В программе фестиваля «MO – OPUS 32» — произведения, отмеченные опусом либо номером 32, написанные композиторами в 32 года, состоящие из 32 частей и т.д.

Суть этого проекта в том, что «Музыкальное обозрение» формирует предложение, на основе которого создаются уникальные программы. Строясь вокруг единой идеи, каждая такая программа заключает в себе сложные концептуальные смыслы, возможности прихотливой интеллектуальной игры, связанной с историческим и культурным контекстом, судьбой и творчеством великих художников.

В этом отношении программа, составленная художественным руководителем симфонического оркестра МГИМ им. Шнитке заслуженным артистом России Игорем Громовым, явила, можно сказать, неограниченные культурологические пласты и перспективы, стала почвой для самых разнообразных и изысканных аллюзий, аллегорий.

OPUS 32: проект, созданный вместе

В концерте соединились мощные творческие силы:

два великолепных солиста — тенор Илья Селиванов и скрипачка Елена Рольбина, зав. кафедрой струнных смычковых инструментов МГИМ им. Шнитке;

два хора;

4 варианта оркестра: симфонический, камерный, струнный, и еще один — фактически театральный;

Институт имени Шнитке,
газета «Музыкальное обозрение»,
Московская консерватория,
Академия музыки имени Гнесиных,
Большой театр.

Представлены все жанры: симфоническая, камерная, театральная, концертная, кантатно-ораториальная музыка. Задействованы серьезные организационные ресурсы. Департамент культуры Москвы организовал трансляцию на сайте mos.ru.

Каждое произведение программы было связано с числом 32. А все вместе они составили единственный в своем роде мультикультурный художественный проект, целостное произведение искусства: и прежде всего, благодаря возникающим многообразным содержательным связям, придающим программе в целом и каждой из ее составляющих особую жизненность, выводящим на день сегодняшний.

А идея opus 32 — импульс к ее созданию и воплощению.

Но, помимо этого объединяющего начала, за каждым из них — своя история, исторические и культурные ассоциации, события, даты, вопросы и ответы, тексты и подтексты.

Обо всем этом: об истории каждого сочинения, его особенностях, значении в жизни и творчестве композитора рассказала в своих комментариях доктор искусствоведения, профессор РАМ имени Гнесиных Дина Кирнарская, своим блистательным Словом раскрывшая все смыслы, которые содержатся в этой программе, скрепившая ее глубокими и прочными нитями. И особо отметившая, что 32 года для художника, творца — как правило, время первого творческого расцвета взлета.

Чайковский. Во славу Петра и России

Например, кантата Чайковского, написанная к 200-летней годовщине со дня рождения Петра I, сейчас особенно актуальна. Так совпало, что незадолго до концерта, в октябре, отмечалось 300-летие Российской Империи, первым самодержцем которой был Петр, а в июне 2022 года будет отмечаться 350-летия со дня рождения первого российского императора. И второе событие, которому была посвящена эта кантата — открытие в Москве Политехнической выставки, ставшей предтечей Политехнического музея, 150-летие которого мы также будем отмечать в 2022.

Дина Кирнарская: «Кантата к 200-летию Петра I, написанная по случаю Политехнической выставки, была заказана ее организаторами. Неудивительно, что заказана именно Чайковскому: в 32 года он был уже очень популярным, маститым композитором, автором Первой симфонии, увертюры «Ромео и Джульетта». И исполнена она была на Троицком мосту в мае 1872 в Москве.

Это редко исполняемое сочинение. Может быть, если бы не «Opus 32», мы и не услышали бы его еще долго».

Кантата продолжает глинкинские традиции монументальных оперных хоровых интродукций и заключительных апофеозов. В кантате мы видим становление грандиозной картины – от суровых эпических образов, которые воплощаются через народную тему вступительного раздела (которую композитор взял из финала своей Первой симфонии), возвышенно-величественной фуги, до проведения темы гимна «Боже, Царя храни» и героического воодушевления в заключительном разделе.

Кантата открывает ряд произведений Чайковского, отмеченных большим «имперским» стилем (увертюра «1812 год», Славянский марш, Второй фортепианный концерт, Коронационная кантата «Москва»).

Подготовка к исполнению кантаты потребовала больших творческих и организационных усилий. Результат оказался достойным вложенных сил. Сводный хор — МГИМ им. Шнитке и консерватории — звучал вместе с оркестром под управлением Игоря Громова и солистом как единый нераздельный коллектив. И хотелось бы по случаю предстоящей памятной даты Петра I еще, может быть, не раз услышать кантату Чайковского в этом же великолепном исполнении.

Во втором отделении прозвучали произведения из проекта OPUS 32 Моцарта, Шнитке и Шостаковича.

Моцарт. Путь к Баху

История создания Адажио и фуги до минор В.А. Моцарта связана с серьезным изучением Моцартом музыки И.С. Баха и, в частности, переложением некоторых его сочинений для струнного трио и струнного квартета. В 1783 году Моцарт написал четырехголосную фугу до минор для двух клавиров. Через пять лет, в 32 года, Моцарт вернулся к этой фуге, переложив ее для струнного оркестра и написав к ней медленное вступление — Адажио.

Шнитке. На переломе эпох

Еще одним центром композиции программы и интеллектуальной игры с числом 32 оказался Концерт № 2 для скрипки с оркестром Шнитке, написанный композитором в 32 года. Имя Шнитке носит Институт: будущий композитор окончил это учебное заведение, когда оно еще было музыкальным училищем. Сегодня МГИМ — главный хранитель памяти Шнитке. Здесь создан Шнитке-центр, выпускаются научные сборники «Альфреду Шнитке посвящается», хранятся личные вещи композитора.

Символично время исполнения Концерта: незадолго до 87-го дня рождения Шнитке (он родился 24 ноября 1934). Сочинение посвящено другу композитора и первому исполнителю Марку Лубоцкому, скончавшемуся в марте 2021. На концерте в «Оркестрионе» это произведение замечательно исполнила профессор, зав. кафедрой струнно-смычкового искусства МГИМ Елена Рольбина, в сопровождении камерного оркестра под управлением Игоря Громова.

По сравнению с ранним Первым скрипичным концертом, законченным в 1957 году, Второй демонстрирует радикальное обновление концепции жанра. Она может быть истолкована как столкновение светлых сил, представленных струнными, и темных, которые олицетворяют духовые инструменты. Особое место в партитуре отводится контрабасу, который трактуется в концерте как «антисолист».

Дина Кирнарская: «Идея Шнитке тоже очень сложная. Она состоит в том, что в этом Концерте весьма виртуозно сошлись две типические формы для Концерта — сонатная форма и одновременно целый сонатный симфонический цикл в оригинальном, спрессованном виде. Сюжет, который предпослал Альфред Шнитке этому Концерту — это для нас путеводная нить, нить Ариадны. Здесь он говорит очень осторожно, но говорит все-таки, что его как композитора вела здесь история Христовых страстей. Он начнет с фигуры Христа в пустыне, далее будет общение с учениками и тот же самый сюжет, что и в баховских страстях. Причем Шнитке подчеркивает, что это страсти Христовы, не относящиеся ни к одному евангелисту конкретно, а некий обобщенный рассказ о страстях Христовых, который начинается с фигуры самого Спасителя и проходит весь его крестный путь: и шествие на Голгофу, и предательство Иуды, и Тайная вечеря. То есть весь этот христианский сюжет полностью отражен. Но он более всего предостерегает нас от буквального следования этому сюжету. И вот здесь лежит самая главная загвоздка, драма и суть этого сочинения.

Давайте вспомним, когда оно было написано. 1966 год. Оттепель закончилась. Какие фильмы в это время вышли? «Гамлет», «Андрей Рублев», «Братья Карамазовы» и, можно сказать, шедевр шедевров — дилогия Хуциева «Мне двадцать лет» и «Июльский дождь». Здесь мы видим выход на сцену другого поколения, родившегося, может быть, незадолго до войны или во время войны, и они стали молодыми действующими людьми как раз в 60-е годы. Это первое послевоенное поколение. И что мы видим в фильмах Хуциева, какой посыл? Кто мы такие? Можем ли мы стать вровень с нашими отцами, с теми, кто воевал, с теми, кто погибал? Что такое наше поколение? Что мы можем сказать миру? Причем эта идея была актуальна не только для Советского Союза. Эти же самые вопросы задавали себе люди на Западе. Интересно, что на Западе, пусть и несколько в иных формах, мы видим одиночку, то есть большого человека с идеями, с очень большой внутренней силой. Интересно, что и на Западе, пусть в несколько иных формах, мы видим героя-одиночку, человека с идеями, с очень большой внутренней силой. Мы видим это же противостояние героя целому миру: «Анжелика», «Фантомас» — шедевры именно середины 60-х, которые ведут нас, между прочим, к 1968 году, году студенческих волнений, где девизом поколения стали строки Галича, как вы помните, который говорил: «А ты можешь выйти на площадь? А ты смеешь выйти на площадь в назначенный час?»

И Шнитке как раз в этом Концерте подхватывает лиру из рук Шостаковича, который еще жив, пишет свои поздние шедевры. Тема личности и общества, противостояние личности этому липкому, засасывающему обществу. Солист, как вы услышите, и оркестр очень часто расходятся, они спорят, и вы слышите это противостояние массы и мыслящего человека, окружающего мира и человека интеллектуально очень одаренного, душевно чрезвычайно богатого героя Альфреда Шнитке. Нащупал, кто он, что он может сказать. Нащупал эту тему: я и мир, человек и окружающая враждебная действительность, непонимание, рассогласование, диссонанс».

Шостакович. Веселый «Гамлет»

Музыка к спектаклю «Гамлет» театра им. Е.Б. Вахтангова была создана 26-летним Дмитрием Шостаковичем в 1932 году и отмечена опусом 32 (спустя 32 года, в 1964, она прозвучала в кинофильме Г. Козинцева «Гамлет» с И. Смоктуновским в главной роли). В концерте прозвучала сюита из музыки к «Гамлету», написанной на рубеже 20-х – 30-х годов, когда Шостакович участвовал в работе над шестью драматическими спектаклями, в том числе писал музыку к «Клопу» В. Маяковского в постановке В. Мейерхольда. Нынешнее исполнение было наполнено особыми смыслами, поскольку состоялось в год 115-летия со дня рождения Шостаковича и буквально в дни, когда отмечалось 100-летие театра.

Премьера «Гамлета» в постановке и художественном оформлении Н.П. Акимова состоялась на сцене театра им. Вахтангова 19 мая 1932.

Дина Кирнарская: «Спектакль совершенно хулиганский. Режиссер Николай Акимов в 1932 г. решил “тряхнуть стариной” и сделать вид, что соцреализма нету, что Минкульт не так уж сильно выступает и можно еще продолжать хихикать. Как это было у самого Евгения Вахтангова в его бессмертной «Турандот». Спектакль «Гамлет» был поставлен в театре Вахтангова, в том же самом театре, который сейчас как раз празднует свое 100-летие, и в стилистике «Турандот», что само по себе кажется абсурдным, поскольку «Гамлет» — серьезнейшая философская трагедия. Какие тут могут быть смешки? Еще какие! Причина этого может показаться достаточно очевидной. Это было время, когда уже был почти закрыт Соловецкий лагерь, он был закрыт в 1933, но на смену ему пришел Беломорканал, и эта репрессивная машина, хотя, конечно, была еще весьма далека от 1937, но уже набирала обороты. Уже чувствовалось в воздухе, что НЭП закончился и что веселиться уже поздно.

Но, тем не менее, несмотря на то что товарищ Сталин очень не любил ни «Гамлета», ни «Макбета», и эти пьесы были почти под запретом, Николаю Акимову удалось вырвать разрешение на эту постановку. И, действительно, ну не смешно, когда сейчас, в 1932, буквально через несколько месяцев после премьеры начнется уже тот самый легендарный голод 1932–1933, который связан с коллективизацией. Люди умирают тысячами по самым разным причинам. И вообще драма, трагедия истории уже разворачивается перед глазами изумленного человечества и особенно самого Советского Союза и его граждан.

И на фоне этой безумной, страшной трагедии мы будем рыдать над «Гамлетом», который сам заварил кашу, всех погубил, все погибли, и ни одного из героев, которых мы застали в начале этой пьесы, в конце мы уже не найдем. Одних закололи, другая утопилась, третья выпила не тот кубок и отравилась. Никого нет. Сам Гамлет погиб, Лаэрт, Полоний, Гертруда, Офелия — погибли. Причем от чего? От того, что кого-то, одного царя, одного короля убили и решили захватить его трон!

Конечно, на фоне всего происходящего вокруг, вокруг Шостаковича, вокруг Акимова это уже просто вызывало смех. Так что «Гамлет» 1932 — это была некая насмешка над этим сюжетом, колоссальный перевертыш. Играл Гамлета Анатолий Горюнов, толстяк. Но, правда, все говорят, и это верно, что у самого Шекспира есть ремарка, что он был полный и страдал одышкой. Так что зря мы думаем, что Лоуренс Оливье или наш Смоктуновский, или Высоцкий – это и есть Гамлет. Гамлет – это неуклюжий толстяк, как Анатолий Горюнов. Полония играл великий актер Борис Щукин, который очень успешно пародировал Константина Станиславского прямо на сцене в этом спектакле. А знаменитый монолог «Быть или не быть?» трактовался как «Пить или не пить?» Причем он заключался таким образом: ну конечно, пить! Буквально все персонажи этой великой трагедии были пьяницы. А Офелия была дамой с пониженной социальной ответственностью, которая напилась и утопла. Так что никаких разговоров о великой любви, о жизни и смерти – ничего там не было. Это была злейшая пародия на драму. Может быть, она была не так зла, но, по крайней мере, она была неожиданна, она была очень смешна. И дополнительные реплики к спектаклю писал небезызвестный драматург Николай Эрдман.

Пригласить Шостаковича в качестве композитора было более чем естественно. Ему было всего 26, и мы застаем его, если воспринять нашу сегодняшнюю терминологию, на пороге его первого грандиозного творческого взлета. Заявка – это «Нос» и Первая симфония. Он уже был всемирно известным композитором, которого повсюду исполняли. 1932 год отмечен окончанием партитуры «Леди Макбет Мценского уезда». На ней стоит дата: 17 декабря 1932. То есть она писалась одновременно с «Гамлетом». Шостакович входил в пору творческой зрелости, в десятилетие колоссального творческого взлета и создания грандиозных шедевров: «Леди Макбет Мценского уезда», Четвертая симфония, Пятая симфония, вплоть до Восьмой. И второй творческий взлет можно отнести уже к поздним сочинениям Шостаковича — Четырнадцатая и Пятнадцатая симфонии, сонеты на слова Микеланджело и альтовая соната: это вторая большая вершина творчества Шостаковича.

Так вот здесь, в «Гамлете», он прощался со своей юностью. Юность у него была очень лихая. Это и опера «Нос», комическая опера, и музыка к спектаклям «Клоп», «Баня», актерские опыты (он играл в немом кино). И эта комическая жила Шостаковича, которая простирается от мягкого юмора до злейшей сатиры и гротеска, вся эта палитра комедии – она вся развернута в спектакле «Гамлет». Еще здесь показано то, что Шостакович больше всего любит – “бытовая музычка”: какие-то вальсочки, галопчики, песенки, маршики. Это сочинение разбито на несколько маленьких пьес, даже по названиям очень бытовых: «Пир», «Охота», «Туш», «Турнир». Там есть и похоронный марш, и реквием, символизирующий всеобщие похороны. В общем, нечто спародированное, буквально снятое с бытовой музыки и перенесенное в эту невероятную комическую сферу, можно сказать, приперченное ею. Музыку, которая сопровождает этого комического, небывалого в истории «Гамлета». В 2014 эта музыка исполнялась в Англии, и была принята с восторгом, поскольку это действительно редчайшая интерпретация этой бессмертной пьесы: комедийный «Гамлет», смешной, цирковой, балаганный, то есть в стиле молодого Шостаковича».

Дирижер Игорь Громов представил Сюиту в своей исполнительской редакции, которая коснулась не только количества и порядка частей в сюите, но также динамических и темповых соотношений, отдельных тембровых ретушей, нацеленных на более рельефную передачу ярко-образной театральности сочинения.

Превосходный художественный результат, прекрасное впечатление от успехов вуза подтвердили верность ставки в образовательном процессе МГИМ на оркестровую подготовку, воспитание оркестрового музыканта.

Работа со студенческим оркестром всегда таит массу сложностей. При постоянной текучести кадров, неровном уровне индивидуальной подготовки, различной технической оснащенности, необходимо сохранять стройность игры, сыгранность групп, тембровый и динамический баланс. Это очень сложная педагогическая задача. Если во взрослых коллективах значительную часть работы способны проводить сами музыканты (многочасовые самостоятельные занятия, работа в группах и т.д.), то в студенческом основная работа ложится на дирижера. И в этом смысле можно только восторгаться работой маэстро Громова, сумевшего создать единый сбалансированно звучащий коллектив без слабых звеньев, придать игре оркестра энергию мощную созидательную энергию.

То качество исполнения, которое в этот вечер продемонстрировал оркестр МГИМ — причем в разных составах: симфоническом, камерном, струнном — под управлением маэстро, можно назвать высокопрофессиональным, ни в чем не уступающим звучанию многих московских филармонических коллективов.

В целом концерт фестиваля «Музыкальное обозрение» – как программа opus 32, так и уровень исполнительского мастерства участников – оставил сильное впечатление и в очередной раз подтвердил статус Московского государственного института музыки им. А.Г. Шнитке как динамично развивающегося музыкального вуза. Это движение вперед стало особенно заметным с избранием на пост ректора Анны Щербаковой. Ректор и проректор Валентин Коженков стали инициаторами и движущими силами концерта.

Благодаря трансляции на сайте mos.ru, организованной Департаментом культуры Москвы, концерт могли увидеть и услышать тысячи москвичей. МГИМ им. Шнитке — единственный московский музыкальный вуз, подведомственный Департаменту культуры Москвы, и то внимание, которое Департамент уделяет своим музыкальным организациям (а это, помимо МГИМ им. Шнитке — Дом музыки, «Зарядье», театры — МАМТ, «Геликон-опера» и «Новая опера», симфонический оркестр «Русская филармония»), крайне значимо.