Ирина Никольская — крупнейший в России специалист по польской музыке ХХ века, автор статей и книг о жизни и творчестве В. Лютославского, К. Пендерецкого, Х. Гурецкого, З. Краузе, Т. Берда и других мастеров новой польской музыки, а также Шопена, Шимановского, Шостаковича, Денисова, Губайдулиной (в том числе на польском языке).

В 1995 году опубликована на русском книга Ирины Никольской «Беседы с Витольдом Лютославским. Статьи. Воспоминания» — первое издание, вышедшее под эгидой газеты «Музыкальное обозрение» (совместно с Государственным институтом искусствознания), фактически первый том «Библиотеки “МО”». В последующие годы в «МО» были напечатаны статьи Ирины Никольской о польской музыке, о жизни и творчестве К. Пендерецкого, З. Краузе, рецензии на ее книги о польских композиторах.

Концерт, организованный Московской филармонией, Посольством Республики Польша в Москве и редакцией газеты «Музыкальное обозрение», стал беспрецедентной, уникальной акцией в истории музыкальной культуры России последних 15 лет.

Еще ни разу в России творчество великого композитора XX столетия не было представлено так полно; особенно — поздний период. Впервые в нашей стране прозвучали три произведения, среди которых последнее сочинение, «лебединая песнь» Лютославского — Четвертая симфония. Также впервые концерт соединен с презентацией книги — подлинной энциклопедии наследия Лютославского.

Во вступительном слове А. Устинов, в частности, сказал: «Музыка Лютославского объединила замечательных исполнителей, принимающих участие в концерте, Московскую филармонию, Государственный институт искусствознания, газету «Музыкальное обозрение», Ирину Никольскую, 25 лет дружившую с Лютославским, сына композитора — Мартина Богуславского, специально прибывшего на этот концерт из Норвегии. Она объединила и два государства — Россию и Польшу: в лице Министерства культуры Польши и Посольства Республики Польша в Москве, без участия которых ни издание книги, ни концерт не могли бы состояться. И финансирование проекта, и ноты для концерта были заботой польской стороны.

Наша акция — международного значения, ведь музыка Витольда Лютославского принадлежит всему миру».

Э. Мельцарек поблагодарил редакцию «Музыкального обозрения» за инициативу издания книги и выразил удовлетворение совместной работой над проектом.

В программу концерта вошли: «Chain 3», Четвертая симфония, Концерт для фортепиано с оркестром (исполнялись впервые в России); Концерт для виолончели с оркестром и Вариации на тему Паганини. Исполнители — Государственный симфонический оркестр под управлением Владимира Понькина, Наталия Гутман (виолончель), пианисты Виктор Ямпольский (солист московского Ансамбля современной музыки) и Денис Мацуев (стипендиат программы «Новые имена»).

Выход книги и концерт отметили практически все ведущие российские и московский средства массовой информации: публикации появились в газетах «Вечерняя Москва», «Коммерсантъ-Daily», «Сегодня», «Вечерний клуб», «Московские новости», «Неделя», журнале «Огонек», прошли сообщения на «Радио-I», в программе НТВ «Намедни».

“…Некоторое представление о технике “ограниченной и контролируемой алеаторики” могло дать сочинение «Chain 3» (1986), чему, правда, помешало отсутствие привычки к такого рода музыке у оркестра. Как образец раннего стиля прозвучали «Вариации на тему Паганини» (1941) для фортепиано с оркестром — версия двухрояльного шлягера, написанного в то время, когда Лютославский и его коллега (позже английский композитор сэр Анджей Пануфник) подрабатывали игрой в кафе в оккупированной Варшаве. Молодому Денису Мацуеву вполне хватило виртуозности (в меньшей степени — опыта игры с оркестром), чтобы справиться с этим экзерсисом, не слишком простым и очевидным даже для серьезной программы. Виктор Ямпольский сыграл сложный, хотя и не иезуитски, Фортепианный концерт (1988), обнаружив прекрасное туше и некоторые проблемы в области крупной техники. Это был лучший номер программы, от которого повеяло вторым дыханием опытного мэтра, — и сам Лютославский считал этот концерт, написанный в забытых правилах романтического жанра, одной из главных удач.

Как дань памяти композитору прозвучало его последнее произведение — Четвертая симфония (1993). Наталия Гутман вновь, как и во время триумфа 1978 года, исполнила открыто драматичный Виолончельный концерт — разница была не столько в приеме, сколько в количестве публики: в 1995 году зал Чайковского оказался заполнен лишь наполовину. Очевидно, позиция золотой середины немало значила тогда, пока крайности имели в культуре определяющее значение. Время лучших сочинений Лютославского, наверное, не ушло и сегодня. Вместе с тем, будучи представлен в жанре монографии, композитор неизбежно превращается в историческую фигуру. Эта участь постигает многих, но далеко не всем довелось оставить в памяти потомков столь цельный образ личности, несомненными чертами которой являются ясность позиций, художественный перфекционизм и принципиальность, обаяние и благородство” (Петр Поспелов. «Коммерсантъ-Daily»).

«Остался в истории недолгий период, когда польские пластинки с записями польских же авангардистов 60 х— 70-х служили для русских музыкантов тем же, чем были радио-голоса для большинства широкой части населения. В Зале Чайковского концертом из произведений Лютославского и книгой о нем доктора искусствоведения И. Никольской началась новая эпоха в жизни Лютославского в России и в российско-польских отношениях. (…)

P.S. Об исполнении. Чувство безграничной признательности за отвагу оркестра и дирижера Владимира Понькина не оставляло ни на вечере, ни после. Оттого, что, несмотря на явную робость оркестра в алеаторических фрагментах, на неуверенное следование дирижерским жестам в разделах точно прописанных, на детсадовскую старательность молодого Дениса Мацуева и некоторую холодность взрослого пианиста Виктора Ямпольского, угрюмое движение существ оказалось слышимым. Сочинения поздних и ранних стилей — «Chain Т», Фортепианный концерт, с молодым в «Вариациях на тему Паганини», со взрослыми солистами прозвучали приблизительнее, чем хотелось. Только Наталия Гутман в Виолончельном концерте можно было бы вынести за рамки «Постскриптума». Интенсивностью сдержанной эмоциональности и мастерством она вывела вечер на другой — не местного значения — уровень. А хорошо сыгранную Четвертую симфонию («лучшая в мире музыка за 1994 год») мы оставим в “PS” по причине того, что сама она — поразительный постскриптум композитора к собственному творчеству. В ней есть все, что было раньше, но нет ощущения повтора». (Юлия Бедерова. «Сегодня»).

Действительно, по мнению многих музыкантов, В. Понькин является признанным мастером исполнения современной музыки. А трактовка Четвертой симфонии Лютославского может составить достойную конкуренцию интерпретации Бостонского симфонического оркестра под управлением Эса-Пекка Салонена.

Так получилось, что концерт-презентация совпал с открытием Съезда композиторов России. И произведения классика XX века смогли услышать не только московские композиторы, но и приехавшие на форум из других городов и республик. Концерт единодушно получил высокую оценку и вызвал колоссальный резонанс среди музыкантов-профессионалов.

По случаю презентации книги и концерта Посол Республики Польша в Москве г-н С. Чосек 30 октября устроил в Посольстве прием, на котором присутствовали М. Богуславский с супругой, первый зам. Министра культуры России К. Щербаков, зам. начальника Управления музыкальных учреждений МК РФ А. Любицкий, ректор Московской консерватории М. Овчинников, проф. Московской консерватории А. Чайковский, художественный руководитель редакции музыкальных программ ОРТ «Останкино» С. Бэлза, музыковеды, журналисты, сотрудники Посольства и, конечно же, — «виновники» торжества: И. Никольская, А. Устинов, Э. Мельцарек, редакторы книги — сотрудники «Музыкального обозрения» К. Замоторина и А. Власов, дирижер В. Понькин, пианисты В. Ямпольский и Д. Мацуев, директор Московской филармонии Ю. Прибегин, зав. отделом МГФ Л. Шиповская…

Падеревский

В галерее Большого театра — Национальной оперы Варшавы (Teatr Wielki – Opera Narodowa) с 26 сентября по 9 декабря была развернута грандиозная по масштабу и содержанию выставка «Анатомия гения», посвященная  Игнацы Яну Падеревскому. Выставка организована Министерством культуры и национального наследия Польши, авторы концепции — Сильвия Вачовска и Александр Ласковский.

Игнацы Ян Падеревский (1860–1941) — уникальная фигура не только в польской, но и в мировой истории и культуре. Сын крестьянина, он стал одним из самых известных пианистов своего времени: сохранились воспоминания современников и его записи, а произведения Шопена все пианисты играют по собранию сочинений в редакции Падеревского. Он был и талантливым композитором, написав более 70 сочинений, в том числе оперу «Манру» — единственную польскую оперу, поставленную в Метрополитен опера.

Вместе с тем Падеревский сделал выдающуюся карьеру политического деятеля. В течение всей Первой мировой войны он лоббировал воссоединение Польши как независимого государства, а в январе 1919 года стал первым премьер-министром и министром иностранных дел независимой Польской Республики. Ни один пианист в истории не занимал такого высокого поста в политической иерархии. О нем писали, что он был «двойным виртуозом» — клавиатуры и трибуны. (Пожалуй, лишь литовский музыковед Витаутас Ландсбергис спустя 70 лет повторил его путь — путь выдающегося музыканта, ставшего харизматичным политическим лидером, руководителем национально-освободительного движения, а затем и первым президентом независимой Литвы.)

В Падеревском соединилось многое: талант художника и мудрость политика, славянское происхождение, испанская гордость, французское свободолюбие и свободомыслие, твердость католических убеждений — и американская бизнес-предприимчивость. Много лет прожив в США, обладая превосходным пониманием и ощущением времени и конъюнктуры момента, он своей карьерой олицетворял дух новой эпохи — ХХ века и даже в чем-то предвосхитил новый век, хотя и вступил в него, будучи уже зрелым музыкантом и человеком. С юных лет он тщательно культивировал свой имидж. Его фотографии были сделаны в лучших мастерских Варшавы, Вены и Лондона. Средства массовой информации восхищались его игрой, не только восхищаясь его мастерством, но уделяя особое внимание выражению лица пианиста и его поведению на сцене. На его концертах всегда были аншлаги; бывало, что публика вызывала его на бис до 80 раз! Он снимался в рекламных роликах и раздал тысячи автографов. Он путешествовал в частном железнодорожном вагоне с многочисленными слугами и собственным поваром. Однажды он в своем вагоне проехал Америку с роялем «Steinway», сыграв 107 концертов за 117 дней! Его боготворили женщины. Он был художником и человеком, который умел блестяще использовать свой талант, ум и стиль.

На выставке «Анатомия гения» можно было увидеть, как родилась слава Падеревского и что позволило ему так эффективно бороться за независимость Польши на международной арене. Образ выдающегося поляка был представлен ​​во всем величии, в сотнях экспонатов и артефактов: оригинальные фотографии, картины, документы, афиши, газетные и журнальные публикации, обложки, личные вещи Падеревского, фрагменты фильмов, плакаты, скульптуры, карикатуры, визитки, пригласительные и т.д. Демонстрировался американский фильм «Лунная соната» (1936), в котором снимался Падеревский.

Все это позволило проследить путь рождения звезды массовой культуры, одной из первых в истории, равной по масштабу культа Рахманинову, Стравинскому, Чаплину… Подобный масштаб, базирующийся на технологиях рекламы, расчетливого менеджмента и маркетинга, возможен только в Америке. Или там и тогда, где фигура музыканта, художника, артиста действительно возводится в культ, как это было в XIX веке с Паганини, Листом, Вагнером, ближе к нашему времени — с Горовицем, Яшей Хейфецем, Гленном Гульдом, Вэном Клайберном после Конкурса им. Чайковского, в т.ч. и в СССР.

В позднем СССР и в России понятие культа  музыканта утрачено.

Польша же бережно хранит ритуализацию и поклонение своим большим музыкантам: это касается, прежде всего, Шопена, но и в то же время и многих других: Огиньского, Венявского, Мошковского, Монюшко, Шимановского, Падеревского, в ХХ веке — Бацевич, Гурецкого, Берда, Лютославского, Пендерецкого, Краузе, Пануфника, Киляра, Андж. Чайковского, Вайнберга; пианистов — Артура Рубинштейна, Циммермана, Андершевского…

Почитание музыкальных гениев в этой стране — национальная идея. Что подтвердил и грандиозный юбилейный фестиваль Кшиштофа Пендерецкого, открывшийся 16 ноября 2018 и завершившийся 23 ноября, в день 85-летия композитора.

Пендерецкий

Почитание музыкальных гениев в Польше — национальная идея. Что подтвердил и грандиозный юбилейный фестиваль Кшиштофа Пендерецкого, открывшийся 16 ноября 2018 и завершившийся 23 ноября, в день 85-летия композитора.

Лик Пендерецкого встречал всех прилетавших в эти дни в Варшаву, в аэропорт имени Шопена.

Специально к этому событию был создан графический портрет пана Пендерецкого, появлявшийся в анимации: плавным постепенным движением вырисовывался абрис, линия которого завершалась подмигиванием правого глаза маэстро.

Этот «подмигивающий» Пендерецкий контрастировал с реальным — монументальным степенным, нарочито малоподвижным, напоминавшим изваяние, рядом с которым сияла очаровательная улыбка его энергичной, темпераментной супруги пани Эльжбеты.

«В 1963 Пендерецкий страстно влюбился в очаровательную, необыкновенно красивую 16-летнюю школьницу Эльжбету Солецкую, дочь концертмейстера виолончелей в краковском филармоническом оркестре. Кшиштоф давно знал эту девочку, которая брала у его жены уроки фортепиано. И вдруг из угловатого подростка она превратилась в красавицу. Больше года он с фанатическим упорством добивался ее благосклонности, ушел из семьи, все поставил на одну карту. И, разумеется, выиграл.

Поскольку родители не хотели раннего замужества единственной дочери, Кшиштоф увез ее из дома и женился в Дэмбице, в кругу своей семьи. Вместо медового месяца супруги переписывали партитуру «Страстей по Луке». И когда вскоре родился их первенец, решение назвать его Лукашем было единодушным.

Она всегда рядом: в бесконечных концертных поездках, на официальных и дружеских встречах. Блестяще владея европейскими языками, необыкновенно красивая и элегантная, Эльжбета уже давно ведет все дела своего мужа, связанные с дирижерскими и издательскими контрактами, гастрольными поездками, организацией фестивалей творчества композитора, а также участвует в расширении их общей коллекции произведений искусства. Занимается делами детей (сын Лукаш — ровесник «Страстей по Луке», дочь Доминика, 1971 года рождения), а теперь уже и внучки Марыси, дочери Доминики.

С 1990-х годов Эльжбета проводит в Польше свои фестивали — Пасхальный, посвященный творчеству Бетховена (ею основан Бетховенский фонд), и Международный фестиваль выдающихся пианистов современности. Через свой фонд Эльжбета активно пропагандирует творчество своего супруга» (Ирина Никольская. «Музыкальное обозрение», 2013, № 12).

Трудно себе представить монографический фестиваль какого-либо композитора — нашего современника — такой протяженный, в таком масштабе. 11 концертов за 8 дней. 40 произведений. 7 хоров, 7 оркестров, более 20 дирижеров, среди которых Михал Клауза (дирижер-постановщик оперы М. Вайнберга «Идиот» в Большом театре России), Кристоф Эшенбах, Леонард Слаткин, Андрес Мустонен. «Каждый из приглашенных мастеров нашей юбилейной эстафеты будет дирижировать одним из произведений Кшиштофа Пендерецкого», — заявила художественный руководитель фестиваля Эльжбета Пендерецка. Созвездие солистов — пианист Барри Дуглас, скрипачки Анне-Софи Муттер, Михаэла Мартин, виолончелисты Данило Ишизака, Арто Норас, Иван Монигетти, Франк Хелмерсон, лауреат «Грэмми» бас Николай Диденко и многие другие.

«Я происхожу из очень религиозной семьи, моя мать была набожной женщиной, не говоря уже о бабушке с дедушкой. Поэтому я рано начал писать духовную музыку; Stabat Mater, к примеру, появилась, когда мне было 29. В Польше такую музыку запрещали коммунисты, но мне хотелось бунтовать и делать всё наперекор режиму. Я всегда возил с собой Библию. И потом я тоже писал много религиозной музыки – для самых разных конфессий. Ведь отец мой был католиком, греком, рожденным в польской Украине, близ Ивано-Франковска, бабушка была армянкой и принадлежала к григорианской церкви, дед — немцем по происхождению… Поэтому я открыт всем культурам, интересуюсь сакральной музыкой на всех уровнях и не скрываю, что sacrum для меня куда важнее, чем profanum. <…> Порой я сознательно использую еврейские мотивы, клезмерскую музыку. Но иногда это происходит непроизвольно. Я словно слышу идишские напевы, звучавшие в Дембице моего детства много лет назад; иногда мне кажется даже, что эта музыка поселилась в моих ушах. <…>  Когда началась Вторая мировая война, мне было всего пять, но я всё помню. Всё еще помню. И хочу, чтобы другие помнили тоже. Помню, как моя католическая семья переехала в дом, из которого была выселена семья еврейская. Как, играя со школьными друзьями, я наблюдал за возведением гетто. Если бы я всего этого не помнил, я бы вряд ли смог написать «Польский реквием» и другие сочинения, затрагивающие тему Холокоста». http://culbyt.com/article/textid:1234/

23 ноября, в день рождения маэстро, прошла праздничная служба в Кафедральном соборе св. Иоанна. Служил кардинал Казимеж Ныч. Затем была исполнена Missa brevis юбиляра.

В этот же день вечером перед концертом в Teatr Wielki состоялся торжественный прием и фуршет в честь юбиляра. Кульминацией приема стал огромный торт с изображением композитора.

Затем гости плавно переместились в огромный зал театра, где состоялся концерт. Прозвучали Скрипичный концерт № 2 «Метаморфозы» (солистка А.-С. Муттер, оркестром Sinfonia Varsovia, художественным руководителем которого с 2003 года является К. Пендерецкий,  дирижировал К. Эшенбах), Concerto Grosso для трех виолончелей и оркестра (солисты А. Норас, И. Монигетти, Ф. Хелмерсон, дирижер Л. Слаткин) и Dies illa для солистов, хора и оркестра (дирижер Мацей Творек).

Пан Пендерецкий с супругой восседали в Царской ложе. После каждого произведения зал вставал, поворачиваясь к Царской ложе, и долго и аплодировал. Маэстро поднимался и неподвижно внимал аплодисментам.

Президента Польши в зале не было. Говорили, что в отношениях композитора и президента существует какая-то напряженность. Но! В этом вечере первым,  царем и президентом всея музыки Польши был пан Пендерецкий. И публика, казалось, с неистовым удовольствием участвовала в ритуале хвалы композитору.

«Творчество Пендерецкого всегда удивляло неожиданностью эстетических поворотов, несогласованностью с существующими музыкальными модами. Удивляет то, что композитор постоянно развивается как творческая личность.

И в XXI веке он опять сумел представить новые музыкальные идеи. Пендерецкий не имеет последователей, но это его не обескураживает. Он гордится полными зрительными залами в любой части Земного шара. Сегодня это самый исполняемый в мире современный композитор» (Ирина Никольская. «Музыкальное обозрение», 2013, № 12).

Польша и Россия

Вехи польского влияния на российскую музыкальную культуру разнообразны и многочисленны. Это и Конкурс имени Ф. Шопена в Варшаве, один из старейших в мире, лауреатами которого становились Л. Оборин, Я. Зак, Б. Давидович, В. Ашкенази, Д. Трифонов и многие другие советские и российские пианисты, а дипломантом Первого конкурса в 1927 году стал Д. Шостакович, имевший глубокие польские семейные корни. Это Генрик Венявский, один из первых профессоров Санкт-Петербургской консерватории. И фестиваль «Варшавская осень», в свое время ставший «первой ласточкой» новой европейской музыки и оказавший огромное воздействие на композиторов-авангардистов — Денисова, Шнитке, Губайдулину и их коллег-«шестидесятников».

Это и деятельность выдающегося музыковеда Игоря Бэлзы, и его сына, блистательного Святослава Бэлзы.

Памятные даты и события

Осень 2018 года сконцентрировала несколько значительных юбилейных дат и музыкальных событий, так или иначе имевших заинтересованный отклик и у российских музыкантов.

11 ноября, в день 100-летия окончания Первой мировой войны, отмечалось 100-летие независимости Польши,

В Государственном институте искусствознания 5 декабря состоялась научная конференция, организованная  в Москве ГИИ и ИАМ, на которой, в частности, прошла презентация работы над новым Нотографическим справочником произведений М. Вайнберга — композитора, которого считают своим национальным достоянием как в России, так и в Польше.

В то же день, 5 декабря, в Большом театре прошло первое заседание Оргкомитета по проведению в России в 2019 году в России Года Вайнберга, и презентация проектов к 100-летию Вайнберга. В Посольстве Республики Польша в России состоялась презентация Года Вайнберга. В ходе приема прошло представление Собрания сочинений Вайнберга, выпускаемое совместно газетой «Музыкальное обозрение» и издательством «Композитор • Санкт-Петербург». Один из томов — «Цыганская библия», вокальный цикл на стихи Ю. Тувима — выпущен при поддержке Посольства Республики Польша и сопровождается приветствием посла В. Марчиняка. В последующем концерт прозвучали сочинения Вайнберга и Шопена в исполнении российских музыкантов.

Также в декабре вышла книга российского исследователя О. Собакиной об Анджее Пануфнике.

85-летие К. Пендерецкого также не прошло незамеченным в России, особенно учитывая его давние связи с нашей страной и российскими музыкантами. Отзвуки воздействия симфонического мышления Шостаковича слышны во многих опусах композитора. Как дирижер, он часто выступал в России со своими (впрочем, и не только со своими) сочинениями: только за последние 12 лет — в Ростове, Ярославле, Новосибирске, Екатеринбурге,  Санкт-Петербурге, Москве.  В июне 2011 композитор работал в жюри Конкурса им. Чайковского (по специальности виолончель). Для конкурса он написал обязательное произведение Violoncello totale для виолончели соло.

Российские музыканты (среди них М. Ростропович, Б. Пергаменщиков, И. Монигетти, Г. Жислин, В. Федосеев, В. Гергиев, Ю. Башмет и многие другие) играли и продолжают играть произведения Пендерецкого по всему миру.

А впереди, в 2019 году — 200 лет со дня рождения С. Монюшко, 100 лет со дня рождения М. Вайнберга. 80 лет начала Второй мировой войны — трагическая дата в истории Польши: потеря независимости, одним из последствий чего стало бегство из Польши музыкантов, писателей, композиторов — кто-то уехал на запад, в сторону Америки, а кто-то (как Вайнберг) обрел вторую родину в СССР…

Никольская

Еще один важный юбилей: 27 декабря отметила 75-летие Ирина Никольская, выдающийся музыковед-полонист,  чей вклад в развитие российско-польских музыкальных связей бесценен. Научные интересы Никольской находятся, прежде всего, в области польской музыки ХХ века. В 1995 году вышла ее книга «Беседы с Витольдом Лютославским» на русском языке (ранее она вышла в Стокгольме на английском, а на польском — лишь спустя несколько лет), под патронатом газеты «Музыкальное обозрение»: именно с нее началась Библиотека «МО», а также традиция газеты проводить презентации новых изданий в форме концертов.

В 2012 году к 80-летию К. Пендерецкого  выпустила книгу «Кшиштоф Пендерецкий», которую предварила следующим предисловием:

В 2015 году И. Никольская сделала доклад на конференции «Россия — Польша: музыкальный диалог» об оперном творчестве еще одного живого классика польской музыки Зыгмунта Краузе, а в 2017-м, к 80-летию Краузе, вышла книга И. Никольской об этом композиторе. Кроме того, на ее счету — десятки статей о польской музыке XX–XXI веков, в том числе написанные специально для «Музыкального обозрения».

«Эуфония»

Юбилейный концерт К. Пендерецкого 23 ноября был одновременно заключительным концертом фестиваля к 85-летию композитора и концертом открытия нового варшавского фестиваля Eufonia.

«Новый ежегодный фестиваль опирается на традиции сообщества ряда государств, которые связывают центральную Восточную Европу, простирающуюся от Балкан, Румынии и Австрии до Вышеградской четверки, Украины, Беларуси, Латвии, Литвы, Эстонии и даже стран Скандинавии. Как отметил в одном из интервью интендант фестиваля, председатель Союза польских композиторов Мечислав Коминек, “данный форум не охватывает Россию, миссия “Эуфонии” — это забота о традиции стран, расположенных между Россией и Германией, между этими двумя большими центрами культуры”.

Фестиваль «Эуфония» впервые прошел на польской земле в год столетия восстановления независимости республики. Именно в этот период Польша, как и другие страны Центральной и Восточной Европы, добилась своей независимости. Фестиваль отмечает годовщину музыкой композиторов этих стран. Многие из произведений, заявленных в программе фестиваля, были созданы в то время — как, например, сочинения Кароля Шимановского» (Виктор Александров, http://nstar-spb.ru/)

На фестивале звучали сочинения Я. Сибелиуса, А. Пярта, Дж. Энеску, А. Дворжака, Л. Яначека, Б. Лятошинского, М. Скорика, Б. Бартока, З. Кодая, К. Шимановского, С. Монюшко, Х.М. Гурецкого, Х. Куленты в исполнении солистов и коллективов не только из Польши, но и из Эстонии, Украины, Венгрии, скандинавских стран. В научно-практической конференции, посвященной различным аспектам и темам, связанным с музыкальной культурой стран Восточной Европы в период с 1918 по 2018 гг., приняли участие музыковеды из Польши, Чехии, Литвы, Словакии, Румынии, Венгрии и Беларуси.

Почетным гостем «Эуфонии» был А. Пярт. Его авторский концерт по атмосфере выглядел камерным но эхом юбилейного концерта К. Пендерецкого. Точно также зал вставал и аплодировал. Около получаса звучали приветственные речи послов и министров культуры, композитору была  вручена награда — степень почетного доктора Варшавского музыкального университета имени Ф. Шопена. Свою ответную речь Пярт произнес по бумажке на немецком языке.

А мы вошли в год 100-летия Мечислава Вайнберга.

Первыми мероприятиями этого года будут научная конференция в Манчестере, подготовленная с участием Института Адама Мицкевича, и концерт оркестра Sinfonia Varsovia в Варшаве 17 января, где прозвучат произведения двух близких друзей и единомышленников — Шостаковича и Вайнберга.

Завершившийся сезон — 103‑й в истории театра — отмечен несколькими творческими кульминациями. Первой из них была российская премьера оперы Ф. Гласса «Сатьяграха» в сентябре — важнейшая веха в истории не только Екатеринбургской оперы, но и в России в целом.

В конце февраля — начале марта театр представил еще одну оперную премьеру: «Риголетто» Д. Верди (дирижер Павел Клиничев, режиссер Игорь Ушаков).

Ключевым событием сезона стал концерт-действо Opus 25, посвященный 25‑летию газеты «Музыкальное обозрение» (3 октября 2014, дирижер Михаил Грановский, режиссер Дмитрий Белянушкин) (см. «МО», 2014, № 10). В нем принял участие весь коллектив театра: солисты, хор, балет, оркестр. Состоялись мировые премьеры балетов «Мимолетности» на музыку С. Прокофьева (пост. В. Самодуров) и «Посвящение» на музыку Р. Шумана-Ф. Листа (пост. Н. Малыгина) .

Прошли концерты к 175‑летию П. И. Чайковского, к 70‑летию Победы, концерт, посвященный юбилею художественного руководителя оперы нар. арт. России, проф. Светланы Зализняк.

Под занавес сезона на вершину триумфа взошел балет: как и в прошлом году, собран букет «Золотых масок»; представлено несколько ярких премьер: «Тщетная предосторожность», «Лебединое озеро», а также «Terra Nova» — триптих одноактных балетов, два из которых — премьеры: «Занавес» и «Step Lightly» (в успехах Екатеринбургского балета первоочередная заслуга принадлежит его худруку, многократному обладателю «Золотой маски» Вячеславу Самодурову).

Возрождение унизма

О герое своей книги рассказывает автор — Ирина Никольская:

«Зыгмунт Краузе (род. 19.09.1938 в Варшаве) — видный польский композитор и пианист, представитель хорошо известного поколения «бури и натиска” в польской музыке ХХ века, прославившегося именами Витольда Лютославского, Хенрика Миколая Гурeцкoго, Кшиштофа Пендерецкого, Войчеха Киляра, Казимежа Сероцкого, Витольда Шаленека и многих других.

Также начавший свой путь в 1960-е годы, Краузе резко выделялся на общем фоне, противопоставляя себя доминировавшему в польской музыке направлению сонористики.

Его необычный «унизм» был по-своему синхронен исканиям Владислава Стшеминьского (1893–1952), живописца-авангардиста, сподвижника Малевича. Многое почерпнув в теории и эстетике знаменитого художника, Краузе предложил новый музыкальный стиль, который, как выяснилось через несколько лет, оказался в чем-то близок американскому минимализму. И все-таки в нем было много специфически польского. Не случайно о Стшеминьском и его новаторстве создал свой последний фильм великий Анджей Вайда.

Отстаивая свою самостоятельность и оригинальность, Краузе и дальше творил широко и разнообразно: представлял ли он свои проекты «пространственной музыки», реализованные в дворцах и замках Франции и Австрии, демонстрировал ли придуманный им метод работы с фольклором, соединяя в единый блок разные мелодии и ритмы, вторгался ли в мир авангардистского фестиваля в Донауэшингене, неожиданно интерпретируя шопеновские традиции стиля brillant, а в последние годы разрабатывая новый тип оперы — отказываясь от реприз и повторов, и утверждая новый тип интонационности.

Зыгмунт Краузе — автор трех опер («Звезда», 1980; «Ивонна, принцесса Бургундии», 2004; «Полиевкт» по трагедии Корнеля, 2010), инструментальных концертов, симфонических и камерных сочинений (среди них три струнных квартета), фортепианных, вокальных, хоровых произведений. Совместно с различными архитекторами он создает пространственную музыку, представляемую в Польше, Австрии и Франции. Сочинения композитора издаются на лейблах «Muza», «Dux», «ORF», «EMI» и др. Он — лауреат фортепианных конкурсов, в т.ч. конкурса современной музыки Gaudeamus в Голландии (1966, I премия). С 2006 Краузе — профессор Варшавского университета имени Фредерика Шопена.
Более 20 лет Краузе руководил ансамблем «Варштат Музычны” (Warsztat Muzyczny/ Music Shop/ Музыкальная Мастерская), гастролировавшим по всему миру. В бытность советником Пьера Булеза в IRCAM’е, он организовал в Центре Помпиду самый крупный в Европе фестиваль польской музыки; долгое время вел программу музыки ХХ века на Радио Франс; с привлечением Джона Кейджа и Рольфа Либермана, осуществил французско-польский проект — 20-серийный киноцикл «Тишина и звук» (каждый фильм серии посвящен определенному композитору).

В качестве Президента Международного общества современной музыки (ISCM, эту должность он занимал с 1987 по 1990) организовал фестивали в Амстердаме и Гонконге.

Вся эта многосторонняя деятельность — исполнительская и композиторская — включая экспериментальную и педагогическую, «унистические опыты», «пространственную музыку», эксперименты в жанре оперы и работу в драматическом театре — рассмотрена в книге».

«Я всегда старался быть в стороне от моды»

Во время пребывания в Москве Зыгмунт Краузе дал интервью Ирине Никольской специально для «МО».

ИН | Зыгмунт, расскажи о своих последних произведениях.

ЗК | Одно из них — трехчастное сочинение «Exodus 2016» для камерного оркестра, впервые исполненное в Загребе. Первая часть — своего рода эмоциональный выплеск, в ней чувствуется некая угроза, музыка передает мое состояние.

Во второй части оркестранты в какой-то момент перестают играть и начинают кричать: так я пытался передать ужасное положение мигрантов из Северной Африки. Это самый драматичный момент произведения. В заключительной части звучит безумный танец в духе музыки курдов. В этом произведении я стремился передать мою гражданскую, общеаственно-политическую позицию, мои чувства.

ИН | Иными словами, в нем воплотилась идея, знакомая нам по другим твоим композициям: приверженность толерантности, касается ли это представителей разных религий или народов. Видимо, вследствие событий последних лет она стала еще более обостренной и актуальной в твоем творчестве?

ЗК | Ситуация действительно ужасная и с ней необходимо что-то делать…

Второе сочинение, о котором хочу вспомнить, написано по заказу Варшавской филармонии: четыре Прелюдии на «Буколики» Витольда Лютославского. В них хотелось выразить уважение и восхищение прославленным композитором, каждая вещь которого — ранняя или поздняя — преисполнена высочайшего мастерства. Эти простые пьесы, написанные в 1952 для фортепиано, в своем жанре поразительно совершенны.

Прелюдии написаны для симфонического оркестра и развивают материал «Буколик»; кроме того, оригинальные пьесы Лютославского можно играть в перерывах между Прелюдиями. Назову еще «Стихотворение Аполлинера» для камерного оркестра и расстроенного пианино, где солист также читает это стихотворение. Здесь повествуется о драматической ситуации авангардного музыканта, которого либо не понимают, либо понимают неправильно. И он кричит, умоляет, просит…

ИН | Вписываешься ли ты в ситуацию сегодняшней польской музыки?

ЗК | Трудный вопрос. Всегда старался быть в стороне от польской, да и европейской моды. И эту свою линию продолжаю и ныне. В 2018 мне исполнится 80, и многие музыкальные институты Европы будут исполнять мою музыку. И я этому очень рад. Хотя должен сказать, что сегодня современная музыка всюду теряет свое значение — кроме Дальнего Востока, где интерес к европейской современной музыке продолжает расти (к примеру, на Тайване, в Гонконге, Южной Корее). Я там преподаю, часто туда наезжаю, и меня этот факт очень радует. В музыке азиатских авторов я слышу освежающие новации.

ИН | А что происходит в Польше после ухода из жизни композиторов, родившихся в 1920-1930-х? Мне кажется, что более молодые авторы не дотягивают до поколения новаторов, я чувствую некую творческую паузу.

ЗК | Категорически не согласен! Появляются другие талантливые композиторы. Назову такую яркую фигуру, как Агата Зубель. Она — певица со своими оригинальными интерпретациями вокальной музыки и талантливый композитор.

На смену ярким индивидуальностям, какими были Лютославский, Сероцкий, Гурецкий, Киляр и другие, пришло, если можно так выразиться, мега-поколение. Оно проявляет существенный интерес к идеям и находкам нашего авангардного поколения и развивает их. Сейчас это совокупность разных творческих позиций, нередко с интересными творческими предложениями, и результаты мы наблюдаем на многочисленных фестивалях современной музыки.

Нынешние молодые не хуже предшественников. Но я бы сказал, что сейчас больше художественной свободы и разнообразия.

ИН | Каковы твои ближайшие творческие планы?

ЗК | Я работаю над композициями для сопрано и струнного квартета, для клавесина соло. а также над оперой (скорее мюзиклом) для детей, которую предполагает поставить Вроцлавская Опера.