Дина Кирнарская – музыковед и психолог, заведующая кафедрой истории музыки и проректор по связям с общественностью РАМ им. Гнесиных, доктор искусствоведения и психологических наук. Она часто выступает на телевидении, радио и в других СМИ в качестве эксперта и комментатора по вопросам художественного образования и культуры.

«Классика на бегу» – скорее про «почувствовать», чем про «почитать». Книга, составленная в популярной ныне логике: максимум информации, помноженный на минимум времени. 150 музыкальных произведений – от Леонина до Десятникова – представлены на страницах в виде QR-кодов с описаниями.

«…Зашифрованные в QR-кодах шедевры европейской и русской академической музыки мелькают, как сменяющиеся пейзажи за окном автомобиля или поезда: то прозвучат фрагменты “Фантастической” Берлиоза, то рулады из виртуозной арии Верди, а то и трагические ноты “Трепака” Мусоргского или гротескные завывания “Эскизов к закату” Десятникова… Так перед мысленным взором слушателя в быстрой перемотке разворачивается вся история европейской и русской культуры с ее главными стилями и отраженными в них идеями». (Из аннотации издательства)

Книга ищет кратчайший путь к мозгу слушателя: длинные произведения представлены в виде фрагментов (одна часть репрезентует симфонию, одна ария «отдувается» за всю оперу), текстовые описания сжаты и пунктирны, а для усиления воздействия на современного визуала книга снабжена высококачественными репродукциями произведений искусства разных эпох, подобранными по принципу либо хронологического, либо смыслового совпадения с музыкой.

При этом сам текст весьма непрост для чтения «на бегу», он явно живет в медленном, еще «добеговом» ритме. «…Хотя творчество Баха занимает всю первую половину века Просвещения, его музыка кровно связана с прошлым: как христианский философ, Бах постоянно обращается к идее органического развития, к идее прорастания, берущей свое начало еще в григорианском хорале. Как стебли и ветви, растущие из одного ствола, как ростки, рожденные из одного зерна и корня, фразы и мелодические побеги любого из баховских сочинений распевают и продолжают единое тематическое ядро, дающее жизнь этому произведению».

Справится ли с таким калейдоскопом смысла-музыки-образа «бегущий человек» XXI века, неизвестно – но, как минимум, прослушает что-то из 300-страничного плейлиста, охватывающего 900 лет истории музыки.

В программе фестиваля «MO – OPUS 32» — произведения, отмеченные опусом либо номером 32, написанные композиторами в 32 года, состоящие из 32 частей и т.д.

Суть этого проекта в том, что «Музыкальное обозрение» формирует предложение, на основе которого создаются уникальные программы. Строясь вокруг единой идеи, каждая такая программа заключает в себе сложные концептуальные смыслы, возможности прихотливой интеллектуальной игры, связанной с историческим и культурным контекстом, судьбой и творчеством великих художников.

В этом отношении программа, составленная художественным руководителем симфонического оркестра МГИМ им. Шнитке заслуженным артистом России Игорем Громовым, явила, можно сказать, неограниченные культурологические пласты и перспективы, стала почвой для самых разнообразных и изысканных аллюзий, аллегорий.

OPUS 32: проект, созданный вместе

В концерте соединились мощные творческие силы:

два великолепных солиста — тенор Илья Селиванов и скрипачка Елена Рольбина, зав. кафедрой струнных смычковых инструментов МГИМ им. Шнитке;

два хора;

4 варианта оркестра: симфонический, камерный, струнный, и еще один — фактически театральный;

Институт имени Шнитке,
газета «Музыкальное обозрение»,
Московская консерватория,
Академия музыки имени Гнесиных,
Большой театр.

Представлены все жанры: симфоническая, камерная, театральная, концертная, кантатно-ораториальная музыка. Задействованы серьезные организационные ресурсы. Департамент культуры Москвы организовал трансляцию на сайте mos.ru.

Каждое произведение программы было связано с числом 32. А все вместе они составили единственный в своем роде мультикультурный художественный проект, целостное произведение искусства: и прежде всего, благодаря возникающим многообразным содержательным связям, придающим программе в целом и каждой из ее составляющих особую жизненность, выводящим на день сегодняшний.

А идея opus 32 — импульс к ее созданию и воплощению.

Но, помимо этого объединяющего начала, за каждым из них — своя история, исторические и культурные ассоциации, события, даты, вопросы и ответы, тексты и подтексты.

Обо всем этом: об истории каждого сочинения, его особенностях, значении в жизни и творчестве композитора рассказала в своих комментариях доктор искусствоведения, профессор РАМ имени Гнесиных Дина Кирнарская, своим блистательным Словом раскрывшая все смыслы, которые содержатся в этой программе, скрепившая ее глубокими и прочными нитями. И особо отметившая, что 32 года для художника, творца — как правило, время первого творческого расцвета взлета.

Чайковский. Во славу Петра и России

Например, кантата Чайковского, написанная к 200-летней годовщине со дня рождения Петра I, сейчас особенно актуальна. Так совпало, что незадолго до концерта, в октябре, отмечалось 300-летие Российской Империи, первым самодержцем которой был Петр, а в июне 2022 года будет отмечаться 350-летия со дня рождения первого российского императора. И второе событие, которому была посвящена эта кантата — открытие в Москве Политехнической выставки, ставшей предтечей Политехнического музея, 150-летие которого мы также будем отмечать в 2022.

Дина Кирнарская: «Кантата к 200-летию Петра I, написанная по случаю Политехнической выставки, была заказана ее организаторами. Неудивительно, что заказана именно Чайковскому: в 32 года он был уже очень популярным, маститым композитором, автором Первой симфонии, увертюры «Ромео и Джульетта». И исполнена она была на Троицком мосту в мае 1872 в Москве.

Это редко исполняемое сочинение. Может быть, если бы не «Opus 32», мы и не услышали бы его еще долго».

Кантата продолжает глинкинские традиции монументальных оперных хоровых интродукций и заключительных апофеозов. В кантате мы видим становление грандиозной картины – от суровых эпических образов, которые воплощаются через народную тему вступительного раздела (которую композитор взял из финала своей Первой симфонии), возвышенно-величественной фуги, до проведения темы гимна «Боже, Царя храни» и героического воодушевления в заключительном разделе.

Кантата открывает ряд произведений Чайковского, отмеченных большим «имперским» стилем (увертюра «1812 год», Славянский марш, Второй фортепианный концерт, Коронационная кантата «Москва»).

Подготовка к исполнению кантаты потребовала больших творческих и организационных усилий. Результат оказался достойным вложенных сил. Сводный хор — МГИМ им. Шнитке и консерватории — звучал вместе с оркестром под управлением Игоря Громова и солистом как единый нераздельный коллектив. И хотелось бы по случаю предстоящей памятной даты Петра I еще, может быть, не раз услышать кантату Чайковского в этом же великолепном исполнении.

Во втором отделении прозвучали произведения из проекта OPUS 32 Моцарта, Шнитке и Шостаковича.

Моцарт. Путь к Баху

История создания Адажио и фуги до минор В.А. Моцарта связана с серьезным изучением Моцартом музыки И.С. Баха и, в частности, переложением некоторых его сочинений для струнного трио и струнного квартета. В 1783 году Моцарт написал четырехголосную фугу до минор для двух клавиров. Через пять лет, в 32 года, Моцарт вернулся к этой фуге, переложив ее для струнного оркестра и написав к ней медленное вступление — Адажио.

Шнитке. На переломе эпох

Еще одним центром композиции программы и интеллектуальной игры с числом 32 оказался Концерт № 2 для скрипки с оркестром Шнитке, написанный композитором в 32 года. Имя Шнитке носит Институт: будущий композитор окончил это учебное заведение, когда оно еще было музыкальным училищем. Сегодня МГИМ — главный хранитель памяти Шнитке. Здесь создан Шнитке-центр, выпускаются научные сборники «Альфреду Шнитке посвящается», хранятся личные вещи композитора.

Символично время исполнения Концерта: незадолго до 87-го дня рождения Шнитке (он родился 24 ноября 1934). Сочинение посвящено другу композитора и первому исполнителю Марку Лубоцкому, скончавшемуся в марте 2021. На концерте в «Оркестрионе» это произведение замечательно исполнила профессор, зав. кафедрой струнно-смычкового искусства МГИМ Елена Рольбина, в сопровождении камерного оркестра под управлением Игоря Громова.

По сравнению с ранним Первым скрипичным концертом, законченным в 1957 году, Второй демонстрирует радикальное обновление концепции жанра. Она может быть истолкована как столкновение светлых сил, представленных струнными, и темных, которые олицетворяют духовые инструменты. Особое место в партитуре отводится контрабасу, который трактуется в концерте как «антисолист».

Дина Кирнарская: «Идея Шнитке тоже очень сложная. Она состоит в том, что в этом Концерте весьма виртуозно сошлись две типические формы для Концерта — сонатная форма и одновременно целый сонатный симфонический цикл в оригинальном, спрессованном виде. Сюжет, который предпослал Альфред Шнитке этому Концерту — это для нас путеводная нить, нить Ариадны. Здесь он говорит очень осторожно, но говорит все-таки, что его как композитора вела здесь история Христовых страстей. Он начнет с фигуры Христа в пустыне, далее будет общение с учениками и тот же самый сюжет, что и в баховских страстях. Причем Шнитке подчеркивает, что это страсти Христовы, не относящиеся ни к одному евангелисту конкретно, а некий обобщенный рассказ о страстях Христовых, который начинается с фигуры самого Спасителя и проходит весь его крестный путь: и шествие на Голгофу, и предательство Иуды, и Тайная вечеря. То есть весь этот христианский сюжет полностью отражен. Но он более всего предостерегает нас от буквального следования этому сюжету. И вот здесь лежит самая главная загвоздка, драма и суть этого сочинения.

Давайте вспомним, когда оно было написано. 1966 год. Оттепель закончилась. Какие фильмы в это время вышли? «Гамлет», «Андрей Рублев», «Братья Карамазовы» и, можно сказать, шедевр шедевров — дилогия Хуциева «Мне двадцать лет» и «Июльский дождь». Здесь мы видим выход на сцену другого поколения, родившегося, может быть, незадолго до войны или во время войны, и они стали молодыми действующими людьми как раз в 60-е годы. Это первое послевоенное поколение. И что мы видим в фильмах Хуциева, какой посыл? Кто мы такие? Можем ли мы стать вровень с нашими отцами, с теми, кто воевал, с теми, кто погибал? Что такое наше поколение? Что мы можем сказать миру? Причем эта идея была актуальна не только для Советского Союза. Эти же самые вопросы задавали себе люди на Западе. Интересно, что на Западе, пусть и несколько в иных формах, мы видим одиночку, то есть большого человека с идеями, с очень большой внутренней силой. Интересно, что и на Западе, пусть в несколько иных формах, мы видим героя-одиночку, человека с идеями, с очень большой внутренней силой. Мы видим это же противостояние героя целому миру: «Анжелика», «Фантомас» — шедевры именно середины 60-х, которые ведут нас, между прочим, к 1968 году, году студенческих волнений, где девизом поколения стали строки Галича, как вы помните, который говорил: «А ты можешь выйти на площадь? А ты смеешь выйти на площадь в назначенный час?»

И Шнитке как раз в этом Концерте подхватывает лиру из рук Шостаковича, который еще жив, пишет свои поздние шедевры. Тема личности и общества, противостояние личности этому липкому, засасывающему обществу. Солист, как вы услышите, и оркестр очень часто расходятся, они спорят, и вы слышите это противостояние массы и мыслящего человека, окружающего мира и человека интеллектуально очень одаренного, душевно чрезвычайно богатого героя Альфреда Шнитке. Нащупал, кто он, что он может сказать. Нащупал эту тему: я и мир, человек и окружающая враждебная действительность, непонимание, рассогласование, диссонанс».

Шостакович. Веселый «Гамлет»

Музыка к спектаклю «Гамлет» театра им. Е.Б. Вахтангова была создана 26-летним Дмитрием Шостаковичем в 1932 году и отмечена опусом 32 (спустя 32 года, в 1964, она прозвучала в кинофильме Г. Козинцева «Гамлет» с И. Смоктуновским в главной роли). В концерте прозвучала сюита из музыки к «Гамлету», написанной на рубеже 20-х – 30-х годов, когда Шостакович участвовал в работе над шестью драматическими спектаклями, в том числе писал музыку к «Клопу» В. Маяковского в постановке В. Мейерхольда. Нынешнее исполнение было наполнено особыми смыслами, поскольку состоялось в год 115-летия со дня рождения Шостаковича и буквально в дни, когда отмечалось 100-летие театра.

Премьера «Гамлета» в постановке и художественном оформлении Н.П. Акимова состоялась на сцене театра им. Вахтангова 19 мая 1932.

Дина Кирнарская: «Спектакль совершенно хулиганский. Режиссер Николай Акимов в 1932 г. решил “тряхнуть стариной” и сделать вид, что соцреализма нету, что Минкульт не так уж сильно выступает и можно еще продолжать хихикать. Как это было у самого Евгения Вахтангова в его бессмертной «Турандот». Спектакль «Гамлет» был поставлен в театре Вахтангова, в том же самом театре, который сейчас как раз празднует свое 100-летие, и в стилистике «Турандот», что само по себе кажется абсурдным, поскольку «Гамлет» — серьезнейшая философская трагедия. Какие тут могут быть смешки? Еще какие! Причина этого может показаться достаточно очевидной. Это было время, когда уже был почти закрыт Соловецкий лагерь, он был закрыт в 1933, но на смену ему пришел Беломорканал, и эта репрессивная машина, хотя, конечно, была еще весьма далека от 1937, но уже набирала обороты. Уже чувствовалось в воздухе, что НЭП закончился и что веселиться уже поздно.

Но, тем не менее, несмотря на то что товарищ Сталин очень не любил ни «Гамлета», ни «Макбета», и эти пьесы были почти под запретом, Николаю Акимову удалось вырвать разрешение на эту постановку. И, действительно, ну не смешно, когда сейчас, в 1932, буквально через несколько месяцев после премьеры начнется уже тот самый легендарный голод 1932–1933, который связан с коллективизацией. Люди умирают тысячами по самым разным причинам. И вообще драма, трагедия истории уже разворачивается перед глазами изумленного человечества и особенно самого Советского Союза и его граждан.

И на фоне этой безумной, страшной трагедии мы будем рыдать над «Гамлетом», который сам заварил кашу, всех погубил, все погибли, и ни одного из героев, которых мы застали в начале этой пьесы, в конце мы уже не найдем. Одних закололи, другая утопилась, третья выпила не тот кубок и отравилась. Никого нет. Сам Гамлет погиб, Лаэрт, Полоний, Гертруда, Офелия — погибли. Причем от чего? От того, что кого-то, одного царя, одного короля убили и решили захватить его трон!

Конечно, на фоне всего происходящего вокруг, вокруг Шостаковича, вокруг Акимова это уже просто вызывало смех. Так что «Гамлет» 1932 — это была некая насмешка над этим сюжетом, колоссальный перевертыш. Играл Гамлета Анатолий Горюнов, толстяк. Но, правда, все говорят, и это верно, что у самого Шекспира есть ремарка, что он был полный и страдал одышкой. Так что зря мы думаем, что Лоуренс Оливье или наш Смоктуновский, или Высоцкий – это и есть Гамлет. Гамлет – это неуклюжий толстяк, как Анатолий Горюнов. Полония играл великий актер Борис Щукин, который очень успешно пародировал Константина Станиславского прямо на сцене в этом спектакле. А знаменитый монолог «Быть или не быть?» трактовался как «Пить или не пить?» Причем он заключался таким образом: ну конечно, пить! Буквально все персонажи этой великой трагедии были пьяницы. А Офелия была дамой с пониженной социальной ответственностью, которая напилась и утопла. Так что никаких разговоров о великой любви, о жизни и смерти – ничего там не было. Это была злейшая пародия на драму. Может быть, она была не так зла, но, по крайней мере, она была неожиданна, она была очень смешна. И дополнительные реплики к спектаклю писал небезызвестный драматург Николай Эрдман.

Пригласить Шостаковича в качестве композитора было более чем естественно. Ему было всего 26, и мы застаем его, если воспринять нашу сегодняшнюю терминологию, на пороге его первого грандиозного творческого взлета. Заявка – это «Нос» и Первая симфония. Он уже был всемирно известным композитором, которого повсюду исполняли. 1932 год отмечен окончанием партитуры «Леди Макбет Мценского уезда». На ней стоит дата: 17 декабря 1932. То есть она писалась одновременно с «Гамлетом». Шостакович входил в пору творческой зрелости, в десятилетие колоссального творческого взлета и создания грандиозных шедевров: «Леди Макбет Мценского уезда», Четвертая симфония, Пятая симфония, вплоть до Восьмой. И второй творческий взлет можно отнести уже к поздним сочинениям Шостаковича — Четырнадцатая и Пятнадцатая симфонии, сонеты на слова Микеланджело и альтовая соната: это вторая большая вершина творчества Шостаковича.

Так вот здесь, в «Гамлете», он прощался со своей юностью. Юность у него была очень лихая. Это и опера «Нос», комическая опера, и музыка к спектаклям «Клоп», «Баня», актерские опыты (он играл в немом кино). И эта комическая жила Шостаковича, которая простирается от мягкого юмора до злейшей сатиры и гротеска, вся эта палитра комедии – она вся развернута в спектакле «Гамлет». Еще здесь показано то, что Шостакович больше всего любит – “бытовая музычка”: какие-то вальсочки, галопчики, песенки, маршики. Это сочинение разбито на несколько маленьких пьес, даже по названиям очень бытовых: «Пир», «Охота», «Туш», «Турнир». Там есть и похоронный марш, и реквием, символизирующий всеобщие похороны. В общем, нечто спародированное, буквально снятое с бытовой музыки и перенесенное в эту невероятную комическую сферу, можно сказать, приперченное ею. Музыку, которая сопровождает этого комического, небывалого в истории «Гамлета». В 2014 эта музыка исполнялась в Англии, и была принята с восторгом, поскольку это действительно редчайшая интерпретация этой бессмертной пьесы: комедийный «Гамлет», смешной, цирковой, балаганный, то есть в стиле молодого Шостаковича».

Дирижер Игорь Громов представил Сюиту в своей исполнительской редакции, которая коснулась не только количества и порядка частей в сюите, но также динамических и темповых соотношений, отдельных тембровых ретушей, нацеленных на более рельефную передачу ярко-образной театральности сочинения.

Превосходный художественный результат, прекрасное впечатление от успехов вуза подтвердили верность ставки в образовательном процессе МГИМ на оркестровую подготовку, воспитание оркестрового музыканта.

Работа со студенческим оркестром всегда таит массу сложностей. При постоянной текучести кадров, неровном уровне индивидуальной подготовки, различной технической оснащенности, необходимо сохранять стройность игры, сыгранность групп, тембровый и динамический баланс. Это очень сложная педагогическая задача. Если во взрослых коллективах значительную часть работы способны проводить сами музыканты (многочасовые самостоятельные занятия, работа в группах и т.д.), то в студенческом основная работа ложится на дирижера. И в этом смысле можно только восторгаться работой маэстро Громова, сумевшего создать единый сбалансированно звучащий коллектив без слабых звеньев, придать игре оркестра энергию мощную созидательную энергию.

То качество исполнения, которое в этот вечер продемонстрировал оркестр МГИМ — причем в разных составах: симфоническом, камерном, струнном — под управлением маэстро, можно назвать высокопрофессиональным, ни в чем не уступающим звучанию многих московских филармонических коллективов.

В целом концерт фестиваля «Музыкальное обозрение» – как программа opus 32, так и уровень исполнительского мастерства участников – оставил сильное впечатление и в очередной раз подтвердил статус Московского государственного института музыки им. А.Г. Шнитке как динамично развивающегося музыкального вуза. Это движение вперед стало особенно заметным с избранием на пост ректора Анны Щербаковой. Ректор и проректор Валентин Коженков стали инициаторами и движущими силами концерта.

Благодаря трансляции на сайте mos.ru, организованной Департаментом культуры Москвы, концерт могли увидеть и услышать тысячи москвичей. МГИМ им. Шнитке — единственный московский музыкальный вуз, подведомственный Департаменту культуры Москвы, и то внимание, которое Департамент уделяет своим музыкальным организациям (а это, помимо МГИМ им. Шнитке — Дом музыки, «Зарядье», театры — МАМТ, «Геликон-опера» и «Новая опера», симфонический оркестр «Русская филармония»), крайне значимо.

Программа подготовлена совместно телеканалом «Россия – Культура» и газетой «Музыкальное обозрение». Поговорить о классической музыке и о том, как о ней нужно рассказывать, были приглашены широко известные представители музыковедческого, журналистского, лекторского сообщества: профессор, проректор Российской академии музыки имени Гнесиных Дина Кирнарская и музыкальный журналист, автор лекторских курсов о классической музыке Ляля Кандаурова — лауреаты Премии газеты «Музыкальное обозрение» за 2020 год; популярный теле- и радиоведущий, музыкальный критик, ведущий концертов Московской филармонии Артем Варгафтик; главный редактор национальной газеты «Музыкальное обозрение» Андрей Устинов.

В РАМ им. Гнесиных ведет предметы «Актуальные проблемы современной журналистики», «Методика преподавания профессиональных дисциплин», «Музыкальная педагогика и психология», «Музыкальная психология», «Научно-исследовательская работа», «Преддипломная практика». Д. Кирнарская — признанный в России и в мире общественный деятель в области художественного образования. Она разработала современную методологию преподавания истории музыки. Ее книга «Классическая музыка для всех» (1998), сопровождаемая шестью CD, стала незаменимым пособием для преподавателей художественных дисциплин. В 2020 вышло 2-е издание этой книги, оснащенное новыми, актуальными техническими возможностями для чтения и более глубокого изучения предмета.

Основной психологический труд Д. Кирнарской «Музыкальные способности» с предисловием дирижера Геннадия Рождественского, опубликованный в 2004, имеет гриф Министерства образования России в качестве учебного пособия для музыкальных колледжей и консерваторий. В 2009 эта книга Кирнарской опубликована издательством Oxford University Press под названием «The Natural Musician: on Abilities, Giftedness and Talent». Исключительно популярны научные разработки Д. Кирнарской, в частности, ее методика привлечения детей в музыкальные школы.

Д. Кирнарская — член Союза композиторов и Союза журналистов. С 1992 она опубликовала десятки статей в научных сборниках, центральной прессе и профессиональных изданиях, в том числе в «Музыкальном обозрении». С 1994 по 2002 была обозревателем по культуре Русской службы ВВС, а с 2004 систематически выступает на российском радио и телевидении в качестве эксперта и комментатора, читает публичные лекции (в частности, большой интерес представляет цикл ее лекций, предваряющий трансляции спектаклей театра «Геликон-опера»).

В 2000 по инициативе Д. Кирнарской в РАМ им. Гнесиных создан продюсерский факультет.

Новая «Классическая музыка для всех…» оснащена и новым иллюстративным рядом, современным дизайном и технологиями (с музыкальными цитатами в виде QR-кодов, которыми читатели смогут воспользоваться с помощью камеры мобильного телефона, скачав любое приложение для считывания QR-кодов).

Дина Кирнарская — музыковед и психолог, проректор РАМ им. Гнесиных, профессор, доктор искусствоведения и психологических наук, зав. кафедрой истории музыки, основатель продюсерского факультета РАМ им. Гнесиных. Главное направление ее научной работы — исследование музыкальной одаренности детей. Д. Кирнарская разработала современную методологию преподавания истории музыки, которая облегчает понимание классической музыки и детям, и взрослым. Книга «Классическая музыка для всех…» стала главным трудом автора в этой области, завоевав популярность у преподавателей и учащихся, у музыкантов-профессионалов и любителей музыки.

На это можно возразить: почему же для всех? Классическая музыка — не комикс и не популярный шлягер. Высокое искусство всегда существовало для избранных. Чтобы погасить подобные споры, по-моему, стоит прочитать эту книгу. Профессиональный музыкант найдет в ней непривычный и очень интересный взгляд на то, что казалось ему давно известным, а заносчивый меломан перестанет быть пессимистом. Книга убедит его в том, что серьезная музыка — это не дверь за семью печатями, а мир, открытый для каждого.

Эта книга выполняет роль посредника между музыкой и слушателем. В ней вы найдете ответы на многие вопросы, касающиеся сущности музыкального искусства: как музыка связана с культурой своего века, почему ее называют «зеркалом души», что можно узнать из музыки о том, как жили люди той или иной эпохи и что их волновало… Музыка через Культуру и Культура через Музыку — вот тема этой книги.

Как часто приходится слышать: Моцарт и Бах были хороши для своего времени, а теперь оно прошло, люди изменились, и нашему современнику нужна другая музыка. Если вы хотите понять, почему «новаторы-экстремисты» не правы и почему Вивальди или Моцарт всегда «в моде», вам стоит прочитать эту книгу. Автор приглашает вас поразмышлять вместе с великими композиторами о том, что делает нас людьми: о Вере вместе с Бахом и Генделем, о природной Гармонии вместе с композиторами Ренессанса, о Достоинстве вместе с Глюком и о Красоте вместе с Моцартом… Если все это может устареть, то зачем тогда прогресс, зачем компьютеры, автомобили, космические корабли?

Конечно, неприятно выглядеть брюзгой и моралистом. Поклонник легких жанров спросит: «Неужели в жизни и в искусстве есть место только для высоких и серьезных мыслей? Как же я могу отдохнуть, развеяться?» Отвечу вместе с автором книги: слушая музыкальную классику. Если вы хотите встряхнуться и получить заряд энергии, то нет ничего лучше, чем музыка Вивальди, если хотите почувствовать спокойствие и радость — слушайте Гайдна, хотите отрешиться от земных страстей — в этом вам поможет григорианский хорал. Музыка на любой вкус и для любой цели — от возвышенной философии до веселой шутки, от пространной симфонии до легчайшей миниатюры. Думаю, что ни эстрада, ни джаз, ни рок не обладают такой широчайшей палитрой настроений, таким мировоззренческим диапазоном, как музыкальная классика. Эта книга послужит прекрасной поддержкой подобному мнению, даже если оно чуть субъективно.

Читая книгу «Классическая музыка для всех» и погружаясь в прекрасный мир искусства и мысли, каждый почувствует себя членом огромного сообщества интеллигентных людей, людей Духа, которым несть числа в истории. Вы больше не одиноки, Музыка становится вашим постоянным собеседником. В отличие от фаната рок- и поп-музыки, который хочет раствориться в толпе, чтобы убежать от так называемых комплексов, вы обладаете истинной внутренней свободой. Нет страха, нет чувства неполноценности. Не они ли служат постоянным источником войн, преступлений, тяги к наркотикам? Здесь можно предложить единственное лекарство — приобщение как можно большего числа людей к искусству и культуре. Начните с музыки.

Эта книга станет другом для каждого: знаток и любитель получит удовольствие от общения с автором, начинающий меломан почувствует надежную опору для своих музыкальных впечатлений, а главное — убедится в том, что музыкальная классика действительно предназначена «для всех».

Восприятие классической музыки требует подготовки. Здесь можно только позавидовать нашим бабушкам и прабабушкам: в прошлом в каждой образованной семье ребенок получал обязательное музыкальное воспитание. Дети посещали оперу, слушали симфонические концерты, к ним приглашали учителей фортепианной игры. И в России, и в Европе были живы традиции домашнего музицирования, когда люди собирались вместе и пели романсы, играли квартеты, устраивали музыкальные вечера. Дети, выросшие в такой обстановке, считали серьезную музыку неотъемлемой частью своей жизни, став взрослыми, старались не расставаться с ней и приобщать к высокому искусству уже своих детей и внуков.

Иногда может показаться, что падение интереса к музыкальной классике естественно и современный человек легко обойдется и без нее. Нет большей ошибки, чем так думать; возможности классической музыки в развитии ума и души поистине беспредельны и не сравнимы ни с чем другим. В опере, концерте, симфонии музыкальная идея все время обновляется, ее развитие часто непредсказуемо, и тот, кто с удовольствием слушает Бетховена, Брамса, Шостаковича, обладает «контактностью высшего типа», умеет следить за сложно текущей мыслью, понимать все ее нюансы. Разве не нужно такое умение артисту, художнику, бизнесмену или ученому?

Кроме того, музыка — это еще один особый язык. Так же как писатели и поэты превращают слово в средство передачи тончайших оттенков чувства, в средство познания жизни и людей, композиторы рисуют собственную картину мира с помощью звуков. Подобно обычной речи, музыка обладает своими знаками и значениями, она построена по определенным правилам. И хотя музыкальный язык и его законы мы осваиваем бессознательно, в психологическом смысле этот особый «язык» невероятно обогащает нас, расширяет наш умственный горизонт, усиливает наши интеллектуальные способности. Характерен в этом отношении опыт венгерского композитора Золтана Кодая, который показал, что школьники, занимающиеся музыкой каждый день, усваивают программу по всем предметам намного лучше тех, кто музыкой не занимается.

Из всех видов искусства классическая музыка обладает наибольшей сложностью. В ней нет ничего внешнего, прямо связанного с действительностью, как сюжет в повести или фильме. Музыка всегда как бы воспаряет над реальностью, ее смысл никогда не может быть разгадан до конца, и оттого она легко находит путь к человеческому сердцу. Все, что есть в душе необъяснимого, тайного, недосказанного, выразит себя в музыке. Она не дает человеку загрубеть, забыть о своей человеческой сущности. Музыка — хранитель и воспитатель душевной чуткости, интеллигентности, культуры чувства. Она раскрепощает человеческую натуру и открывает ее для творчества. Можно не сомневаться, что каждый, кто полюбит классическую музыку, через некоторое время изменится: он станет деликатнее, умнее, а ход его мыслей приобретет большую изощренность, тонкость, нетривиальность. Эта книга — попытка рассказать о музыке для всех, в том числе и для тех, кто имеет не слишком большой музыкальный опыт, но хотел бы ближе ознакомиться с музыкальной классикой.

Классическая музыка требует от слушателя некоторых усилий, внимания, сосредоточенности, а современный ритм жизни часто к этому не располагает. После трудного рабочего дня у человека остается лишь одно желание — немного отвлечься, забыться, отдохнуть — «расслабиться». А классическая музыка, говорящая о духовном, возвышенном, серьезном, требует особого напряжения: слушать оперу или симфонию — это в известном смысле то же, что читать Льва Толстого, Франца Кафку, Бальзака, то есть это — труд души.

Задача книги — найти ключ к музыкальному содержанию, к тому, о чем говорит музыка и ради чего она создана. Конечно, однозначных толкований здесь быть не может: так же как литературу, живопись, кино или театр, музыку каждый воспринимает по-своему. Однако существуют объективные данные, которые могут помочь, — это история, культура, художественные вкусы той эпохи, в которой жил композитор. Его музыка создавалась в согласии с воззрениями века, она — своеобразный звуковой слепок внутреннего мира современника, и потому философия, литература, искусство той или иной эпохи могут пролить свет на духовный смысл и суть музыки, написанной тогда же. Более явное, выраженное в слове, жесте, рисунке, расшифрует более тайное, скрытое в звуках.

Такой подход к музыкальному содержанию вполне естествен — ведь композитор, подобно писателям, философам, художникам, принадлежит своему времени, вместе с ними он создает культуру своей эпохи и впитывает ее. В произведениях композитора живет тот же условный герой, что и в сочинениях его современников. Разными средствами — словом, красками, резцом, звуком — люди искусства пытаются сказать нечто новое о жизни и мире, что не дано выразить никому другому. Среди художников и мыслителей века всегда найдется тот, чей творческий облик наиболее близок композитору. Эта близость не может быть абсолютной и полной, но все же некоторые черты творческой натуры Шекспира помогают лучше понять музыку Монтеверди, а философия эпохи Возрождения укажет путь к духовному содержанию ренессансной мессы. Подобный подход к музыке позволяет не останавливаться подробно на биографиях композиторов, отвлечься от структурных особенностей музыкальных форм, чтобы увидеть музыку как часть культуры эпохи, как отражение ее духовных устремлений.

Книга рассматривает музыкальное искусство исторически, последовательно останавливаясь на особенностях музыкальных стилей от Средних веков до Моцарта. Музыкальные открытия и характерные черты каждой эпохи объясняются в книге причинами более общего порядка: в каждой главе говорится о влиянии культуры в целом на музыкальные качества письма, на особенности композиторского мышления. Читатель сможет увидеть, как вместе со сменой философских и эстетических идей менялись музыкальные жанры и формы. История дает здесь богатый материал для сравнения различных эпох и стилей, позволяет проследить эволюцию музыкального искусства.

Книга снабжена иллюстрациями, позволяющими совместить изучение истории музыки с некоторыми сведениями из истории изобразительного искусства и истории культуры, дополняющими музыкальные впечатления читателя. Кроме того, первое издание этой книги включало также специальную фонохрестоматию на компакт-дисках: текст сопровождали музыкальные примеры, без которых невозможно усвоить содержание такого рода. В настоящем издании музыкальная часть буквально «инкорпорирована» в текст. Как? С помощью QR-кодов — небольших штрихкодов на полях страницы, содержащих фрагменты музыкальных произведений. Их можно считывать с помощью камеры мобильного устройства и прослушивать в любом месте, в любое время и не отрываясь от чтения. Эти музыкальные примеры — своего рода музыкальные цитаты, иллюстрирующие мысли, высказанные в тексте. Книга позволяет самостоятельно получить первые представления об истории западноевропейского музыкального искусства, в то же время она может быть интересна и тем, кто хотел бы пополнить свои знания о музыке или даже собирается в будущем стать музыкантом. Если в результате знакомства с книгой интерес читателя к музыкальной классике возрастет, автор будет считать свою задачу выполненной. Нужно только желание и небольшое усилие, чтобы убедиться: великие композиторы обращаются ко всем нам, и каждому дано их услышать и полюбить.