средневекового клавира или космического органа из будущего представит образы, далекие от будничных реалий современного мира.

Солист и ансамбль играют «ва-банк»: вся музыка концептуальна, требует бескомпромиссного качества, к тому же исполняется на неоригинальных инструментах.

Знаменитая «Чакона» Витали, одна из самых странных загадок классической музыки, авторство которой до сих пор под сомнением… «Новый стиль» Арво Пярта, объединяющий многие другие стили и не похожий ни на один из них…

Коллажи Альфреда Шнитке — «Вселенная звуков» со своим пространством и временем…

Все эти, во многом полярные, опусы объединяет неуловимое сходство: в них звучат вечные вопросы, на которые пытливый и вдумчивый слушатель, возможно, найдет ответы.

Михаил БУРЛАКОВ — исполнитель, педагог, музыкальный деятель, яркий представитель плеяды выпускников Российской академии музыки им. Гнесиных рубежа XX–XXI веков. Родился и начал заниматься на баяне в г. Кузнецке Пензенской области. По окончании Кузнецкого музыкального училища поступил в РАМ им. Гнесиных в класс выдающегося музыканта, народного артиста России профессора Ф.Р. Липса, у которого в 2002 окончил Академии, а в 2004 — ассистентуру-стажировку.

Лауреат I Всероссийского конкурса исполнителей имени И.Я. Паницкого в Саратове (1995), международных конкурсов в Ланчиано (Италия, 1999), Клингентале (Германия, 2000), Москве (2000), Челябинске (2001), Аррасате (Испания, 2001), Кастельфидардо (Италия, 2003).

Сольно и вместе с ведущими творческими коллективами страны (БСО им. П.И. Чайковского, оркестр «Новая Россия», Капелла им. Юрлова, Камерный хор Московской консерватории, НАОНИР им. Н.П. Осипова, АОРНИ им. Н.Н. Некрасова и др.) играет в крупнейших залах Москвы, городов России и мира, пропагандируя классическое музыкальное наследие и современное академическое искусство.

С 2004 года преподает в РАМ им. Гнесиных, доцент. В числе его воспитанников — лауреаты престижных международных конкурсов. Читает курсы лекций по истории исполнительского искусства, методике и музыкальной психологии.

Михаил Бурлаков — создатель и художественный руководитель ансамбля солистов «Классик-форум». Постоянно участвует в крупных музыкальных форумах, фестивалях, научно-методических конференциях и семинарах, преподает на курсах повышения квалификации, работает в жюри всероссийских и международных конкурсов.

До 5 апреля продлен срок приёма заявок на участие в XVI Международном конкурсе им. П.И. Чайковского

В связи со значительным повышением активности кандидатов в участники и увеличением числа заявок в финальные дни приёма, Оргкомитетом Конкурса принято решение о продлении срока приёма заявок на участие в XVI Международном конкурсе им. П.И. Чайковского до 5 апреля 2019 года включительно.

На данный момент на участие в XVI Международном конкурсе им. П.И. Чайковского подано более 1.200 заявок, что вдвое превышает цифру на прошлом Конкурсе (в 2015 году было получено 623 заявки).

Напоминаем, чтобы стать участником отборочного тура, необходимо заполнить заявку онлайн на официальном сайте Конкурса – www.tchaikovskycompetition.com.

XVI Международный конкурс им. П.И. Чайковского пройдет с 17 по 29 июня 2019 года в Москве и Санкт-Петербурге.

Россия — не Европа?

Александр Дмитриев покинул пост художественного руководителя и главного дирижера АСО Санкт-Петербургской филармонии

В панораме оркестровой жизни прошедшего года (а это назначения, отставки, гастроли, фестивали, форумы, уходы из жизни, юбилеи), среди традиционных, можно сказать, переходящих из сезона в сезон, «клишированных» событий оркестровой жизни выделяется не так много. Несколько фестивалей («Другое пространство», Фестиваль РНО, Фестиваль М. Ростроповича, концерты Транссибирского Арт-Фестиваля в Новосибирске и других городах, Фестиваль новой музыки в Омске), несколько абонементных циклов (можно упомянуть абонементы Капеллы Полянского в Московской филармонии),  отдельные программы ряда оркестров.

Нероссийская история

По мнению экспертов «МО», все же наиболее значительными событиями оркестрового года стали:

• уход из жизни Геннадия Рождественского,
• V Симфонический форум в Екатеринбурге,
• уход Александра Дмитриева с поста художественного руководителя и главного дирижера АСО Санкт-Петербургской филармонии.

История отставки А. Дмитриева — совершенно нехарактерная для России, но абсолютно стандартная для Европы. Ситуация, в которой на первом месте не чьи-то интересы или амбиции, а благородное отношение к профессии и к заслуженному маэстро.

Как известно, в любом европейском оркестре с дирижером заключается контракт на определенный срок. Если этот контракт продлевается, то об этом объявляется заранее. А если не продлевается, то об этом также объявляется заранее. И эта процедура, этот процесс превращается в достойнейший ритуал. Более того, в этот период культ уходящего маэстро увеличивается многократно: издаются книги, выпускаются альбомы CD, уходящему дирижеру оказываются всяческие почести, организуются прощальные турне, присваивается титул «почетного дирижера», «дирижера-лауреата», «пожизненного маэстро». Тем самым подчеркивается его роль и значение в истории коллектива. Одновременно ведется грамотная политика в отношении преемника. И все это делается с исключительным тактом, чтобы сохранить преемственность в отношениях, добрую атмосферу в коллективе, атмосферу служения искусству, высокий статус  и репутацию как обоих маэстро, так и и оркестра, который один передает в руки другому.

Возможно, самый потрясающий пример такого рода — расставание Берлинской филармонии с Клаудио Аббадо. Он возглавил «филармоников» в 1989 после Герберта фон Караяна. В 1999 было объявлено, что через три года маэстро уступит свой пост Саймону Рэттлу. Прошли годы, и летом 2015 оркестр  объявил, что на смену Рэттлу выбран Кирилла Петренко, который заступил на свою новую должность с нынешнего сезона. Прочитав нашу подборку , можно убедиться, что именно так устроена жизнь лучших оркестров.

А что у нас?

Вернемся в Россию. В мае прошлого года 81-летний народный артист СССР А. Дмитриев, возглавлявший второй коллектив Санкт-Петербургской филармонии более 40 лет (с 1977), вдруг — как гром среди ясного неба, даже трудно было в это поверить, и почему-то это заявление не было замечено ни СМИ, ни кем бы то ни было в музыкальной среде — совершает грандиозный по нашим меркам поступок: заявляет, что он уходит со своего поста. Конечно, «по-европейски» верно было бы сказать об этом хотя бы за год, но в любом случае невозможно вспомнить, чтобы в СССР или России какой-нибудь маэстро публично сказал: я ухожу. У нас дирижеров либо выносят ногами вперед, либо выгоняют (последний пример — главный дирижер Ульяновского оркестра О. Зверев, которого директор филармонии сняла с работы за две недели до юбилейного концерта оркестра, не дав доработать три месяца до конца контракта).

Чем старше, тем…

Как однажды сказал Ю.Х. Темирканов, дирижерская профессия — это профессия второй половины жизни. Скорее даже второй половины карьеры (если считать ее началом возраст примерно от 25 до 30 лет). Чаще всего зрелость наступает после 50–60, когда слуховой опыт и опыт общения с оркестрантами достигает вершин — но только тогда, когда маэстро способен к росту, если он постоянно совершенствуется. Это удается не всем. Некоторые маэстро на каком-то этапе, достигнув определенного уровня, останавливаются в своем развитии. И только те дирижеры, которые осознают необходимость непрерывного совершенствования, в том числе и в работе с ведущими коллективами мирового уровня, оправдывают афоризм Ю. Темирканова.

Но проблема еще и в том, что в определенном возрасте объективно снижаются физические возможности. Так устроена любая профессия, и профессия музыканта в том числе. Сложно и пианисту, и скрипачу играть виртуозные, темпераментные сочинения.

Конечно, геронтологическая составляющая в дирижерской профессии присутствует и это тоже объективная ситуация. 80 для дирижера всегда было чуть дли не средним возрастом. Леопольд Стоковский дирижировал до 95 лет и в 90 то ли в шутку, то ли всерьез говорил: секрет моего долголетия в том, что я каждый день минимум полтора часа занимаюсь физической работой. Уважение к мастерам старшего поколения было всегда и остается сегодня: по-прежнему большие оркестры приглашают Х. Бломштедта, которому за 90. Б. Хайтинк, которому в марте исполнится 90, упавший и получивший травмы прошлым летом на сцене Концертгебау, заявил недавно, что он выполнит все обязательства этого сезона, возьмет паузу на сезон 2019–2020 и детом 2020 собирается вернуться на сцену.

Но у нас геронтология помножена на азиатчину. У нас ханское правление. Несменяемость в должности. Если маэстро приходит в оркестр, он будет работать вечно. До конца. Так, полвека в Новосибирске работал А. Кац (со дня основания в 1956 по 2007), в Заслуженном коллективе — Е. Мравинский (1938–1988). Почти 30 лет, с момента основания оркестра в 1987 до своего ухода из жизни в 2016, Волгоградский симфонический оркестр возглавлял Э. Серов.

Мы неоднократно публиковали информацию о сроках работы российских дирижеров-ветеранов. Можно повторить еще раз:

В. Вербицкий в Воронеже 47 лет (с 1972),

В. Федосеев в БСО — 45 лет (с 1974),

Ю. Кочнев в Саратовском театре оперы и балета — 44 года (с 1975),

В. Гергиев в Мариинском театре — 31 год (с 1988),

Ю. Темирканов в ЗКР — 31 год (с 1988),

П. Коган в МГАСО — 30 лет (с 1989),

М. Плетнев в РНО — 29 лет (с 1990, со дня основания),

В. Полянский в Капелле — 28 лет (с 1991),

М. Аннамамедов в Ярославле — 25 лет (с 1994)…

И это далеко не полный список.

Такова реальность. На это заточена вся наша система, заключающаяся в несменяемости высшей власти. Можно напомнить, что за всю 100-летнюю историю СССР и новой России только два лидера сказали «Я ухожу». И именно их, а не тех, кто прямиком из Кремля отправился в могилу у кремлевской стены, ненавидят и проклинают больше всего.

Несостоявшийся преемник

И вдруг — повторяем — как гром среди ясного неба, маэстро Дмитриев объявил, что он уходит. Более того — назвал преемника (вероятно, после согласования с оркестром): это его ученик Андрей Аниханов, в настоящее время худрук и главный дирижер Волгоградского симфонического оркестра. История, как уже сказано, типичная для Европы, европейского менталитета.

Но получившая чисто российское продолжение.

Надо представлять, как устроена Санкт-Петербургская филармония и руководство ею. Бог и царь — Ю.Х. Темирканов. Выдающийся музыкант, пользующийся уважением первого лица государства, в свое время первым поднял в беседе с В. Путиным вопрос о грантах оркестрам. В начале 90-х прошел через серьезный конфликт. Только что отметил 80-летие и никуда не собирается уходить — ни на покой, ни на пенсию — ни с должности  худрука филармонии, ни из ее первого оркестра.

Второй коллектив — АСО — в этой конфигурации как бы подчиненная структура, не вполне самостоятельная, и слово «второй» звучит для коллектива обидно и даже унизительно. Он всегда немного позади. Заслуженный коллектив считается лицом и гордостью филармонии — об АСО этого не говорят и не пишут. Когда ЗКР впервые получил грант, АСО его не получил. И музыканты близкого уровня, но волею судьбы оказавшиеся в разных оркестрах, подходя к окошку кассы за зарплатой, получали о-очень разные суммы. Когда ЗКР получил президентский грант, АСО получил правительственный. Теперь грант один — президентский, его получает филармония, и мы не знаем, как распределяются средства гранта между оркестрами.

И вот — совершенно нетипично для России — Дмитриев проявляет колоссальный акт благородства и заявляет, что подает в отставку с поста худрука и главного дирижера АСО. Казалось бы, сейчас мы впервые увидим в России «европейское» развитие ситуации: будет официально представлен и культивирован новый маэстро, будут отданы почести заслуженному маэстро (они были отданы: распоряжением художественного руководителя филармонии Ю. Темирканова А. Дмитриев стал пожизненным дирижером-лауреатом Санкт-Петербургской филармонии), и оркестр с новым дыханием, без ожидания и без интриг, начнет новый этап своей истории.

Однако этого не случилось, что породило массу сплетен, слухов, ненужного напряжения.

И главное, нового дирижера в АСО до сих пор так и нет.

Самое худшее в жизни — ждать и опаздывать.

Опубликовано МО № 1 (441, 442) 2019

Екатерина Калачикова: «Либо играй в Большом зале Консерватории, либо умри»

Руководитель Дирекции образовательных программ при Департаменте культуры Москвы Екатерина Калачикова — о том, как меняются музыкальные и художественные школы в России
«Теории и практики» продолжают разбираться, кто и зачем сейчас занимается образованием в России. В этом выпуске мы поговорили с Екатериной Калачиковой, которая руководит Дирекцией образовательных программ при московском Департаменте культуры. Она рассказала, почему детей важно учить творческому мышлению и зачем делать арт-образование частью школьной программы, как меняется академическое образование в сфере искусств и почему в художественных школах должны изучать граффити, а в музыкальных — саунд-дизайн, а также что делать с выпускниками творческих вузов, которые скорее пойдут работать в «Макдоналдс», чем преподавать. 

— Есть такой стереотип, что музыкалка или художка — это что-то такое, куда отвели родители в детстве, если получилось, заставили доучиться, после остались неприятные воспоминания и в лучшем случае какие-то навыки. Сейчас все остается так же или что-то изменилось?

— Мы уже пятый год боремся с большим количеством стереотипов. Первый из них — что у нас не музыкалки, художки и вот это вот все, а школы искусств. Потому что почти все имеют и художественное, и хореографическое, и музыкальное, и театральное отделения — они смешанного типа. Вообще, по всей России 6 тысяч этих школ, и их все по старинке относят к музыкалкам, хотя они давно работают практически во всех видах искусств. Они постепенно переименовываются в школы искусств, и дальше, я думаю, этот стереотип будет изживаться.

Второй — большое количество людей действительно с ужасом вспоминают про игру на фортепиано и про наше любимое сольфеджио. Отчасти это объясняется тем, что учить детей сольфеджио — это попытка преподавать высшую математику в третьем классе. Предмет сложный, и именно поэтому у нас в третьем классе, как правило, самый большой отток детей. Но, конечно, методики сейчас развиваются, и мы понимаем, что, когда ребенок приходит, сначала надо заинтересовать его и дать ему возможность раскрыться. А дальше, уже когда он готов и сам понимает, что для того, чтобы исполнить какое-то его любимое произведение, ему нужны знания той самой музыкальной математики, ему дается сольфеджио и все, что представляет наибольшую сложность.

Сейчас много говорят о том, что все образование должно быть максимально демократическим, ребенок вообще не должен чувствовать, что он учится. Отчасти это правда, потому что если все превращается в мучение, то мы не достигнем никаких результатов. Но, с другой стороны, дисциплину и труд тоже никто не отменял. Я сама как пианистка окончила «десятилетку» — школу, где занимаются по 10 часов в день на рояле и вообще живут только этим, потом окончила Гнесинку, аспирантуру — прошла весь путь человека, который профессионально занимался музыкой. Дети, которые являются выпускниками школ искусств — и музыкальных, и художественных отделений, — они немножко спортсмены, особенно если получали профессиональное образование. Поэтому выпускники школ искусств очень востребованы во всех других профессиях: они приобретают бесценный навык — умение работать и договариваться с собой, объясняя себе, что какие-то вещи нужно сделать — просто потому, что нужно. Сейчас очень модно говорить про креативность и совершенно не модно говорить про волю. Но в красивых проектах всегда есть верхушка айсберга, а есть все, что находится под водой. И для того, чтобы люди видели верхушку, нужно совершить огромное количество неприятной рутинной работы. Так что здесь такая противоречивая история, и мы не склонны к тому, чтобы просто ради моды говорить, что мы сейчас все демократизируем до беспредела и учиться совсем не надо будет — просто надо будет приходить и получать удовольствие. Все-таки мы думаем, что важно найти баланс.

— То есть программы не упрощаются, а вы ищете новые подходы?

— Да. В любом случае, чтобы научиться играть на инструменте, рисовать, танцевать, нужно огромное количество труда, даже на самом простом уровне. А нам надо вовлечь в процесс и создать максимально комфортные условия для раскрытия и развития человека, причем любого возраста. Это, может, больше касается подростков. Ребенка, который приходит в 6 лет, не надо раскрепощать, в этом возрасте еще нет таких зажимов — они появляются позже.

Конечно, это еще и работа с преподавателями — у нас только формируется педагогическая культура. В советское время было не очень принято говорить об отношении к детям, потому что время объективно было тяжелое, была очень конкретная задача — передать знания, навыки. Никто не говорил ни о каком душевном комфорте и самочувствии всех участников образовательного процесса. Сегодня мы, к счастью, можем про все это поговорить и преподаватели хотят получать знания о том, как сделать так, чтобы детям с нами было комфортно.

Фото Иван Анисимов

— Вы как-то говорили, что советские школы искусств были направлены в первую очередь на воспитание профессиональных исполнителей и вы хотите поменять этот ракурс. Как именно?

— Сегодня у общества уже совсем другой запрос к занятиям искусством, потому что сама структура общества меняется. В связи с развитием технологий в прошлое уйдет большое количество трудовых профессий, которые требовали просто исполнения. Поэтому есть огромный запрос на создателей. А что такое создатель? Важно это понимать, потому что, опять же, часто говорят про креативность и про созидающее начало, но не очень понятно, что имеется в виду. Я думаю, что это человек, который, во-первых, конечно, может генерировать идеи. Для этого он должен обладать очень высокой степенью внутренней свободы и понимать, что на этапе генерации идей у него нет никаких ограничений. И есть очень важная часть, про которую часто забывают: человек несет ответственность за то, что он придумал, и за то, как эта идея будет реализована. И, во всяком случае, в Москве этот большой корабль творческого образования — это 5,5 тысячи преподавателей и больше 100 тысяч учащихся — очень постепенно разворачивается именно в сторону практики создания идей и их воплощения. Поэтому и был запущен проект «Арт-лаборатория», в котором по-новому устроен образовательный процесс. Дети не просто учатся играть на фортепиано или рисовать — они через творческие практики учатся создавать реальные проекты. Если мы, допустим, хотим научить детей работать с современными технологиями в области 3D-дизайна или мэппинга, то у нас есть конкретный проект, который, например, недавно был в саду «Эрмитаж» в рамках Большого фестиваля искусств: дети делали конкретную световую инсталляцию для парка в конкретно заданных условиях и конкретных ограничениях, с наставниками. То есть это уже даже не образование, а реальные проекты, которые нужно сделать. А для того, чтобы их сделать, нужно научиться. Дети подавали заявки и сами писали о том, чего они хотят. Нам надо было только дать им эту возможность. Так меняется система — от «просто выучи то, что когда-то написал великий Иоганн Себастьян Бах, и сыграй это точно так, как написано в нотах» до «придумай сам, скажи, что тебе для этого нужно, и сделай». Это сейчас два полюса в творческом образовании. И мы думаем, что они оба очень важны. Не все хотят придумывать. Есть дети, которые по своей природе могут быть выдающимися исполнителями, — и это тоже прекрасно. Если они просто хотят играть на рояле, мы не должны отбирать эту возможность. Потому что исполнительская часть требует больших волевых навыков и развивает очень полезные для жизни вещи — дисциплину, волю и умение очень точно относиться к нотному тексту или изучать великих мастеров, если это касается живописи. Это очень важная базовая академическая часть, которая всегда делает фигуру человека гораздо шире и объемнее. Чем глубже у тебя академическая часть, тем ярче идеи, которые ты генерируешь.

— Вы заговорили о профессиях будущего и о тех профессиях, которые скоро уйдут в прошлое. Но все, что касается технологий, не всегда вяжется с академическим образованием. Вы работаете с новыми направлениями?

— Практически во всех художественных школах уже есть отделение дизайна. Пока у нас менее развиты новые музыкальные направления, электронная музыка. В рамках программы «Искусство — детям» школы будут оснащены не только инструментами, но и пультами, оборудованием для саунд-дизайна, музыкальными студиями достойного уровня. Думаю, что пилотные школы мы запустим с сентября этого года.

Нам кажется очень важным избежать истории про моду. У государственного сектора, конечно, есть задача монетизировать какие-то программы, чтобы понимать, насколько они востребованы. Но, с другой стороны, никогда не будет задачи просто зарабатывать деньги. У нас в этом смысле есть гораздо больше свободы, и мы можем делать не то, что модно, а то, что по-настоящему хорошо. Поэтому на «Арт-лаборатории» мы тестируем новые форматы и смотрим, что может быть внедрено в качестве полноценной трехлетней программы. Если понятно, что это действительно важная область, развивающаяся в творческом образовании, то это будет иметь все шансы быть масштабированным на всю систему. Допустим, граффити — это большая часть современного искусства. Через пилотные проекты мы постепенно будем это внедрять во все школы искусств.

Этот путь оказывается самым правильным, потому что встречает минимальное сопротивление со стороны академического сообщества. Никто не против нового — это не зависит от возраста. Все против некачественного. И всем важно посмотреть, насколько хорошо это работает и насколько программа содержательная, а уже после этого запускать ее у себя в школе. Потому что все-таки у нас по закону школы автономны в принятии решений.

— То есть сопротивления академического сообщества вы не ощущаете? Или все-таки есть что-то, с чем приходится постоянно бороться и что мешает?

— Конечно, когда мы пришли, случилась такая неизбежная история отцов и детей. Я бы не назвала это сопротивлением, скорее недоверием друг к другу. У старшего поколения свои критерии опыта и свой взгляд на жизнь. А молодые, естественно, находятся в состоянии бунта и хотят все поменять, потому что кажется, что все, что было, неправильно, а теперь мы придем и сделаем правильно. Это всегда бесперспективный путь. Сейчас между нами, к счастью, нет никакой борьбы. Старшее поколение — оно про качество и про вот эту академическую составляющую. Молодое поколение — про развитие и постоянное движение вперед. Но только на стыке рождаются по-настоящему хорошие продукты, которые приносят пользу. Поэтому я очень рада, что нам удалось в этом смысле договориться и уже вместе внедрять новое и обновлять старое.

— То есть граффити директора школ принимают?

— Абсолютно спокойно. Даже самые академические — все понимают, что нужно развиваться. Конечно, старшему поколению, может быть, это делать тяжелее.

— Но я так понимаю, у вас много молодых преподавателей. И даже есть конкурс на места.

— Да, молодые, конечно, хотят идти в школы искусств. Но нам нужно много работать с их мотивацией. У нас очень часто люди, которым 60–70 лет, выглядят гораздо более живыми, чем люди, которым 30 лет. Потому что они приходят абсолютно демотивированными, с ощущением, что у них карьера не сложилась. Предполагается, что после творческого вуза ты должен играть в Большом зале Консерватории. Система сейчас так устроена, что она говорит: «либо играй в Большом зале Консерватории, либо умри». Но дело в том, что в Большом зале Консерватории за роялем, условно говоря, только одно место. А выпускников ежегодно огромное количество. Получается, что, когда люди не попадают в Большой зал, они попадают к нам. Они приходят, в основном воспринимая наши школы как средство подработки, ничего не зная про педагогику, потому что она нивелируется в вузах. И мы имеем дело с людьми, которые пришли уже выгоревшими. К счастью, они еще в том возрасте, когда их можно оживить и замотивировать, показать, что это может быть прекрасным делом всей жизни.

Кстати, я могу привести в пример себя. Я была абсолютно такой же выпускницей Академии имени Гнесиных, которая думала, что единственное достойное занятие — играть на рояле в Большом зале Консерватории. Я бы скорее пошла работать в «Макдоналдс», чем в музыкальную школу. И совершенно случайным образом я оказалась в московском Департаменте культуры, как раз в том отделе, который занимался творческим образованием.

— Это была команда Сергея Капкова?

— Да, это была команда Сергея Александровича. И когда мне предложили заниматься школами, я подумала: «Ну, пойду позанимаюсь школами, а потом начну делать что-то приличное уже». Конечно, когда ты играешь на рояле, а потом тебе нужно принимать какие-то управленческие решения — первое время очень тяжело. Но теперь я совершенно не представляю, что могла бы уйти и снова играть на рояле. Потому что мне кажется, нет ничего прекраснее и масштабнее по эффекту влияния, чем заниматься образованием. Поэтому в контексте разговора про молодых педагогов наша основная задача — реанимировать тех, кто к нам приходит после высших учебных заведений.

Фото Иван Анисимов

— Все-таки с профессией учителя в России, кажется, проблема даже не в том, что люди не понимают, насколько большую отдачу ты получаешь при работе с детьми, сколько во-первых, в общем имидже; во-вторых — в зарплате. Наверное, в Москве ситуация отличается. Но в целом многим проще сменить профессию, чем работать учителем.

— Честно сказать, я даже немного устала от разговоров про финансовую мотивацию. Потому что в Москве, конечно, у преподавателей, в том числе и в школах искусств, сейчас действительно очень приличные зарплаты, даже в условиях рынка. У меня между Гнесинкой и Департаментом культуры был период, когда я работала концертмейстером в школе. И кроме того, что в школе была стабильная хорошая зарплата, это еще всегда большое количество частной практики, которая дает тебе зарплату иногда на уровне некоторых руководителей школ — сейчас могу сказать даже так, поскольку знаю зарплату и тех, и тех.

— А сколько это в среднем для преподавателей в Москве?

— Успешный преподаватель, у которого хорошо налажен контакт с детьми (а таких немало), в среднем зарабатывает порядка 100 тысяч в месяц, не так чтобы без выходных.

— То есть это ставка и репетиторство, частные уроки?

— Да. И в школах искусств сейчас средняя заработная плата где-то на уровне 60 тысяч по Москве. Плюс есть еще гранты мэра, много всяких вариантов именно финансовой поддержки. Но тут мы открыли для себя, что финансовая мотивация является внешней и она никаким образом не заменяет мотивацию внутреннюю. То есть можно еще в два раза увеличить зарплату, но ничего не меняется, если человек выгоревший и ему некомфортно в системе, в которой он находится. Качество преподавания от этого не вырастет. В общем-то, поэтому и возник «Метод».

— Вы запустили его именно для преподавателей?

— Да, это школа для преподавателей. Она дает возможность говорить о тех вещах, о которых раньше было не принято говорить. Допустим, что преподаватель — это тоже человек. У нас считается, что преподаватель всегда должен. Должен быть очень умным, харизматичным, счастливым, должен все время бесконечно развиваться. Как только он проявляет какую-то несдержанность или незнание чего-то, на него сразу обрушивается вся общественная мораль. Это приводит к страшной вещи: преподаватель настолько боится сделать ошибку, что предпочитает не делать ничего. Так мы убиваем мотивацию людей, которые приходят в любую систему, связанную с образованием. Поэтому через все образовательные программы «Метода» нам очень важно транслировать мысль, что преподаватель — это человек, который имеет право быть несовершенным.

Вторая часть — это, конечно, арт-практики и все то, чем мы занимаемся в школах искусств. И это не только обучение игре на фортепиано, архитектуре, дизайну и еще каким-то прикладным вещам, но и обучение самой природе творческого мышления и внутренней свободы. Мы хотим через наши образовательные программы вернуть человеку ту внутреннюю свободу, с которой он обычно приходит в 6 лет к нам в школу. Жизнь его форматирует, он это теряет в себе и перестает себе доверять. Именно эта неуверенность, как правило, не дает людям просто рассказывать о каких-то идеях, потому что идеи кажутся недостаточно совершенными, глупыми и недостойными права на жизнь.

Еще у «Метода» есть метацель: все наши программы ориентированы не только на преподавателей школ искусств, потому что вообще каждая школа должна быть творческой. Все страны, где образование развивается быстрыми темпами, идут от модели STEM (Science, Technology, Engineering, Mathematics) в модель STEAM. Добавляется Art, потому что все развивающиеся системы образования поняли, что все бессмысленно, если у тебя нет идеи. А вот эти Science, Technology, Engineering и Mathematics помогают тебе реализовать ее. Вдруг стало понятно, что через искусство лучше всего прокачивается максимальное количество пресловутых навыков XXI века, потому что это комплекс от придумывания до конечной реализации через большой практический труд.

У нас в «Методе» есть летние школы. В прошлом году мы были в Сингапуре, в этом году планируем, если все получится, поехать в Калифорнию. И мы видим, что во всех передовых и популярных школах арт-компонент и развитие творческого мышления стоят на одном из первых мест. Поэтому глобальная цель состоит в том, чтобы работать с общеобразовательными школами в этом направлении. Демонстрировать, что арт-практики — это не только уроки музыки, на которых дети поют хором, а это когда через музыку можно преподавать финансы, а через архитектуру лучше всего развивается проектное мышление. Так что все образование может быть творческим и разделение на школы искусств и общеобразовательные школы находится на государственном уровне, а человеку, который к нам приходит, в общем-то, это не должно быть интересно, он должен просто в государственной системе, из каких бы игроков она ни состояла, получать максимальные возможности для своего развития.

— А технически это будет что? У вас есть летняя школа, интенсивы — что еще?

— Один из наших флагманских курсов — это дизайн образовательных программ, на котором мы учим формулировать и создавать образовательные программы новых форматов. Дизайнер образовательных программ — это то, что называлось старым словом «методист». Важно сейчас переосмыслить роль методиста и понять, какими навыками должен обладать человек, который может упаковать какой-то творческий продукт именно в образовательную программу, чтобы дальше ее можно было масштабировать. Еще у нас есть курс «Стратегия творческой школы» — про то, как общеобразовательную школу сделать творческой или как сделать творческой школу искусств, чтобы она могла учить не только исполнителей, но и создателей. Плюс там есть очень важный модуль про финансы, в этом году мы ввели такую часть, как бизнес-план, потому что на нее есть большой запрос: у школ сейчас есть мотивация быть самоокупаемыми. Хотя это не всегда возможно, это тоже нужно понимать.

Фото Иван Анисимов

— У нас недавно было интервью с Екатериной Черкес-заде, директором Universal University. Она приводила в пример разговор с вашей дирекцией о том, как можно научить директоров бюджетных учреждений зарабатывать. И вот ее позиция — что нужно просто у них отобрать государственные деньги. Это, конечно, крайняя мера, но, учитывая, какое серьезное сейчас финансирование — на ремонт школ и новые инструменты московские власти выделили примерно 11 миллиардов, — не получается ли, что с таким бюджетом у школ нет мотивации ни зарабатывать, ни развиваться?

— Как я уже сказала, здесь вопрос в балансе. Рынок — это прекрасно, и когда человек голосует за программу рублем, значит, ему это действительно надо. Но могу привести такой пример: у нас есть исполнители, может быть, не очень качественные, но которые 8 раз собирают Кремлевский дворец. Нельзя все мерить просто тем, что востребовано. Потому что, ориентируясь только на заработок, мы начнем делать только тот продукт, который будет покупаться. По вашим глазам вижу, что мне не надо объяснять, о чем я говорю.

— Но если не уходить в крайности — есть ли такая проблема, когда люди понимают, что у них есть финансирование, им обеспечат ремонт и купят новые инструменты, не надо напрягаться?

— Несколько лет назад я бы, наверное, сказала, что да, такое есть. Но это было бы мое очень поверхностное мнение, потому что, глядя на систему и не разбираясь в ней, можешь сказать только это. А когда ты начинаешь разговаривать с людьми и спрашивать, чего же они хотят — и с преподавателями, и с руководителями школ, — ты понимаешь, что проблема не в том, что у них надо отобрать деньги или дать денег. Ни то, ни другое не является настоящим мерилом качества образовательного процесса. Желание заработать много денег может двигать тебя к созданию некачественных, но очень модных программ, которые не дают никакого влияния на развитие общества и даже той сферы, которой ты занимаешься. Если залить всех деньгами, ты можешь получить то же самое — старые убогие программы, которые абсолютно не будут востребованы, и школа будет существовать как вещь в себе, никому не нужная.

Мы пытаемся понять, что действительно нужно людям в плане творческого образования, что они хотят видеть в школах. Потому что школы находятся в очень разных районах и к ним есть очень разный запрос. Мы не можем сказать: «Сейчас всех будем учить дизайну» или «Сейчас всех будем учить шансону». У нас есть задача (как у людей, которые тратят деньги налогоплательщиков) понять разнообразие запроса и давать максимально индивидуализированный ответ на этот запрос. А дальше работать над качеством этого ответа. Когда человеку, который приходит в школу, и человеку, который уже 30–40 лет работает в этой школе, становится интересно друг с другом, они находят пересечение — тогда одни готовы платить, другие готовы работать бесплатно и по 24 часа в сутки. Вообще нет задачи сокращать бюджет — в Москве бюджет регулярно, стабильно и достаточно на приличный процент каждый год увеличивается.

— Но есть еще мнение, что платное образование эффективнее, потому что к нему относятся ответственнее, чем к бесплатному.

— У нас есть категория людей, которые воспринимают государство как должника для себя и им нужно просто получить бюджетное место. И это наша основная проблема сейчас. Притом что в отрасли точно останется то же самое количество денег и то же самое количество мест, которые государство оплачивает, нам очень важно, чтобы эти места получали те люди, которые приходят для того, чтобы учиться, те, у кого есть способности, возможности и, самое главное, желание. Потому что часто люди говорят: «Мы ходить не будем, ничего делать не будем, заниматься не будем, но государство нам должно».

— Так и говорят?

— Абсолютно. Они не ходят, приносят справку, потом их отчисляют, они идут в суд. У школы, конечно, должны быть свои деньги, и, если люди готовы платить за образовательные программы, для нас это тоже показатель. Но иногда качество с востребованностью не совпадает совсем, иногда общество хочет очень простых и не очень качественных вещей. Ну, чипсы, кока-кола…

— А если на примере ваших школ?

— Допустим, очень востребован эстрадный вокал. Хотя преподавание его детям — это вообще спорно, потому что у них только формируется голос и это не очень полезно. Миллионные просмотры каких-то шоу оставляют за кадром тот момент, что ребенок может даже разучиться говорить после 13 лет, учитывая такие нагрузки на голос. Но спрос огромный.

— Еще несколько лет назад вы говорили, что хотите сделать школы искусств культурными центрами районов, особенно удаленных. Получается?

— Да, сейчас школы открываются именно для местного сообщества, не только для тех, кто там учится. У нас есть такие проекты, как «Диалоги» — открытые встречи с известными людьми. Например, весной был Николай Цискаридзе. И дальше мы будем делать большое количество открытых концертов, мастер-классов для всех, кто живет в районе. Сейчас, кстати, есть очень хороший, с прекрасной идеей проект «Активное долголетие». Мне он кажется важным не только с точки зрения того, чтобы люди старшего возраста не чувствовали себя асоциальными и чтобы у них были возможности для общения, а еще и с точки зрения преемственности. У нас нет канала передачи знаний (традиций и культуры) от старшего поколения к младшему. Школы искусств сейчас называются детскими, но идея культурного центра в том, что они должны быть для всех возрастов.

— А как это может быть? Набирать классы для старших? Или собирать их в одном классе?

— Самая продуктивная коммуникация — когда старший становится просто партнером для ребенка, чтобы без учительского барьера передавать знания. На самом деле это институт бабушек, который у нас, к сожалению, в силу очень социальных причин вымер: из-за послевоенной истории про массовые детские сады, когда все должны были идти на работу и поднимать экономику, у нас прервалась связь между поколениями, и мне кажется очень важным ее восстанавливать. Еще маленькие очень здорово учат старших обращаться с технологиями. А когда 10–12-летний ребенок имеет возможность официально в рамках какой-то организации почувствовать себя учителем, он сразу берет на себя ответственность, у него совершенно другое отношение к себе. Получился бы прекрасный экономический эффект, потому что дети были бы не оторваны от своей семейной культуры и бабушки были бы при деле. У нас, кстати, в нескольких школах есть программы для родителей. Они говорят, что хотели бы помогать своему ребенку дома. И вот те родители, которые просто приходят, сидят, ждут и читают книжку, у нас идут и учат сольфеджио. Мы стремимся к тому, чтобы ни один человек, который пришел в школу, не оставался бы не включенным в этот процесс.

— Не очень понятно, как все-таки ваши прогрессивные идеи могут прижиться в государственной модели, обычно консервативной. И применимы ли они не в Москве?

— «Метод» как раз был создан для всей России. Недавно мы были в Салехарде, за полярным кругом. Очень испугались, когда нас туда пригласили; я думала, что нужно будет на оленях ехать несколько месяцев. А потом у меня состоялся выдающийся диалог с человеком, который там занимается школами искусств. Она мне позвонила и сказала: «Мы очень хотим вас пригласить, потому что у нас огромная проблема: школы совсем не развиваются, даже дизайн-мышление мы еще не внедрили». Мне просто стало интересно на это посмотреть. Честно скажу, большому количеству руководителей в Москве еще далеко до такого уровня, который показали руководители школ искусств ЯНАО. Это тоже устойчивый стереотип о том, что в Москве все самое прогрессивное и продвинутое. Регионы часто заточены именно на развитие: они впитывают и схватывают гораздо лучше, чем Москва, потому что Москва считает, что и так уже прекрасна и совершенна и ей не надо ничего с этим делать.

Что касается государственной системы и прогрессивности, я бы это тоже отнесла немного к стереотипам. Да, в государственной системе много ограничений. Более того, я считаю, что это нормально. Потому что, в отличие от своих, частных денег, государственная система имеет дело с деньгами налогоплательщиков. Было бы странно, если бы мы могли их тратить просто на все самое веселое и прекрасное, что нам кажется таковым, по своему усмотрению. С государственными деньгами больше ограничений и больше ответственности — я бы назвала это так. И часто именно эта ответственность тормозит инновации и прогресс. Потому что прогресс — это совершенная непредсказуемость результата. Когда ты внедряешь что-то абсолютно новое, что еще никто до тебя не внедрял, у тебя же нет гарантии, что это сработает. Я бы сравнила это с лекарствами. Ты тестируешь новый препарат, и у тебя 10 человек могут вообще не выжить. Это огромная ответственность для человека, который внедряет новые вещи. Мне кажется, ее очень важно чувствовать, особенно если ты работаешь в государственном секторе. Да, это тормозит принятие решений. Это базовая характеристика всех государственных систем. Здесь, опять же, важно находить баланс. Мне кажется, что мы к этому балансу идем. Есть Дирекция образовательных программ, которая работает в государственном поле, с абсолютно государственным лицом и брендом. И есть школа «Метод», которая создана на базе Дирекции, является ее проектом, но создана с ориентацией уже совершенно на другую, прогрессивную историю, и это поле эксперимента для нас. Если у нас эксперимент прошел удачно и все 10 человек не умерли, а выздоровели и всем от этого хорошо, то дальше это уже может масштабироваться на всю государственную систему. Но у нас могут быть ошибки и неудачи. И мы имеем на это право, потому что это эксперимент. Именно поэтому в основном все образовательные программы «Метода» платные (хотя там есть часть бюджетных мест, грантовые программы) — как раз потому, что, когда человек платит, он понимает, что ответственность за качество образовательной программы и результат мы делим между собой. А когда мы имеем дело именно с государственными деньгами, то ответственность за тот продукт, который мы выносим в мир, лежит гораздо больше на нас. Поэтому история отобрать деньги или залить деньгами здесь не самая важная.

— А бюрократия не мешает?

— Наверное, все зависит от той призмы, через которую ты на это смотришь. За 5 лет работы с разными людьми, с разными руководителями я ни разу не почувствовала каких-то серьезных непреодолимых ограничений и какой-то бюрократии, которая не позволила бы нам реализовать идею. Но, допустим, многие удивлялись появлению школы «Метод». Потому что это очень странно: вы же государственная организация, как вы можете создавать такие продукты? Я говорю: «Давайте поедем в Сингапур, давайте поедем в Калифорнию». — «А что, можно?» Я говорю: «А где написано, что нельзя?» То есть люди просто настолько во власти стереотипов опять же и недоверия к себе, что они даже не проверяют, а можно это или нельзя.

— Почему они думали, что нельзя?

— Потому что это не ассоциируется с государственной системой, это слишком прогрессивно. Но дальше нет никаких вопросов — от Департамента культуры у нас есть максимальная поддержка всех наших инициатив. Потому что ты приходишь и рассказываешь: это нужно для этого, это повлияет вот на это. Нужно просто уметь объяснять свою позицию, соотносить ее с общими целями и задачами. И тогда все это работает. Да, бюрократия есть. Есть документация, есть отчетность и есть ответственность. Если ты на документацию и на отчетность смотришь только как на какую-то обузу, которая тебе мешает двигаться, и не понимая ее сути, то это очень тяжело. А если ты понимаешь, что это ответственность перед теми людьми, которые доверили тебе свои деньги, тогда это по-другому воспринимается и с этим гораздо легче внутренне работать.

— Я почему-то подумала о деле «Седьмой студии». Кажется, что там все работало примерно так же: люди не видели ограничений и делали то, что считают важным, но в итоге случился этот процесс. Такие истории не влияют на вас? Вам не кажется, что лучше лишний раз в Сингапур не ездить, условно?

— Я думаю, всегда важно — государственная или частная это история, — что ты действительно хочешь делать, чем ты действительно горишь. И если тебе важно сделать стажировку в Сингапур, ты искренне считаешь ее нужной для людей, для преподавателей, или тебе важно делать вот именно такие образовательные программы, а не другие, то ты просто должен выбрать способ, которым ты будешь это делать. Мне искренне очень важно делать все, что я делаю, и, к счастью, пока я не вижу ограничений со стороны государства. Конечно, такие вещи, как история «Седьмой студии», не вдохновляют. Ситуация с «Седьмой студией» выглядит максимально абсурдно внешне, но я понимаю, что мы вряд ли знаем что-то настоящее про это, потому что есть еще внутренняя часть. Но мы всегда должны четко понимать, на что идем. Мне кажется, если ты работаешь с государством, то ты должен понимать, что это определенная ответственность, во-первых, а во-вторых, это определенные правила, по которым сегодня государство работает. И ты должен себе внутренне очень четко ответить на вопрос, готов ты соблюдать эти правила или нет.