Музыкальным руководителем Михайловского театра станет Александр Ведерников

В Михайловском театре сменится музыкальный руководитель. Театралы уже заметили уход из коллектива Михаила Татарникова — за несколько недель перед премьерой спектакля «Иоланта» Андрия Жолдака имя дирижера, много лет руководившего оркестром, пропало с сайта театра. Теперь стали проясняться подробности, кто заменит Татарникова.

По данным неофициального источника в театре, с февраля 2019 года пост музыкального руководителя – главного дирижера Михайловского займет Александр Ведерников. Маэстро с 2001 по 2009 год был главным дирижером Большого театра России, при нем были поставлены «Хованщина», «Адриенна Лекуврер», «Руслан и Людмила», «Турандот», «Летучий голландец», «Огненный ангел», «Война и мир», «Евгений Онегин», «Фальстаф», «Борис Годунов» (в авторской редакции), «Сказание о граде Китеже» и вызвавшие шумиху «Дети Розенталя» Леонида Десятникова.

Сын знаменитого оперного певца Александра Филипповича Ведерникова будет совмещать новую должность с аналогичной позицией в Датской Королевской опере. Среди других симфонических коллективов, с которыми сотрудничает дирижер, оркестр BBC, оркестр Радио Франс, Дрезденская Штаатскапелла, оркестры Сиднея, Токио и Монреаля.

Напомним, в октябре «Фонтанка» уже сообщала о другом кадровом изменении в Михайловском театре: известный испанский хореограф Начо Дуато вернется на должность художественного руководителя балетной труппы.

Умер солист Большого театра Максим Михайлов

21 ноября 2018 ушел из жизни оперный певец, солист Большого театра Максим Михайлов.

Максим Игоревич с блеском продолжил певческую династию, начало которой положил его великий дед, прославленный бас Большого театра Максим Дормидонтович Михайлов.

М. И. Михайлов родился 13 мая 1962 г. в Москве. В 1985 г. окончил Музыкально-педагогический институт им. Гнесиных по классу тромбона; в 1988-м – по классу сольного пения (класс солиста Большого театра Артура Эйзена).

Его работа в Большом театре началась с оркестра, солистом которого он был в 1981-87 гг.

В 1987 г., завоевав II премию Всесоюзного конкурса вокалистов имени М. Глинки, стал солистом оперной труппы. Вместе с артистическим талантом своего деда он унаследовал и тип голоса. За годы своей оперной карьеры в Большом он исполнил практически все ведущие партии басового репертуара – Ивана Хованского («Хованщина»М. Мусоргского), Царя Додона («Золотой петушок» Н. Римского-Корсакова), Ивана Сусанина в одноименной опере М. Глинки, Собакина («Царская невеста» Н. Римского-Корсакова), Гремина («Евгений Онегин» П. Чайковского), Кончака («Князь Игорь» А. Бородина), Варлаама («Борис Годунов» М. Мусоргского), Барона («Скупой рыцарь» С. Рахманинова), Мефистофеля («Фауст» Ш. Гуно), Голо («Пелеас и Мелизанда» К. Дебюсси), Зорастро («Волшебная флейта» В.А. Моцарта) и Фигаро («Свадьба Фигаро» В.А. Моцарта), Рамфиса («Аида» Дж. Верди) и многие другие.

В 1993–95 гг. был президентом Фонда М.Д. Михайлова. Основал Оперный фестиваль им. М.Д. Михайлова на родине своего деда в Чувашии, который ежегодно проходит в Чебоксарах на сцене Чувашского государственного театра оперы и балета, в спектаклях которого неоднократно блистал и сам отец-основатель этого фестиваля. За вклад в развитие искусства республики ему было присвоено звания народного артиста Республики Чувашия.

Международная карьера М.И. Михайлова началась в 1993 г. с победы на Международном конкурсе вокалистов имени Х. Габора «Бельведер» в Вене. Он пел в спектаклях крупнейших театров мира, среди которых нью-йоркская Метрополитен-опера, Королевский театр Ковент-Гарден, Парижская национальная опера, миланский Ла Скала, венецианский Ля Фениче, Сан-Карло в Неаполе, Комунале в Болонье, Ла Монне в Брюсселе, Лисео в Барселоне, Берлинская государственная опера, Нидерландская опера, участвовал в самых престижных фестивалях, в том числе в Глайндборнском (Великобритания), фестивале в Экс-ан-Провансе (Франция), Зальцбургском Пасхальном.

Выступал с известнейшими оркестрами мирового уровня, среди которых Лондонский филармонический, Дрезденская государственная капелла.

Сотрудничал с выдающимися дирижерами – К. Аббадо, Т. Зандерлингом, А. Паппано, представителями всех поколений семьи Юровских. Принимал участие в ежегодном проекте Московской государственной филармонии «Владимир Юровский дирижирует и рассказывает».

В последнее десятилетие выступает в качестве оперного режиссёра на фестивале семьи Юровских «Северное сияние» в Миннесоте (США), где осуществил постановку опер «Джанни Скикки» Дж. Пуччини, «Паяцы» Р. Леонкавалло и «Евгений Онегин». Ставил оперы также и в Чувашском театре оперы и балета.

Возвращение Регера. Книга Макса Регера «Прошу слова!»: из эпистолярного и публицистического наследия

Чтобы лучше понимать музыку какого-нибудь композитора, неплохо было бы поближе познакомиться с самим композитором. Если он уже умер, а дежурить на его могиле до второго пришествия вам не хочется, прочтите его письма, они расскажут вам о написавшем их человеке лучше, чем кто-либо еще.

Предложенная нашему вниманию книга — Макс Регер. «Прошу слова!». Публикация приурочена к 145-летию композитора и состоит из двух основных частей: в первой собраны избранные письма и открытки композитора, а во второй — его же статьи. Перевод выполнил Виктор Шпиницкий, и он же написал поясняющие комментарии, благодаря которым книга воспринимается как полноценный биографический и эстетический очерк.

Жизнь в письмах

Эпистолярное наследие Макса Регера огромно, и автор издания при выборе писем для публикации отдавал предпочтение не столько бытовым посланиям, сколько содержащим «размышления о собственном творчестве, о музыке других композиторов, о насущных проблемах искусства» (стр. 9). Во вступительной статье автор также объясняет некоторые принципы, которыми он руководствовался при передаче стиля Регера.

Обращает на себя внимание любовь композитора к подчеркиванию важных слов, порой многократному, что отражено в книге с помощью шрифтов.

Регер, Макс. «Прошу слова!»: Из эпистолярного и публицистического наследия
— пер. и коммент. В. Шпиницкого. Москва: ArsisBooks, 2018. — 248 с., 15 илл.

Такие детали, как два вопросительных знака вокруг фамилии («?Бетховен?» при обсуждении вопроса о «Йенской симфонии» на стр. 62) и крестики в тех местах, где читателю следует перекреститься (правда, это уже статья, стр. 162) сохранены. Столь внимательное отношение к мелочам — не «буквоедская» причуда, а необходимая для передачи характера композитора работа, и сделана она блестяще.

В комментариях есть «энциклопедические» сведения, как то: «Указание источника либо источников, где опубликован текст на языке оригинала; […] основание датировки; […] шифр по указателю сочинений Регера “RegerWerkverzeichnis”» (стр. 11) и т.д. Есть и «живые» строки, посвященные событиям из жизни Регера. Например, любопытные истории о «кошачьем концерте», который устроили ученики Регера под окнами критика за «немыслимый отзыв» о его Симфониетте (стр. 39), или проникновенное описание последнего дня композитора и обстоятельств его смерти: «На следующее утро, 11 мая, около 9 часов, его обнаружили мертвым. Судя по всему, смерть наступила мгновенно: композитор лежал на кровати, не сняв очки, при зажженном электрическом свете, держа в руках газету. На столе лежала корректура его Восьми духовных песнопений op. 138, открытая на первом хоре “Der Mensch lebt und besteht nur eine kleine Zeit” (“Человек живет и существует лишь краткое время”)» (стр. 97). Имеются необходимые сведения о всех корреспондентах Регера и об упоминаемых в письмах людях.

Аллюзии, сделанные Регером, разъяснены, что тоже важно, потому что такие специфические вещи обычно ускользают от внимания беспечного читателя. Например, письмо №4 (адресовано Ферруччо Бузони, Висбаден, 16 февраля 1898 года) начинается словами «не сердись» (nicht böse sein), взятыми в кавычки. Конечно, сам комментатор делает оговорку, что, возможно, «мотив такого пунктуационного решения был известен лишь Регеру и Бузони» (стр. 28), но его предположение крайне любопытно: «аллюзия на известную песню “Brüderlein fein” из волшебной сказки с пением Ф. Раймунда […] “Девушка из страны фей, или крестьянин-миллионер”, 1826, музыка Й. Дрекслера; песня начинается строфой Brüderlein fein, Brüderlein fein, / Mußt mir ja nicht böse sein! — Братик, братик, не сердись на меня!» (стр. 28).

Также в комментарии помещены и отзывы современников о творчестве Регера. Например, отклики на Вариации и фугу Регера op. 100, собранные под телеграммой композитора, адресованной Карлу Штраубе (стр. 53). Так, О. Найтцель, пишет, что «инструментовка, несмотря на обилие прекрасных деталей, в целом слишком сумбурна…», К. Кипке сравнивает произведение с борьбой в композиторе контрапунктиста и музыканта: «Маятник этой кровопролитной борьбы качается то в одну, то в другую сторону, и пока невозможно предвидеть, кто же одержит окончательную победу». В. Каратыгин экстатически называет Вариации «поэмами» и говорит о «железной дисциплине простейших гармоний и ритмов…», а Ф. Буш пишет, что «это сочинение содержит в себе больше настоящей музыки и мастерства, нежели, по словам Бюлова, все “зарисовки на нотной бумаге”, сделанные после Брамса и до нынешнего дня» (стр. 53-54). И, раз уже речь зашла об отзывах на творчество Регера, стоит отметить, что мнение большинства современников примерно совпадало с мнениями первых двух процитированных рецензентов.

От пиетета до иронии

Отношение Регера к композиторам — одна из главных тем книги, и подбор писем и статей так или иначе раскрывает этот вопрос. Главная тенденция не удивляет: Регер преклоняется перед мастерами прошлого. Он боготворит Брамса, своего старшего современника, заступается за творчество недооцененного Вольфа (статья «Художественное наследие Хуго Вольфа»), хорошо отзывается о Мендельсоне (статья «“Песни без слов” Феликса Мендельсона-Бартольди»), Бетховене, других великих немецких композиторах и, конечно, о Бахе: «Бах для меня — начало и конец всей музыки; на нем зиждется и на него опирается любой истинный прогресс!» (стр. 152).

А вот о современниках он не всегда бывает того же мнения. Показательно его отношение, например, к Рихарду Штраусу. С одной стороны, он признает его талант и заслуги, особенно в области симфонической музыки: «[творчество] д-ра Рихарда Штрауса для меня — подлинно классический пример серьезнейшего мастерства…» (стр. 192). С другой — не вполне одобряет завышенные гонорары коллеги: «Человек — пусть даже столь одаренный, — который злоупотребляет своим даром, используя его для получения как можно более высоких доходов, должен опустеть внутренне; и тем самым положить конец творчеству!» (стр. 57). Комментатор приводит и другое письмо, где Регер возмущается: «За одно сочинение Штраус получает 35000 марок — а что же я напишу за 35000 марок? За 35000 марок вы купите почти все, что будет написано мною за 9 или 8 лет…» (стр. 58). Зависть?

При этом о себе самом Регер был подчас весьма высокого мнения. В том же письме Генри Хинриксену, где он упрекает Штрауса во внутренней пустоте (Лейпциг, 24 июля 1909), Регер напророчествовал: «Через 10 лет мой Скрипичный концерт станет популярным, т.е. каждый приличный скрипач должен будет его играть» (стр. 57). Сбылось?

Яркая особенность литературного стиля Регера — юмор. Это и весьма специфические метафоры, как в одном из писем: «Последняя часть Скрипичного концерта — это фотопортрет бабушки дьявола, сделанный в те годы, когда сия почтенная дама была еще молода…» (стр. 54), и публицистические «шутки»: некоторые рецензии на собственные произведения и отзыв на деятельность Айседоры Дункан («К 1 апреля»).

Несмотря на изначально ироническую направленность статьи об этой легендарной танцовщице, вопрос в ней поднимается вполне серьезный. И эта же проблема, по сути, обсуждается в «дискуссии» Регера с Риманом, под названием «Упадок и возрождение в музыке». Точнее, это название статьи Хуго Римана, учителя Регера и известного теоретика, появившаяся в 1907. Риман, среди прочего, возносит хвалу композиторам прошлого и клеймит современных творцов, в т.ч. Регера, за «клубок сложностей, который вообще едва ли можно распутать» (стр. 159). Регер в статье с тем же названием разобрал каждый из постулатов Римана, объяснив, почему тот не прав, и рассказал, в частности, что и те великие в свое время получали упреки в «сложности». Абсолютно беспомощный ответ Римана на «анализ» Регера заставляет думать, что Регер в этой дискуссии вышел победителем, а заявленная проблема — сложность восприятия и неспособность многих критиков реально оценить какое-либо явление в современной им культуре, будь то музыка Регера или танец Айседоры Дункан, не теряет актуальность и ныне. Превозносить старых мастеров, согласитесь, легче.

«Подмастерье» высокого полета

Для любителей покопаться в сугубо теоретических изысках в книге помещены две статьи Регера с нотными примерами, написанные в качестве ответа на критику, поступившую в адрес его брошюры «К учению о модуляции»: «Прошу слова!» и «Больше света». Мысли Регера о том, как воспринимается аккорд в контексте той или иной цепочки, а также доводы его оппонентов весьма любопытны.

Горькие ностальгические слезы, вероятно, навернутся на глаза посещавших музыкальную школу людей, когда они прочитают советы Регера молодым пианистам. Он поместил их в письмо герцогу Георгу II (Майнинген, 20 июля 1912), и адресованы они молодому барону фон Заальфельду, которого Регер консультировал по просьбе герцога: «Каждую неделю маленький господин барон должен разучивать один этюд, но учить их нужно медленно; […] каждый день должен еще ¼ часа играть гаммы, добиваясь как можно более плавного подкладывания и перекладывания пальцев, а помимо того, необходимо следить, чтобы пальцы были округлыми…» (стр. 77). Изменилось ли что-то с тех пор?

Русским читателям также будет интересно письмо Регера с описанием его поездки в Санкт-Петербург, рассказ о дружбе с А. Зилоти, о царившей в стране революционной атмосфере и о том, как приняла композитора русская публика. Эти воспоминания дополнены отрывком из книги его жены, Эльзы Регер, помещенным в приложении. Там оно соседствует с традиционным для подобных книг хронографом жизни композитора и с письмом Брамса Регеру.

Единственный упрек, который я могу сделать автору издания, касается обозначения самого композитора. Виктор Шпиницкий неоднократно называет Регера «мастером», но… сам Регер, в письме Карлу Панцнеру (26 июня 1910 года) писал: «Пожалуйста, не называйте меня мастером; мастера — это Бетховен, Бах, Вагнер etc., я же лишь подмастерье» (стр. 66). В всем остальном работа проделана прекрасная. Перевод выполнен точно, выбор писем и статей разумен, комментарии лаконичны и полезны, а общая «интонация» книги проникнута подлинным уважением к композитору. Благодаря всему этому у читающего создается целостная картина о личности Макса Регера, которая, в свою очередь, способна облегчить понимание его музыки, если с этим есть сложности.

Сергей Евдокимов

На пути к мелодическому Ренессансу. Книга Сергея Слонимского «Мелодика»

Учебно-практический курс для студентов консерваторий и музыкальных училищ

Издательство «Композитор•Санкт-Петербург» выпустило уникальный учебно-практический курс «Мелодика» для студентов консерваторий и музыкальных училищ. Его автор — крупнейший современный композитор Сергей Михайлович Слонимский. Книга основана на материалах курса лекций, прочитанных композитором в 2017/18 учебном году в Санкт-Петербургской консерватории.

Новый курс

Известно, что в консерваторском учебном плане есть полифония, гармония, оркестровка, но нет курса, посвященного важнейшему музыкальному параметру — мелодике. Об этом образовательном «пробеле» Сергей Михайлович говорил на протяжении многих лет, и теперь — благодаря не только его книге, но и работе по введению этого курса в учебный план — с 2018 в Петербургской консерватории дисциплина «Мелодика» появилась.

Слонимский предлагает свою классификацию типов мелодики: монодия, гомофонная мелодика, полифоническая мелодика, полифонно-гомофонная мелодика, — посвящая каждому из них отдельную главу книги. Каждая глава сопровождается практическими заданиями для студентов разных специальностей.

Слонимский Сергей. Мелодика. Основы учебно-практического курса: для студентов консерваторий и музыкальных училищ
СПб.: Композитор•Санкт-Петербург, 2018. – 404 с.: нот.

«Мелодика» Слонимского — это результат систематизации исторических и теоретических сведений о мелодике в самых разных ее формах и способах проявления и, вероятно, вобравший в себя опыт всей творческой жизни Сергея Михайловича. Еще важнее то, что в каждой строчке этой книги ощущается взгляд не столько теоретика, сколько композитора: ее текст, подвижный и живой, как будто подталкивает студента вступить с автором в творческий диалог.

«От Ромула до наших дней»

В этом отношении наиболее любопытными представляются две последние, самые объемные главы книги, полные зачастую неожиданных и парадоксальных, но всегда точных музыкальных наблюдений Слонимского. Читателя ждет сравнение мелодики древнерусского и западноевропейского Средневековья, сопоставление мелодических языков итальянской, французской и немецкой оперы XVII–XVIII веков, наконец, неожиданные параллели между мелодикой Мусоргского и песнями трубадуров и труверов.

Свою «Мелодику» Слонимский сопровождает огромным количеством примеров, многие из которых малоизвестны или вовсе приводятся впервые: таковы, в частности, примеры из фольклорных «коллекций» композитора, записанные им самим во время экспедиций. В «Кратком историческом обзоре эволюции мелодических стилей» (глава VIII) можно найти образцы древнеперсидской, старошотландской и старофранцузской мелодики.

В «Мелодике» возникают и «лейтмотивы» научных работ самого Слонимского: так, например, в ней анализируется «вторгающийся контрапункт» (собственный термин) в музыке Малера. Еще одна любимая тема — «русская линеарность» мелодики высоко ценимого им В. Щербачева.

Другие сюжеты «Мелодики» обращают нас к музыкальному творчеству автора: в частности, Слонимский говорит о диалектике «детерминированной» и «квантовой» ритмики. Последняя, по мнению автора, приходит в ХХ век напрямую из архаики — она служит и визитной карточкой многих партитур самого автора «Мелодики».

Грядет ренессанс мелодии

Лейттема последней главы «Мелодики» — идея «Нового мелодического Ренессанса» — глобального возрождения мелодического начала, которое должно сменить отходящую в прошлое эпоху второго авангарда. Рассматривая проблемы и перспективы дальнейшей эволюции мелодики, Слонимский неоднократно говорит о необходимости обновления и возрождения «самого сложного выразительного средства музыки — мелодики» на основе опыта накопленных веками «мелодических сокровищ» наших учителей и предшественников, к которым молодые музыканты должны особенно прислушиваться.

Как отмечает С. Слонимский, «создание мелодии вполне справедливо уподобить рождению нового живого организма, до того неведомого ни природе, ни людям» (c. 253). Кто знает, может быть, курс «Мелодики» в самом деле раскроет мелодические таланты нынешних студентов-композиторов и как Deus ex machina приведет к спасению и возрождению мелодии, пусть и в новых — самых неожиданных — ее формах?

Ирина СОЗИНОВА

Готовится к постановке мультимедийный музыкальный спектакль «1926» по переписке Цветаевой и Пастернака

Елизавета Боярская и Анатолий Белый воплощают на сцене перипетии одного из величайших платонических романов XX века. Сюжетом мультимедийного музыкального спектакля «1926» стали отношения Марины Цветаевой и Бориса Пастернака, а также фрагменты поэмы «Крысолов». Впервые будет осуществлено драматургическое воплощение текстов этих писем. Третий герой ‑ скрипач и контратенор Дмитрий Синьковский. Российская премьера спектакля состоится в Петербурге.

Переписка, начавшаяся с взаимных слов восхищения одного поэта – другим, очень скоро переросла в настоящую страсть. В обжигающем диалоге Цветаевой и Пастернака, в сотнях, отправленных друг другу писем, чувственное неотделимо от творческого. Сами эти тексты – настоящая поэзия, вязь метафор, интеллектуальное удовольствие. Драматург и режиссер Алла Дамскер сплела из тонкой эпистолярной канвы реальных писем драматургию спектакля «1926». Лучшие драматические артисты бережно и страстно воплощают ее на подмостках.

«Я люблю поэзию 60-х годов, Серебряного века, но Цветаева для меня всегда занимала особое место», – рассказывает Елизавета Боярская, – Мне всегда нравилось ее колоссальное отличие от других поэтов: ее экспрессия, неистовость, ее какая-то космическая одаренность – действительно, полное ощущение, что это не человек, а сверхъестественное существо – ее неприкаянность, ее сложнейшая судьба. Она никогда не боялась экспериментировать ни с размерами, ни с рифмами: ее почерк в поэзии совершенно уникален, ни на что не похож. Плюс ее масштаб личности и ее эпоха. Все это делает ее для меня очень притягательной личностью, которую мне было интересно примерить на себя. Не просто читать ее стихи, а – подчеркну – примерить на себя. Это было принципиально важным».

Два гения четырнадцать лет разговаривали друг с другом письмами, вся призма человеческих чувств и переживаний в этой переписке, и их невозможно передать без музыки. Звучание живого инструмента становится одним из важнейших смыслов, обнажает психологический подтекст происходящего.

В магическом пространстве спектакля 3D-проекции–видеомэппинг сочетаются с тембром инструмента. Партия сольной скрипки отдана знаменитому скрипачу-виртуозу Дмитрию Синьковскому. Скрипка одновременно становится голосом незримо присутствующего немецкого поэта Райнера Марии Рильке. Человека близкого, созвучного, важного – и для Цветаевой, и для Пастернака, они считали его сердцем поэзии, он умер в последние дни 1926 года. Их письма к нему – важная часть спектакля, углубляющая оптику этой драмы.

Подбор музыкальной партитуры ‑ отдельная линия спектакля, подготовленная композитором Алексеем Курбатовым, включает его собственные произведения, а также ‑ сложнейшую первую часть сонаты Бартока, шедевры Баха, Изаи, Берга, Пендерецкого, Шостаковича, Пьяццоллы и других.

Незримая нить связывала двух величайших поэтов, разнесенных «по двум разным концам земли». Более 10 лет их переписка, то угасала, то снова вспыхивала, приобретая новый уровень накала. За это время изменились их жизни, сменились эпохи – а все мечты и попытки о встрече заканчивались неудачей. Это мультимедийная, музыкальная и драматическая история любви и смерти рассказанная одними из лучших артистов двух столиц.

Автор идеи и художественный руководитель проекта – Валерий Галендеев, художник-сценограф – Глеб Фильштинский, художник по костюмам – Алина Герман. Спектакль создан Фондом поддержки музыкального образования ‑ продюсерами спектакля «Неизвестный друг» с участием Полины Осетинской и Ксении Раппопорт, Международного скрипичного фестиваля Violinfest, проекта «Желтые звезды».

Ольга Рахальская, открытое письмо: «Музыковеды изучают биографию Вайнберга, игнорируя самого Вайнберга…»

Мечислав Вайнберг. 100 лет со дня рождения

Вдова Мечислава Вайнберга Ольга Рахальская обратилась с открытым письмом к музыкальной общественности.

Дорогие друзья!

Выражаю свою искреннюю признательность за ваш интерес к творческому наследию моего мужа и к его судьбе.

Благодарю за ваш труд, но должна сказать, что в последние годы в музыковедении наметилась некая тенденция, которая вызывает у меня протест.

Музыковеды изучают биографию Вайнберга, игнорируя самого Вайнберга, т.е. не придают значения тому, что говорит он сам.

Вот, например, зачем рассматривать версию, что Самуил Вайнберг приехал в Варшаву с беременной женой за 8 дней до рождения сына Моисея, если сам Моисей говорит: «Мой отец обосновался в Варшаве в 1914 году».

Почему словам далеких от него людей нужно доверять больше, чем его собственным?

Музыковеды отмечают, что в биографии Вайнберга сплошные загадки, неясности и пробелы.

Да, неясности есть. Особенно в том, что касается истории гибели его семьи.

Но в остальном – загадочность явно преувеличена.

Ведь из всего сказанного и написанного о Вайнберге за последнее время явствует, что он, прожив в Варшаве почти до двадцати лет, так и не узнал следующего:

1. Что его родители в разводе;
2. Как зовут его мать;
3. Как зовут его самого;
4. Когда у него день рождения;
5. С кем он бежал из Варшавы в начале Второй мировой войны (один, с сестрой или отцом);
6. Встречался ли он после своего бегства с кем-то из своей семьи.

Я назвала шесть пунктов, но этот список можно продолжить.

Если человек за 20 лет не усваивает того, что известно четырехлетнему ребенку, то с его умственным развитием все очень плохо.

Но Вайнберг был умным и здравомыслящим человеком. К тому же, у него была хорошая память.

Можно еще предположить, что он намеренно давал неверные сведения. Но склонности ко лжи у него не было, а смысла эта предполагаемая ложь не имела никакого.

По-моему, нужно просто внимательнее послушать его самого.

Хотя встречается мнение, что он ничего не рассказывал о своей семье. Но я была рядом с ним больше тридцати лет и никак не могу с этим согласиться.

Конечно, он рассказывал, и не только мне.

О разводе родителей он, скорее всего, не говорит потому, что его (развода) не было. Из его воспоминаний о начале войны следует, что его родители были вместе. Вот его слова: «С утра я вместе с сестрой пошел на Восток. Сестричка скоро вернулась к матери и отцу, а я пошел вперед. И долго еще мы кружили между немецкими и польскими войсками…» (цитата из статьи Людмилы Никитиной «Почти любой миг жизни — работа». Страницы биографии и творчества Мечислава Вайнберга. Музыкальная академия, 1994. № 5)

Больше всего прямой речи Вайнберга содержится в этой статье и в статьях М.А. Якубова, т.к. они основаны на диктофонной записи их интервью с композитором.

Теперь о его матери. Ее имя — Сарра Котлицкая. Сценический псевдоним – Соня Карл.

Тетку Мечислава, сестру его отца, звали Соней. От этого происходит постоянная путаница. Соней Вайнберг, например, называют Сарру Котлицкую в энциклопедии еврейского театра на идише (1 том, Нью-Йорк, 1931).

В Википедии была помещена фотография Самуила Вайнберга с двумя сестрами с комментарием: «Самуил Вайнберг с женой и сестрой».

Это пример того, что и в энциклопедиях могут публиковаться недостоверные сведения.

Тем более — в воспоминаниях неблизких знакомых почти всегда есть неточности.

Через некоторое время после того, как сестра вернулась домой, Мечислав вернулся тоже. Но сестра увидела его в окно и крикнула: «Метэк, беги! Немцы уже здесь». И он ушел снова.

С этого момента Вайнберг никогда больше не видел ни сестру, ни мать, ни отца.

Узнать об их участи ему не удавалось до 1966 года. (Тогда он посетил Польшу.) Архивы сгорели. Сведения исходили только из предположений и слухов, переходящих от одних людей к другим. Но все версии сходились на том, что семья погибла в концлагере Травники.

Недавние исследования приводят к мысли, что отец Вайнберга погиб в Лунинце.

Белорусский музыковед Инесса Двужильная приводит к тому веские доводы. Но она делает из этого, как мне кажется, поспешные выводы, что отец и сын бежали вместе.

Если Самуил Вайнберг погиб в Лунинце, то сын об этом не знал.

Он многие годы после войны думал, что вся его семья погибла в варшавском гетто. И то, что на титульном листе 1-ой фортепианной сонаты рукой М. Вайнберга написано «1940 год. Лунинец» не обязательно имеет какое-то отношение к его отцу.

Уточним теперь имя Вайнберга: Моисей или Мечислав?

Имени у него было два, как это нередко было принято у евреев рассеяния: одно – сакральное, синагогальное (Моисей), другое — светское, бытовое (Мечислав). Первое в быту не употреблялось, поэтому близкие и друзья звали его Метэком, это уменьшительная форма от имени «Мечислав». На тех сочинениях, которые он сохранил, убегая из Варшавы, стоит надпись «Мечислав Вайнберг».

Когда беженцы переходили границу Белоруссии, пограничники оформляли их пропуска очень торопливо, народу было много и приходилось спешить.

Молоденький солдат даже с третьего раза никак не мог разобрать непривычное, с акцентом произносимое имя «Мечислав». И тогда он сказал: «Ты еврей? Нет у вас таких имен. Будешь Моисей». Вайнберг согласился, но в фонетическом строе чужого языка не узнал своего имени, т.к. «Моисей» звучит иначе, чем по-польски «Мойжеш».

Итак, до 1982 года официально он стал только Моисеем, а в 1982 году вернул имя «Мечислав», и, таким образом, оба имени имеют право на существование.

И, наконец, когда Вайнберг родился?

Польский исследователь Данута Гвиздаланка называет как дату его рождения 12 января 1919 года, опираясь на прошение Самуила Вайнберга о приеме сына в Варшавскую консерваторию. К этому прошению прилагается копия свидетельства о рождении с той же датой.

Но Вайнберг всю жизнь отмечал день рождения 8 декабря! Не мог же он не знать, когда родился. И во всех советских документах дата рождения — 8.12.1919.

Возможно, Самуилу как-то удалось сдвинуть дату с 8.12. на 12.01, чтобы сын по документам оказался почти на год старше, т.к. в консерваторию принимали с 13 лет. Но это — только догадка, может быть, она и неверна.

Вопросов, конечно, много. Но все-таки не стоит увлекаться новизной версий, опровергающих его собственные слова и торопиться возводить гипотезы в категорию фактов.

Из всех голосов, идущих из прошлого, решающим должен быть голос Моисея Вайнберга.

Еще раз спасибо!

С уважением и пожеланием успеха,
Ольга Рахальская

10 июня 2018 г.

XX Международный фестиваль «Новый Европейский Театр» (NET 2018)

XX фестиваль «NET: Новый Европейский Театр» пройдет в Москве с 30 ноября по 20 декабря 2018 г.  В орбиту интересов юбилейного фестиваля попали режиссеры, актеры и драматурги из Швейцарии, Франции, Польши, Израиля, Эстонии и Бельгии.

Цюрихский театр Шаушпильхаус привезет в Москву новый хит Кристофа Марталера «Мы берем это на себя». На сцене будет создана вымышленная реальность, где всё мировое зло, связанное с финансами, окажется в так называемом «Bad State» («плохом государстве»).

Израильский режиссер Цви Саар пригласит зрителей к беседе о расстояниях, которые люди готовы преодолевать в борьбе за свою свободу («Соль земли»).

Польский театр в Познани и фонд «Chór Kobiet» удивят всех своим «Гимном любви», поставленном для оркестра, хора плюшевых зверей и прочих. Марта Гурницкая сделала музыкальный сценический коллаж на злобу дня, в котором острые проблемы современного общества становятся поводом к созданию новых гимнов.

Сцена из спектакля «Гимн любви», Польский театр в Познани и фонд «Chór Kobiet»

Кроме того, юбилейный NET представит собственный проект —спектакль без режиссера, репетиций и декораций по пьесе иранского драматурга Нассима Сулейманпура «Белый кролик красный кролик».

За 17 лет международный проект из дерзкой сценической инициативы перерос в глобальное театральное движение. В нем уже поучаствовали такие знаменитости, как Вупи Голдберг, Стивен Фрай, Джон Хёрт, Майкл Шеннон. Теперь очередь за Россией. В проекте примут участие Михаил Зыгарь, Антон Красовский, Алиса Гребенщикова, Анатолий Белый, Сергей Епишев, Юлия Ауг. Французский режиссер Кристоф Рок и актриса Театра дю Нор Джульетт Плюмекок-Меш порассуждают о проблемах коммуникации и тонких механизмах человеческих отношений.

Эстонский театр NO99 покажет свой 56-ый спектакль – «NO43 ГРЯЗЬ». Эне-Лийз Семпер и Тийт Оясоо вдохновились двумя знаменитыми романами – «Мелкий бес» Федора Сологуба и «Возможность острова» Мишеля Уэльбека – и создали самостоятельное сочинение, представляющее мир в апокалиптичном разломе. Интересно, что сам театр прекратил свое существование, и показ спектакля на фестивале – это последняя возможность его увидеть.

Закроется фестиваль показом спектакля «Ведьмы: Эфир», выпускаемого Электротеатром Станиславский и продюсерским центром Gornostai при поддержке бельгийской Troubleyn Laboratorium. Актрисы компании Яна Фабра Ивана Йозич и Мария Дафнерос предстанут в образе двух великих ученых – Альберта Эйнштейна и Николы Тесла, столкнут их идеи, снимут противоречия между взглядами на мир и откроют чувственный, сексуальный потенциал науки.

Сцена из спектакля «Ведьмы: Эфир», Электротеатр Станиславский и продюсерский центр Gornostai при поддержке Troubleyn Laboratorium (Бельгия)

Юбилейным спецпроектом станет кинопрограмма «20 лет Нового Европейского Театра». На экранах киноцентра «КАРО Октябрь» будут показаны записи самых важных спектаклей, показанных за всю историю фестиваля NET. В эти же дни пройдут встречи Дискуссионного клуба.

В программу 20-го фестиваля NET также вошли спектакли российского производства: три проекта галереи-мастерской ГРАУНД Ходынка под общим названием ХМАТ (Художественный междисциплинарный анти-театр), пеформанс, посвященный жизни и творчеству Камиллы Клодель, «Камилла», музыкальный перформанс Алексея Коханова,

Александра Белоусова на текст «Капитала» К Маркса «Марксофония», «Суд над Джоном Демьянюком. Холокост-кабаре» Ильи Мощицкого, в основу которого лег реальный судебный процесс длиной в 30 лет.

Фестиваль NET был создан в 1998 году как независимая театральная инициатива нескольких молодых критиков и вот уже 20 лет раздвигает границы жанров и представлений о театре, вписывает новейший российский театр в современный ему европейский контекст. Связывает воедино эстетические, политические и поколенческие поиски. NET открыл для российского зрителя такие важные имена современного театра, как Михаэль Тальхаймер, Ян Фабр, Димитрис Папаиоаунну, Кэти Митчелл, Томас Остермайер, Пиппо Дельбоно, Давид Эспиноза, Алвис Херманис, Давид Бобе, Иво ван Хове,  Арпад Шилинг, Эмма Данте, Филипп Кен. NET ­– это утверждение новых трендов в театральной жизни и отрицание любых клише.

Арт-дирекция фестиваля – Марина Давыдова, Роман Должанский.
Официальный сайт Фестиваля – netfest.ru

Министр культуры Российской Федерации находится с рабочим визитом в Екатеринбурге

20 ноября 2018 года Министр культуры Российской Федерации Владимир Мединский находится с рабочим визитом в Свердловской области, где проходит его рабочая встреча с исполняющим обязанности Губернатора Свердловской области Алексеем Орловым, Министром культуры Свердловской области Светланой Учайкиной и исполняющим обязанности главы Екатеринбурга Алексеем Кожемяко.

В этот день состоится обсуждение этапов строительства культурно-просветительского центра «Эрмитаж-Урал» и Свердловской филармонии. Во встрече примет участие директор ГАУК СО «Свердловская ордена Трудового Красного Знамени государственная академическая филармония» Александр Колотурский.

Глава Минкультуры России также посетит Екатеринбургский государственный академический театр оперы и балета, где состоится презентация новых проектов театра, и Учебный театр Екатеринбургского государственного театрального института.

Свердловск (ныне Екатеринбург) занимает особое место в истории Государственного Эрмитажа. В июле 1941 года из Ленинграда на Урал двумя эшелонами были эвакуированы 1,118 млн экспонатов из коллекции музея. В здании Свердловской картинной галереи они хранились на протяжении всей Великой Отечественной войны. В октябре 1945 года ценности были возвращены в Ленинград, однако в 1947 году в благодарность за сохранение коллекции Свердловску было подарено более 200 спасенных предметов.

Источник публикации Министерство культуры РФ, 20.11.2018

Утверждён новый состав Совета по культуре и искусству

Владимир Путин подписал Указ об утверждении нового состава Совета при Президенте по культуре и искусству и распоряжения о составе президиума данного Совета и назначении руководителей четырёх межведомственных комиссий при Совете.

В обновлённом Совете – 55 человек, из которых в прежнем составе Совета работали 27 человек. Это известные музыканты Валерий Гергиев, Юрий Башмет, Владимир Спиваков, Денис Мацуев, деятели театрального искусства Александр Калягин, Евгений Миронов, Валерий Фокин, балерина Светлана Захарова, директор Государственного Эрмитажа Михаил Пиотровский, скульптор Андрей Ковальчук, кинорежиссёр-документалист Сергей Мирошниченко, художник-аниматор Александр Петров, хореограф Борис Эйфман, руководители образовательных учреждений искусства Николай Цискаридзе, Владимир Малышев, Семён Михайловский, писатели Алексей Варламов и Валентин Курбатов, председатель Патриаршего совета по культуре митрополит Псковский и Порховский Тихон (Г.А.Шевкунов) и другие.

Среди новых членов Совета, включённых в его состав настоящим Указом, известные и авторитетные деятели культуры и искусства разных поколений: кинорежиссёры Фёдор Бондарчук и Андрей Михалков (Кончаловский), общественный деятель Наталья Солженицына, руководители ведущих музыкальных и драматических театров Владимир Урин, Дмитрий Бертман, Михаил Бычков, Владимир Машков, директор Большого Московского цирка Эдгард Запашный, руководители крупнейших музеев Зельфира Трегулова и Светлана Мельникова, писатель и литературовед Евгений Водолазкин, детский писатель Анастасия Орлова (А.А.Рогах), композиторы и музыкальные продюсеры Игорь Крутой, Алексей Рыбников, Игорь Матвиенко, артистка эстрады Полина Гагарина, генеральный директор ВГТРК Олег Добродеев, ректор театрального института имени Б.Щукина, актёр Театра имени Е.Вахтангова Евгений Князев, директор Московской филармонии Алексей Шалашов.

Заместителем председателя Совета переутверждён кинорежиссёр, директор киноконцерна «Мосфильм» Карен Шахназаров, секретарём Совета – советник Президента Владимир Толстой. В составе Совета представители всех федеральных округов Российской Федерации, восемь членов Совета представляют Санкт-Петербург, 10 – другие регионы России (Чеченскую Республику, Республику Крым, Красноярский и Приморский края, Воронежскую, Пермскую, Псковскую, Тульскую и Ярославскую области, Ханты-Мансийский автономный округ – Югру).

Определяющим критерием для включения в состав президентского Совета по культуре и искусству является личный творческий успех и безусловный профессиональный авторитет. В Совете традиционно представлены выдающиеся деятели культуры и искусства, чья деятельность получила широкое общественное признание, всероссийскую и международную известность, отмеченные высшими государственными наградами, имеющие большой стаж успешной работы в отрасли и на руководящих должностях, а также наиболее авторитетные руководители ведущих организаций культуры регионов Российской Федерации.

Одновременно с внесением изменений в состав Совета по культуре и искусству соответствующим распоряжением Президента Российской Федерации утверждён новый состав его президиума. В соответствии с пунктом 9 Положения о Совете (утверждён Указом Президента № 1132 от 30.08.2004 года) количественный и персональный состав президиума Совета определяется Президентом и подлежит ротации один раз в год. В нынешнем составе президиума 15 человек, восемь из которых входили в его предыдущий состав.

Утверждены также руководители четырёх межведомственных комиссий при Совете, формируемых для рассмотрения актуальных вопросов государственной культурной политики по направлениям:

«Современная культурная политика и развитие творческих инициатив» (советник Президента, секретарь Совета при Президенте по культуре и искусству В.И.Толстой);

«Гуманитарное развитие, художественное образование и творческое воспитание подрастающего поколения» (генеральный директор Московской государственной академической филармонии, президент Союза концертных организаций России А.А.Шалашов);

«Сохранение, использование и популяризация историко-культурного наследия, развитие культурно-познавательного туризма» (генеральный директор Государственного Эрмитажа М.Б.Пиотровский);

«Международное культурное сотрудничество» (генеральный директор Государственной Третьяковской галереи З.И.Трегулова).

В работе межведомственных комиссий участвуют члены Совета, представители федеральных органов государственной власти, органов государственной власти субъектов Российской Федерации и органов местного самоуправления, общественных организаций, а также творческие работники, деятели культуры и искусства, а также эксперты, не входящие в состав Совета.

Источник публикации www.kremlin.ru

Умер режиссер Эймунтас Някрошюс

В Литве на 66 году жизни умер известный театральный режиссер Эймунтас Някрошюс. Об этом в социальной сети Facebook сообщил его родственник, член литовского парламента Арвидас Някрошюс.

“Эймунтас Някрошюс (21 ноября 1952 года – 20 ноября 2018 года). Покойся с миром”, — говорится в публикации политика.

Режиссеру стало плохо после возвращения из поездки, ночью он скоропостижно скончался в вильнюсской больнице Сантарос.

Соболезнования семье выразила президент Литвы Даля Грибаускайте. “Это огромная потеря для всего театрального мира, в котором выдающийся талант Эймунтаса Някрошюса представлял нашу страну и постоянно прославлял имя Литвы. В течение четырех десятилетий каждый новый созданный режиссером спектакль становился большим событием как на наших сценах, так и мировых”, — отметила литовский лидер.

Эймунтас Някрошюс родился 21 ноября 1952 года в одной из деревень Расейняйского района Литвы. В 1978-ом окончил курс Андрея Гончарова в ГИТИСе, после чего работал в Вильнюсском Молодежном и Каунасском драматическом театрах.

В 1992–1998 годах был режиссером Международного театрального фестиваля LIFE, в рамках которого создал спектакли “Моцарт и Сальери. Дон Жуан. Пир во время чумы”, “Три сестры”, “Гамлет”.

В 1998-ом Някрошюс возглавил собственный театр Meno Fortas, на сцене которого поставил спектакли “Макбет”, “Отелло”, “Времена года”, “Песнь песней”, “Фауст”, “Идиот”, “Божественная комедия” и многие другие.

Среди других постановок Някрошюса — “Чайка” в итальянском “Театро Метастазио”, “Иванов” в Teatro di Roma, опера Верди “Макбет” в Teatro Comunale и в Большом театре, “Калигула” в московском Театре Наций, “Фауст” в миланском Ла Скала.

Някрошюс — обладатель множества наград, в их числе — премии Союза театров Европы, европейской премии “Новые театральные реалии”, призы ведущих профильных фестивалей.

Источник публикации РИА Новости, 20.11.2018

Оперные постановки Эймунтаса Някрошюса

2002 — «Макбет» Дж. Верди (Театро Коммунале, Флоренция)
2003 — «Макбет» Дж. Верди (Большой театр, Москва)
2005 — «Борис Годунов» М. П. Мусоргского (Театр Маджо Музикале, Флоренция)
2005 — «Дети Розенталя» Л. А. Десятникова (Большой театр)
2007 — «Валькирия» Р. Вагнера (Литовский национальный театр оперы и балета)
2008 — «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии» Н. А. Римского-Корсакова (Большой театр)
2010 — «Фауст» Ш. Гуно (Ла Скала, Милан)
2011 — «Отелло» Дж. Верди (Литовский национальный театр оперы и балета, Вильнюс, Литва)

Фестиваль Кшиштофа Пендерецкого в Варшаве – к 85 летию со дня рождения композитора

С 16 по 23 ноября в Варшаве — фестиваль Кшиштофа Пендерецкого, к 85-летию со дня его рождения. Восемь дней на сцене Варшавской филармонии и других сценических площадок фестиваля звучит музыка Кшиштофа Пендерецкого.

В фестивале принимают участие лучшие музыканты и оркестры со всего мира. Польские оркестры выступают со всемирно известными дирижерами Андресом Мустоненом, Ежи Максимюком, Кристофом Эшенбахом, Михалом Клаузой, Леонардом Слаткиным, Александром Либрейхом, Лоуренсом Фостером, Яцеком Каспшиком, Рафаэлем Пайаре, Джоном Аксельродом, Сергеем Смбатяном.

«Каждый из приглашенных мастеров нашей юбилейной эстафеты будет дирижировать одним из произведений Кшиштофа Пендерецкого», — заявила художественный руководитель фестиваля Эльжбета Пендерецка.

Выдающиеся солисты со всего мира — скрипачки Анне-Софи Муттер, Михаэла Мартин, пианист Барри Дуглас, виолончелисты Данило Ишизака, Арто Норас, Иван Монигетти, Франк Хелмерсон, лауреат «Грэмми», бас Николай Диденко и многие другие — познакомят слушателей с музыкой Пендерецкого, написанной в разные годы, в разных стилях и жанрах, для различных инструментов и составов: от камерных сочинений (Секстет, квартет для кларнета и струнного трио) до монументальных симфонических и ораториальных партитур (Credo, Симфония № 6 «Китайские песни»).

На фестивале возможно будет проследить стилистическую эволюцию композитора, слушая его струнные квартеты в исполнении «Шанхайского квартета» и симфонии — от Первой, которую сам композитор рассматривает как «итог своей любовной интриги с авангардом», до Шестой, которую он завершил в прошлом году.

Накануне своего 85-летия Пендерецкий — признанный во всем мире классик академической музыки XX–XXI веков — по-прежнему полон творческой энергии. Автор легендарных «Страстей по Луке» постоянно работает над новыми композициями. На юбилейном фестивале прозвучит мировая премьера его фортепианного трио, которая совпадает с дебютным выступлением нового камерного ансамбля — фортепианного трио Пендерецкого в составе Ярослава Надрицки (скрипка), Карола Мариановски (виолончель) и Конрада Сколярского (фортепиано).

Камерные сочинения молодого Пендерецкого послужат контрапунктом к «мэйнстиму» его творчества: фестиваль предоставляет уникальную возможность послушать Сонату No.1 для скрипки, Три миниатюры для скрипки и фортепиано и «Эманации» для двух струнных оркестров. Почувствовать уникальное чувство юмора композитора, которое можно ощутить в его произведениях для скрипки и для духовых инструментов.

В день рождения маэстро Пендерецкого — 23 ноября — заключительный концерт, в котором в завершение фестиваля прозвучит монументальная вокально-инструментальная композиция «Dies illa», которую композитор написал в ознаменование 100-летия начала Первой мировой войны.

Интернет-портал «Map of Polish Composers»: самый полный интернет-ресурс, посвященный польской музыке

Институт Адама Мицкевича открыл интернет-портал «Карта польских композиторов» (Map of Polish Composers). Это самый полный из всех когда-либо созданных ресурсов, посвященных польской академической музыке и польским композиторам.

Интернет-портал дает пользователям мгновенный доступ к биографиям, фрагментам записей и скрупулезно сконструированной «музыкальной карте», содержащей многочисленные сведения о каждом из польских композиторов, о его влияниях и источниках вдохновения, о культурном и музыкальном контексте того или иного имени или временного периода.

На сегодняшний день в базе данных портала — 105 имен композиторов, а также различные материалы общемузыковедческого содержания: «Женские голоса в польской музыке XX и XXI вв.», «Польская Еврейская музыка», «Коды и диссонансы: сакральное в польской музыке» (посвящен польским музыкантам, пострадавшим от репрессий — от Холокоста до Коммунистического режима) и другие.

Интернет-портал создан Институтом Адама Мицкевича в рамках международных культурных программ, посвященных 100-летию восстановления независимости Польши. Polska Music и POLSKA 100. Проект финансируется Министерством культуры и национального наследия Республики Польша в рамках многолетней программы NIEPODLEGŁA 2017–2022.

Уже сегодня «Карта польских композиторов» дает исчерпывающие сведения о польской музыке и, несомненно, окажет неоценимую практическую помощь всем музыкантам, интересующимся польской музыкальной культурой.

В то же время работа над интернет-порталом продолжается, и его разработчики внимательно анализируют все отзывы и пожелания от пользователей.

«Карта польских композиторов» доступна на польском и английском языках.

Виолончель XVIII века станет топ-лотом торгов коллекции Ростроповича и Вишневской

Виолончель XVIII века производства итальянского мастера Джованни Гваданини (1711-1786) с оценочной стоимостью £1-1,5 млн ($1,3-1,9 млн) станет топ-лотом предстоящих торгов коллекции Мстислава Ростроповича (1927-2007) и Галины Вишневской (1926-2012). Об этом корреспонденту ТАСС сообщили в понедельник в аукционном доме Sotheby’s, который организует намеченные на 28 ноября торги.

Музыкальный инструмент, изготовленный в 1783 году учеником Антонио Страдивари в Турине, был приобретен маэстро в 2000 году. Виолончель Ростроповича принесли в его парижскую квартиру, и музыканту потребовалось взять несколько аккордов, чтобы сразу принять решение купить инструмент.

Мстислав Ростропович и Галина Вишневская, Париж, 1976. Фото François Lochon / Gamma-Rapho Via Getty Images

Свой выбор он объяснил тем, что в возрасте 18 лет он одержал победу на III Всесоюзном конкурсе музыкантов-исполнителей в Москве, играя на виолончели, которая, как он думал, была из мастерской Гваданини. В 1974 году, покинув СССР, Ростропович показал музыкальный инструмент мастеру в Швейцарии, который установил, что его виолончель не имела ничего общего с произведениями прославленного итальянского мастера. И тогда, как сообщили в аукционном доме, музыкант пообещал себе, что в один день он станет обладателем виолончели, изготовленной Гваданини.

Фото sothebys.com

Помимо этого, на торги будут выставлены еще две виолончели из коллекции Ростроповича. Одна из них изготовлена в 1741 году известным венецианским срипичным мастером Санто Серафином (1699-1776) – (оценка £500-700 тыс. – $640-900 тыс.), другая, в 1473 году, – мастером Джованни Гвиданти из Болоньи (£260-380 тыс.).

Другие интересные лоты

Среди примечательных лотов торгов эксперты Sotheby’s также особо отмечают рояль австрийской фирмы Бёзендорфер (£40-60 тыс. – £50-75 тыс.), за который садился не только сам маэстро, но и такие известные композиторы и музыканты, как Анри Дютийе (1916-2013), Витольд Лютославский (1913-1994), Альфред Шнитке (1934-1998), Артур Рубинштейн (1887-1982) и другие. В такую же сумму оценена и 50-сантиметровая статуя “Скрипка”, подаренная Ростроповичем его другом, испанским художником-сюрреалистом Сальвадором Дали (1904-1989).

Всего коллекционерам будет предложено более 300 лотов, среди которых будут также предметы мебели, ювелирные украшения, произведения русского искусства, книги. Общая стоимость коллекции оценивается в £3,5 млн (около $4,5 млн). Коллекцию на аукцион выставили дочери Ростроповича и Вишневской – Елена и Ольга Ростропович.

Директор отдела русского искусства Sotheby’s Джо Викери в этой связи заявила, что аукционный дом “в восторге от того, что ему доверили реализовать три редких виолончели, которые принадлежали Мстиславу Ростроповичу”. “Пробрести инструмент высочайшего качества, который однажды принадлежал одному и величайших виолончелистов всех времен, и который играл на нем, – самая заветная мечта нового поколения музыкантов”, – добавила она.

Несостоявшийся аукцион

В 2007 году Sotheby’s планировал продать с молотка коллекцию русского искусства, которая принадлежала Ростроповичу и Вишневской – ее после смерти мужа выставила на аукцион сама оперная певица. Однако те торги “были отменены вследствие достигнутого соглашения о частной продаже”. Как стало известно со временем, коллекцию целиком выкупил российский предприниматель Алишер Усманов, который впоследствии передал ее в дар государству. Местом размещения коллекции был выбран Константиновский дворец в Стрельне.

Источник публикации ТАСС, 19.11.2018

Госдума приняла закон о налоговых льготах для меценатов

Госдума приняла в третьем, окончательном, чтении закон, устанавливающий льготы для физических и юридических лиц, оказывающих финансовую поддержку государственным и муниципальным учреждениям культуры. Документ был инициирован группой парламентариев во главе со экс-спикером Госдумы Сергеем Нарышкиным и председателем Совета Федерации Валентиной Матвиенко. С текстом закона можно ознакомиться на сайте Системы обеспечения законодательной деятельности Государственной думы.

Закон направлен на стимулирование привлечения внебюджетных источников финансирования в область культурных инициатив. “Благотворитель передает бескорыстно гражданам или юрлицам имущество, в том числе денежные средства, выполняет работы, предоставляет услуги, оказывает иную поддержку. Данный принцип предполагается распространить и на государство, а именно, государство не должно облагать налогами как операции по передаче денег, имущества или прав, так и не учитывать их при налогообложении различными видами налогов жертвователей”, – отмечают авторы документа.

Закон предоставляет право субъектам РФ увеличить размер социального налогового вычета “на благотворительность” по налогу на доходы физических лиц (НДФЛ) с 25% до 30% суммы дохода граждан, полученного в налоговом периоде и подлежащего налогообложению, если получателями пожертвований являются государственные и муниципальные учреждения, осуществляющие деятельность в сфере культуры, а также некоммерческие организации (фонды) в случае перечисления им пожертвований на формирование целевого капитала для их поддержки.

Организации получат право включать в состав инвестиционного налогового вычета по налогу на прибыль организаций расходы в виде пожертвований, перечисленных государственным и муниципальным учреждениям, осуществляющим деятельность в области культуры, а также некоммерческим организациям в сфере культуры. Предельные суммы расходов устанавливаются законом субъекта РФ.

Реализация норм закона позволит без дополнительного бюджетного финансирования сохранить сложившуюся сеть государственных и муниципальных организаций культуры, создать условия для их развития, освоения ими новых технологий культурной деятельности, а также усилить роль таких организаций культуры, как музей, библиотека, архив, театр, филармония, концертный зал, дом культуры, в деле исторического и культурного просвещения и воспитания граждан, указывается в пояснительной записке.

Источник публикации ТАСС, 15.11.2018

Юбилейный XXX Международный фестиваль «Баян и баянисты»

C 12 по 16 декабря 2018 года в Москве, в Концертном зале Российской академии музыки им. Гнесиных будет проходить ежегодный Международный фестиваль «Баян и баянисты». Художественным руководителем фестиваля является его основатель – народный артист России, профессор Фридрих Робертович Липс. Директор фестиваля – Александр ГАТАУЛЛИН. В этом году фестиваль отмечает 30-летие, а его основатель и главный вдохновитель – Фридрих Липс 70 лет со дня рожения!

За три десятилетия существования этого престижного и авторитетного международного форума, в нём приняли участие выдающиеся музыканты разных поколений и национальных школ: Ю. Казаков, А. Беляев, В. Семёнов, А. Скляров, Ю. Дранга, О. Шаров, А. Дмитриев, Ю. Шишкин, В. Романько, М. Эллегарда (Дания), М. Рантанен (Финляндия), Х. Нот (Германия), Э. Мозер (Швейцария), М. Деккерс (Голландия), В. Зубицкий (Украина), М. Боннэ и М. Аззола (Франция), Арт Ван Дамм (США), Фрэнк Марокко (США), а также известные ансамбли – Уральское трио баянистов, Квартет Н. Ризоля (Украина), Квинтет «Русский тембр», трио В. Ковтуна, квартет А. Музикини (Франция) и др.

Фестиваль «Баян и баянисты» ежегодно открывает новые таланты – здесь демонстрируют своё искусство не только признанные мастера, но и яркие молодые исполнители. На форуме традиционно представлено как сольное, так и ансамблевое музицирование, а широкий охват репертуара отражает панораму многообразия баянного искусства: от классики – до джаза, от популярной эстрады – до авангарда. Кроме этого, фестиваль проводит большую просветительскую работу, предоставляя возможность широкой публике познакомиться с современными российскими и зарубежными сочинениями для баяна.

12 декабря на открытии юбилейного форума выступит Государственный академический русский народный ансамбль «Россия» имени Людмилы Зыкиной. Художественный руководитель и дирижёр Дмитрий Дмитриенко. Солист – заслуженный артист России, профессор Юрий Сидоров, отмечающий в этом году своё 60-летие.

В концерте также примет участие дуэт «Баян-mix», в составе: Сергей Войтенко, Сергей Котков. В программе: Н. Чайкин – Концерт №1 для баяна и симфонического оркестра, Г. Шендерёв – Концерт «Волжские картины», а также популярные сочинения мировой классики и авторские композиции.

13 декабря свое мастерство покажут лауреат международных конкурсов Мария Власова и Квартет «Puritz-band», в составе: Иосиф Пуриц (баян), Михаил Меринг (кларнет), Игорь Никифоров (контрабас), Алексей Бударин (ударные). В концерте также принимают участие: Сесилия Бигналл (виолончель), Андрей Лебедев (гитара). Прозвучит музыка И. С. Баха, В. А. Моцарта, М. Глинки, А. Бородина, С. Рахманинова, Е. Подгайца, А. Васильева, Н. Попов, А. Пьяццолла и других.

Концерт 14 декабря станет центральным событием юбилейного фестиваля. В этот день состоится Творческий вечер народного артиста России, профессора Фридриха Липса. В концерте принимает участие Симфонический оркестр РАМ им. Гнесиных, Художественный руководитель – заслуженный деятель искусств, лауреат Государственной премии, профессор Владимир Зива. Дирижирует концертом Андрей Лебедев. На вечере выступит легендарный инструментальный квартет «Piazzolla-studio», в составе: народный артист России Фридрих Липс (баян), заслуженный артист России Владислав Иголинский (скрипка), заслуженный артист России Кирилл Родин (виолончель), лауреат международных конкурсов Святослав Липс (рояль). В программе прозвучат сочинения А. Пьяццоллы, И. Стравинского, Е. Подгайца.

15 декабря выступят воспитанники класса профессора Ф. Р. Липса: Иосиф Пуриц, Михаил Бурлаков, Семён Шмельков, Айдар Салахов, Ильдар Салахов, Александр Гатауллин, Энвер Сеит-Абдулов, Григорий Середин, Никита Украинский, Самгар Толкынхан, Толеген Какимов, Юлий Мистюков, Андрей Шелыганов, Алексей Панкратов, Олжас Нурланов, Арслан Алиев, Рафаэль Сапуков, Ангелина Кознова, а также Зауральское трио баянистов в составе: Пётр Бабин, Евгений Крашенинников, Виталий Боголюбов. В программе концерта будут представлены разные эпохи и стили, от XVIII столетия – до музыки наших дней.

16 декабря Торжественное закрытие ХХX Международного фестиваля «Баян и Баянисты». Заключительный концерт по традиции будет включать произведения джазовой, поп- и фолк-музыки. На закрытии выступят: Станислав Венглевский (Россия-США, баян) Татьяна Краснобаева (Беларусь, гусли), Джазовое трио Сергея Осокина, Трио Айдара Салахова и Ансамбль «Эйфория» Айдара Гайнуллина.

В рамках ХХХ Международного фестиваля «Баян и баянисты» пройдет Конкурс учащихся музыкальных училищ и колледжей России, а также творческие встречи с известными педагогами-баянистами. В программе фестиваля запланировано заседание Межрегиональной ассоциации баянистов и аккордеонистов.

С 1993 года по инициативе РАМ им. Гнесиных и Оргкомитета фестиваля был учреждён специальный приз: «Серебряный диск» – за заслуги в баянном искусстве. Среди награждённых – ведущие исполнители, композиторы, педагоги, музыкальные деятели и мастера-конструкторы инструментов. Вручение Серебряных дисков 2018 года состоится на закрытии фестиваля.

Международный фестиваль «Баян и баянисты» проходит при поддержке Министерства культуры Российской Федерации, Российской академии музыки им. Гнесиных, Благотворительного фонда Фридриха Липса в рамках Федеральной целевой программы «Культура России».