В.А. Теляковский. Дневники Директора Императорских театров. 1913–1917

Шестой том дневников последнего директора Императорских театров Владимира Аркадьевича Теляковского (1860–1924), подготовленный Государственным институтом искусствознания и выпущенный издательством «Артист. Режиссер. Театр», завершает публикацию этого бесценного документа рубежа XIX–XX веков.

20 – 100 – 20

Почти двадцать лет Теляковский вел дневники, вплоть до своего увольнения с поста директора в мае 1917. Столько же ушло на их подготовку к публикации и выпуск. Любопытно, что первый том вышел ровно через 100 лет после того как В.А. Теляковский начал свои записи, а заключительный шестой — спустя ровно век после их окончания (первая запись в «Дневниках» помечена 13 октября 1898, последняя — 8 июня 1917).

Издание дневников В.А.Теляковского, оригинал которых хранится в Центральном Театральном музее им. А.А.Бахрушина, было задумано Государственным институтом искусствознания в конце прошлого века.

В.А. Теляковский. Дневники Директора Императорских театров. 1913–1917.
Санкт-Петербург/Под общей редакцией М.Г. Светаевой. – М., «Артист. Режиссер. Театр», 2017. – 544 с. Тираж 500.

Перед публикаторами стояла огромная и сложнейшая задача: прочитать 50 тетрадей, содержащих около 14 000 рукописных страниц, прокомментировать многие неясные или запутанные сюжеты, вкратце изложить содержание газетных статей, которые Теляковский вклеивал в дневник, представить сведения об артистах и исполняемых ролях и партиях, составить указатели имен (аннотированный!) и произведений.  Сотрудники ГИИ Н.Э. Звенигородская, М.В. Хализева, М.В. Львова  во главе с Мариной Григорьевной Светаевой в течение двух десятилетий осуществляли эту трудоемкую и кропотливую работу.

За публикацию проекта взялось издательство «Артист. Режиссер. Театр» СТД РФ. В 1998 вышел 1-й том: «Дневники Директора Императорских театров. 1898–1901. Москва». В течение 20 лет были изданы последующие тома: «1901–1903. Санкт-Петербург» (2002), «1901–1903. Санкт-Петербург» (2006), «1906–1909. Санкт-Петербург» (2011), «1909–1913. Санкт-Петербург» (2016) и «1913–1917. Санкт-Петербург» (2017). Объем каждого тома составляет от 750 до 950 страниц, в среднем 58 авторских листов. Порядка 200 страниц в каждом томе занимают комментарии и указатели. Редактором всех шести томов является Л.А. Пичхадзе.

Знаменательно, что издание завершилось в год столетия русской революции.

Из гвардии — в театр

В.А. Теляковский, сын ярославского дворянина Аркадия Захаровича Теляковского, военного инженера, генерал-лейтенанта, крупного теоретика фортификации, выйдя из Пажеского корпуса, в 1879 вступил корнетом в Лейб-гвардии Конный полк. В 1888 он окончил Николаевскую Академию Генерального штаба, а в 1897 был произведен в чин полковника.

Его судьба, казалось бы, предопределенная рождением, резко переменилась на 38-м году жизни, когда он оказался на совершенно новом для себя поприще — в театральном ведомстве.

К искусству он приобщился в семье с раннего детства. Все дети (из семерых Владимир был младшим) обучались иностранным языкам, рисованию и музыке — игре на рояле и пению, в том числе и хоровому: «С детства водили нас по выставкам и концертам, а по понедельникам по очереди возили в Большой театр слушать итальянскую оперу» (из неопубликованной «Автобиографии»).

Уже будучи офицером Конного полка, Теляковский продолжил  занятия музыкой, поступив в музыкальную школу Д.И. Бема, где усиленно работал над фортепианной техникой (его считали способным пианистом А.Г. Рубинштейн и Н.Г. Рубинштейн, с которым юному Теляковскому доводилось играть в четыре руки). Кроме того, он обучался теории музыки, композиции, позднее сочинил несколько вальсов и маршей.

По собственному признанию, он «вошел во вкус музыкальный и перестал думать» о военной службе, мечтая о профессиональной музыкальной карьере. Однако друзья-музыканты честно признавали, что выдающегося пианиста из него не выйдет. И Владимир Аркадьевич остался на военной службе. Но от неожиданного предложения перейти на службу в сферу искусства отказаться не смог.

У руля театров

Назначение Теляковского в 1898 Управляющим конторой московских Императорских театров было встречено одними с возмущением, другими с иронией — в его успех не верил никто.

Впрочем,  назначение было объяснимо. Министром двора  и уделов, в ведении которого находились и Императорские театры, был барон В.Б. Фредерикс, в прошлом командир Конного полка, нередко подбиравший начальников подведомственных учреждений из числа знакомых ему офицеров-конногвардейцев. Таковым оказался и Владимир Аркадьевич.

Недоброжелатели не прощали Теляковскому его военного прошлого, не упуская случая попенять ему на это. Но спустя три года, после отставки директора Императорских театров князя С.М. Волконского, именно Теляковский сменил его на этом посту.

Императорские театры всегда существовали под жестким прицелом прессы. В глазах общества и прессы все зло Императорских театров персонифицировалось в фигуре директора, на которого обрушивался град  обвинений. Причем шельмовали Теляковского с разных сторон: одни упрекали в декадентстве, другие — в ретроградстве; одни  усматривали в  его решениях антисемитизм, другие — юдофильство. Его, человека достаточно умеренных взглядов, называли «социал-демократом», открывающим императорскую сцену революционной пропаганде.

От глумления прессы Теляковского не защищали ни высокий чин, ни   расположение В.Б. Фредерикса, ни благоволение государя. При этом по своему положению директор не имел права публично отвечать на газетные инсинуации.

На службе Мельпомены

В Петербурге, куда Теляковский переехал, возглавив Императорские театры, неизмеримо увеличился объем работы и расширился круг служебных забот. В его ведении оказались четыре петербургские труппы и три московские — каждая со своими особенностями и проблемами. Кроме того, в обязанности директора входило устройство ежегодных Эрмитажных спектаклей, а также спектаклей парадных, юбилейных, благотворительных и др.

Время доказало, что Теляковский занимал свое место. Масштаб его личности и результаты работы выявились в исторической перспективе.

От человека, возглавлявшего обширное театральное ведомство, требовались дипломатичность и виртуозное умение маневрировать среди всей этой паутины. Как  показало многолетнее директорство Теляковского, он блестяще овладел этим искусством.

В новом для себя театральном деле Теляковский начинал как энергичный реформатор, не пугавшийся трудностей, полный сил, решимости и азарта. Главным в его политике была поддержка молодежи, наиболее отзывчивой на все новое и свежее.

Он был влюблен в талант, являвшийся для него высшей ценностью: как бы ни был он днем недоволен кем-либо из артистов, вечером это не влияло на оценку исполнения — талант побеждал все.

Объем работы директора был огромен. Его рабочий день складывался из разнообразнейших занятий. Первую половину дня занимали встречи, беседы, совещания по составлению репертуара, подготовке будущих постановок; прием артистов по вопросам контрактов, ролей, жалованья и т.д., а также сиюминутная театральная текучка, например, необходимость срочной замены того или другого артиста, а то и перемены спектакля, вызванные внезапными болезнями.

Однако смыслом театра для него был ежедневный спектакль – каждый вечер он проводил в театре, а то и в двух, успевая заглянуть и в драму, и в оперу или балет. А поздно ночью садился за дневник, педантично фиксируя все, что произошло за день.

Летопись мыслей и чувств

Теляковский оставил потомкам щедрый дар — 50 толстых рукописных тетрадей, которые он вел на протяжении почти двух десятилетий. Дневник стал для Теляковского единственной возможностью излить свои, все более горькие, размышления не только о театре, но и о жизни России. На страницы дневника выплескиваются растущее недовольство и усталость, все личные обиды, «вся желчь и вся досада».

Он начал вести записи в силу рабочей необходимости: «Совершенно исключительная сложность управления таким обширным театральным делом, — объяснял он в “Воспоминаниях”, — побудила меня все более или менее важное, требующее памяти, ежедневно записывать».

Он вступил в должность 2 мая 1898, дневник начался 13 октября. Первые записи носят сугубо конкретный характер, но очень скоро он уже не просто фиксирует события, но и анализирует их, с годами все более давая волю размышлениям.

Структура ежедневной записи точно соответствовала тому, как и из чего складывался распорядок жизни директора.

Дневники нередко называют летописью жизни Императорских театров. Автор и сам намеревался так озаглавить свой труд. Но такое название верно лишь отчасти, ибо охватывает далеко не все пласты этого документа. Текст дневника глубже, сложнее, и что чрезвычайно существенно — многие важные коллизии времени (и художественные, и общие) были лично пережиты Теляковским, пережиты подчас драматично. В увлекательном повествовании, которым являются, казалось бы, сугубо служебные дневники Теляковского, он – и автор, и главное действующее лицо.

Жизнь на пользу Театра

Дневники оборвались внезапно — в них больше не было формальной надобности, ибо после Февральской революции грянула отставка директора. 1 марта 1917 Теляковский вместе с сыном Всеволодом был арестован и препровожден в канцелярию Государственной думы, однако сразу же отпущен. Указом  Временного правительства от 6 мая 1917 он был уволен. Последняя запись в дневнике сделана 8 июня 1917.

На протяжении 64 лет Теляковскому выпало прожить три разные жизни. Первая — военная карьера,  некоторые подробности которой встают на страницах его «Автобиографии». Вторая — театральная — нашла отражение в дневнике. И наконец, третья жизнь,  послереволюционная — возникает на страницах писем к А.И. Южину и Г.Н. Федотовой.

После отставки Теляковский оказывается в весьма стесненных обстоятельствах. Пенсию, назначенную ему указом Временного правительства, вскоре отменило правительство большевиков.

В 1918 он пошел служить финансовым инспектором отделения Народного банка при Николаевской железной дороге,  при которой в 1920 организовал сапожную мастерскую. Относился к этому с юмором: «Я подробно изучаю новые названия и вместо софитов, рампы, артистов, декораций, авторов и музыкантов знакомлюсь с подметками, набойками, юфтью, шагренем, сапожниками» (письмо Южину от 9 июля 1920).

Осенью 1922 на него обрушилось сильно подкосившее его горе — смерть любимой жены.

Дневниковые тетради Теляковского пережили немало перипетий, почти детективную историю. Хранившиеся в сейфе банка «Лионский кредит», после революции они были конфискованы и лишь благодаря хлопотам Южина возвращены владельцу.

Именно в писательском труде Теляковский обрел новый смысл, казалось бы, полностью рухнувшей жизни: «Явилось у меня даже какое-то сознание, что это мой долг — записки эти привести в порядок и тем завершить круг театральной работы, которую волею судеб мне пришлось вести в течение двадцати лет. Закончив работу эту, я буду сознавать, что принес известную пользу Театру не только управлением и направлением его, но и описанием, как все это делалось и как и кто делу этому помогал или мешал. Кто-нибудь со временем извлечет из этого и пользу для Театра вообще» (из письма Южину от 21 декабря 1920).

С этим убеждением Теляковский умер 28 октября 1924 в Петрограде.

«Волшебная флейта» Моцарта — первая премьера сезона в Геликон-опере.

Первая премьера 29-го сезона – «Волшебная флейта» В.А. Моцарта, ждет москвичей и гостей столицы в «Геликон-опере» с 14 по 18 ноября 2018 года.

«Волшебная флейта» (1791), поставленная последней при жизни великого Моцарта, стала одной из самых знаменитых и исполняемых опер. Почему мы так любим «Волшебную флейту»? Почему ее бесконечно ставят по всему миру, невзирая на головокружительные арии и огромное количество сценических версий?

Вероятно, потому, что эта опера – о самом ценном, что существует в жизни – о любви? Пройти через все испытания, сохранить и преумножить любовь – это ли не самое прекрасное, что может быть воспето гением? Романтическая сказка с глубоким философским смыслом обладает непреодолимой магией для постановщиков, ибо, созданная Моцартом без оглядки на возрастные ограничения (навряд ли Моцарт размышлял, 16+ или 6+ будет красоваться на афише), понятна и мила и ребенку, и взрослому.

Именно поэтому в «Геликон-опере» готовят две разные версии моцартовского шедевра: для взрослых и для детей. К участию в постановке «Волшебной флейты» приглашен главный архитектор Москвы Сергей Кузнецов, который впервые предстанет художником-постановщиком оперного спектакля вместе с Агнией Стерлиговой. В команде постановщиков – молодой талантливый режиссер Илья Ильин, главный дирижер «Геликон-оперы» Валерий Кирьянов, мастер света Денис Енюков, известный дизайнер, скульптор и перформер из Нью-Йорка Саша Фролова – художник по костюмам. И, будьте уверены, в «Геликоне» есть сопрано, способные легко и безукоризненно исполнить знаменитую арию Царицы ночи – да так, что у зрителей побегут мурашки по коже!

30 сентября 1791 года Моцарт дирижировал премьерой оперы в Вене, а через тридцать семь дней его не стало. Но «Волшебная флейта», этот прощальный привет гения мирозданию, радует и восхищает нас до сих пор, заставляя смеяться и трепетать от восторга. Хотите поднять настроение или подзарядиться позитивными эмоциями? Идите на Моцарта! «Волшебная флейта» – она ведь и правда волшебная, ибо щедро дарит людям радость. Ждем на премьере в «Геликоне»!

Специально к премьере «Волшебной флейты» в фойе Сергея Зимина откроется выставка Саши Фроловой, где будут представлены ее знаменитые латексные скульптуры – 14 надувных арт-объектов, выставлявшихся в России, Турции, Болгарии, Италии и Германии. Эстетика работ Саши Фроловой неотделима от выразительных особенностей ультрасовременного материала – латекса, который широко представлен в культуре наших дней. Зрители спектакля «Волшебная флейта» смогут посетить выставку с 10 по 18 ноября. Куратор выставки – Андрей Райкин.

Специально к премьере «Волшебной флейты» команда .ART – доменной зоны для размещения сайтов арт-проектов, портфолио художников и архивов коллекций, создала онлайн-афишу спектакля. Ознакомиться с расписанием премьеры, эскизами костюмов и декораций, фотографиями артистов, а также купить билет можно на сайте magicflute.art.

Источник публикации Геликон-опера

В Нижнем Новгороде — двадцать пятые «Новые имена»

Почти четверть века прошло с тех пор, как в ноябре 1994 года на сцену Кремлевского концертного зала Нижегородской филармонии впервые вышли 25 юных музыкантов из Москвы, Санкт-Петербурга и Нижнего Новгорода. В четырех программах — двух камерных и двух оркестровых — юные таланты раскрыли свои музыкальные способности перед многотысячной аудиторией слушателей, покорили смелостью и артистизмом.

Так в Нижнем Новгороде прошел первый детский фестиваль «Новые имена». На тот момент он был первым и единственным в России детским музыкальным конкурсом, организованным Нижегородской филармонией совместно с Международной благотворительной программой «Новые имена» (президент — Иветта Николаевна Воронова).

В нынешнем году фестиваль «Новые имена» пройдет в 25-й раз. Он стал гордостью Нижнего Новгорода наряду с Международным фестивалем искусств имени А.Д. Сахарова. За прошедшие годы в фестивале приняли участие 925 юных дарований (из них 139 юных музыкантов из Москвы и Санкт-Петербурга), а также 32 музыкальных коллектива. 755 стипендий и премий различного уровня получили участники-нижегородцы.

Фестиваль проводится под патронатом Губернатора Нижегородской области, при поддержке Правительства Нижегородской области и Администрации Нижнего Новгорода.

«Новые имена» подарили России и миру лауреатов международных конкурсов, виртуозных исполнителей, в их числе: Галина Авдонина, Денис и Владислав Кожухины, Никита Власов, Даниил Сапожников, Светлана Смолина, Юлия Заичкина, Анастасия Соломатина, Андрей Нестеренко, Александр Мутузкин, Евгений Брахман, Максим Емельянычев, Алексей Федотов, Федор Шушеньков, Максим Осокин, Владимир Солуянов, Никита Абросимов, Алина Фролова.

И, конечно, один из самых востребованных пианистов современности Даниил Трифонов — триумфатор XIV Международного конкурса имени Чайковского, лауреат премии «Грэмми» в номинации «Лучшее классическое инструментальное сольное исполнение», член совета директоров Нью-Йоркского филармонического оркестра и попечительского совета Международного телевизионного конкурса юных музыкантов «Щелкунчик».

Первое выступление Даниила Трифонова состоялось в 1998 году на V фестивале «Новые Имена» в Кремлевском концертном зале, когда будущему пианисту-виртуозу было всего 7 лет. В сольной программе Даниил Трифонов исполнил произведения собственного сочинения, а в 1999 году, на VI фестивале, в исполнении Даниила прозвучала первая часть Концерта № 17 В.А. Моцарта в сопровождении филармонического симфонического оркестра. В 2003 году Даниил Трифонов стал обладателем Гран-при международного телевизионного музыкального конкурса «Щелкунчик».

С 2001 года к музыкантам присоединились юные нижегородцы-художники – лауреаты региональных, всероссийских и международных выставок, участие которых расширило круг талантов. Ежегодно картины начинающих художников радуют и вдохновляют маленьких и взрослых слушателей концертов фестиваля в главном фойе филармонии.

Основными задачами фестиваля «Новые Имена» были и остаются: выявление юных талантливых музыкантов и художников, помощь в их творческом развитии и становлении таланта, профессиональная ориентация, популяризация музыкального исполнительства, повышение эффективности начального музыкального и художественного образования, педагогического мастерства. Фестиваль из года в год вызывает огромный интерес у музыкальной общественности, музыкантов-педагогов и юных участников.

Помимо концертов, программа «Новых имен» включает и учебный процесс. В дни проведения фестиваля в музыкальных школах города проходят мастер-классы известных московских педагогов. Такие открытые уроки обогащают исполнительский опыт участников, предоставляют прекрасную возможность для обмена опытом и совершенствования учебного процесса в музыкальных школах.

Для юных талантов, самым младшим из которых не более 6 лет, «Новые имена» — уникальная возможность проявить свои музыкальные способности в сольных программах или в сопровождении оркестра перед тысячной аудиторией Кремлевского концертного зала. Победители становятся обладателями стипендий Межрегионального общественного благотворительного фонда «Новые имена». Десятки детей отмечаются и другими поощрительными наградами: стипендиями Губернатора Нижегородской области, Администрации города Нижнего Новгорода, НРО партии «Единая Россия», персональными стипендиями спонсоров и индивидуальных благотворителей.

Уровень подготовки начинающих музыкантов и владения инструментом неизменно высок — без скидок на возраст. Радует и то, что число желающих принять участие в фестивале ежегодно растет.

В XXV юбилейном фестивале «Новые имена», который пройдет 10 и 11 ноября 2018 года, примут участие 33 солиста, 10 художников, инструментальное трио и ансамбль скрипачей «Каприччио» из Москвы, Нижнего Новгорода и городов области (Дзержинск, Дивеево, Саров, Выкса, Заволжье, Кулебаки, р.п. Шатки). В исполнении юных музыкантов в возрасте от 6 до 15 лет прозвучат сочинения для фортепиано, скрипки, гобоя, валторны, домры, ксилофона, органа, флейты, гитары, баяна, балалайки, саксофона и виолончели в сольном исполнении и в сопровождении Академического симфонического оркестра под управлением Александра Скульского и Рената Жиганшина.

Мастер-классы XXV фестиваля «Новые имена» проведут:

по классу скрипки — Наталья Михайловна Фихтенгольц (заслуженный работник культуры РФ, преподаватель Академического музыкального училища при Московской государственной консерватории им. П.И. Чайковского);

по классу флейты — Елена Анатольевна Мамонова (лауреат международных конкурсов, преподаватель Академического музыкального училища при Московской государственной консерватории им П.И.Чайковского, солистка Концертного симфонического оркестра Московской государственной консерватории им. П.И. Чайковского).

25-я театральная премия «Золотая маска» объявила номинантов

Эксперты Российской национальной театральной премии «Золотая маска» назвали номинантов юбилейной 25-й по счету награды. Мероприятие состоялось в Московском академическом музыкальном театре им. Станиславского и Немировича-Данченко. Основная конкурсная программа фестиваля пройдет в Москве с февраля по апрель 2019 года. Церемония вручения премий состоится 16 апреля на Исторической сцене Большого театра.

ОПЕРА/СПЕКТАКЛЬ

АЛЬЦИНА, Большой театр, Москва
ЕНУФА, Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, Москва
ЖАННА НА КОСТРЕ, Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь
ПРОЗА, Электротеатр Станиславский, Москва
СНЕГУРОЧКА, Независимый театральный проект, Санкт-Петербург
СНЫ ИАКОВА, ИЛИ СТРАШНО МЕСТО, Фонд поддержки современного искусства «Живой город», Казань
ТРИУМФ ВРЕМЕНИ И БЕСЧУВСТВИЯ, Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, Москва
ФАЭТОН, Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь

ОПЕРА/РАБОТА ДИРИЖЕРА

Евгений БРАЖНИК «Енуфа», Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, Москва
Венсан ДЮМЕСТР, «Фаэтон», Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь
Теодор КУРЕНТЗИС, «Жанна на костре», Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь
Андреа МАРКОН, «Альцина», Большой театр, Москва
Филипп ЧИЖЕВСКИЙ, «Триумф Времени и Бесчувствия», Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, Москва

ОПЕРА/РАБОТА РЕЖИССЕРА

Константин БОГОМОЛОВ, «Триумф Времени и Бесчувствия», Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, Москва
Ромео КАСТЕЛЛУЧЧИ, «Жанна на костре», Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь
Бенжамен ЛАЗАР, «Фаэтон», Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь
Александр МАНОЦКОВ, «Сны Иакова, или Страшно Место», Фонд поддержки современного искусства «Живой город», Казань
Кэти МИТЧЕЛЛ, «Альцина», Большой театр, Москва
Елена ПАВЛОВА, «Снегурочка», Независимый театральный проект, Санкт-Петербург
Владимир РАННЕВ, «Проза», Электротеатр Станиславский, Москва
Александр ТИТЕЛЬ, «Енуфа», Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, Москва

ОПЕРА/ЖЕНСКАЯ РОЛЬ

Анна АГЛАТОВА, Моргана, «Альцина», Большой театр, Москва
Одри БОННЕ, Жанна д’Арк, «Жанна на костре», Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь
Катарина БРАДИЧ, Брадаманта, «Альцина», Большой театр, Москва
Елена ГУСЕВА, Енуфа, «Енуфа», Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, Москва
Олеся ИВАНОВА, Снегурочка, «Снегурочка», Независимый театральный проект, Санкт-Петербург
Наталья МУРАДЫМОВА, Костельничка Бурыйя, «Енуфа», Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, Москва
Елизавета СВЕШНИКОВА, Астрея, «Фаэтон», Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь
Леа ТРОМЕНШЛАГЕР, Климена, «Фаэтон», Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь
Хизер ЭНГЕБРЕТСОН, Альцина, «Альцина», Большой театр, Москва

ОПЕРА/МУЖСКАЯ РОЛЬ

Матиас ВИДАЛЬ, Фаэтон, «Фаэтон», Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь
Дэвид ДИКЬЮ ЛИ, Бесчувствие, «Триумф Времени и Бесчувствия», Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, Москва
Винс И, Удовольствие, «Триумф Времени и Бесчувствия», Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, Москва
Дени ЛАВАН, Брат Доминик, «Жанна на костре», Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь
Филипп МАТМАН, Красота, «Триумф Времени и Бесчувствия», Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, Москва
Сирил ОВИТИ, Тритон, «Фаэтон», Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь
Хуан САНЧО, Время, «Триумф Времени и Бесчувствия», Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, Москва
Виктор ШАПОВАЛОВ, Протей, «Фаэтон», Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь

БАЛЕТ/СПЕКТАКЛЬ

ASUNDER, Фестиваль «Context», Москва, и Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь
ДОН КИХОТ, Театр балета им. Л. Якобсона, Санкт-Петербург
КОРСАР, Театр оперы и балета, Воронеж
НУРЕЕВ, Большой театр, Москва
ОДИНОКИЙ ДЖОРДЖ, Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, Москва
ПАХИТА, Урал Опера Балет, Екатеринбург
РОМЕО И ДЖУЛЬЕТТА, Большой театр, Москва
ТЮЛЬ, Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, Москва
ЩЕЛКУНЧИК, Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь
ЭСМЕРАЛЬДА, Театр оперы и балета, Самара

БАЛЕТ/РАБОТА ДИРИЖЕРА

Артем АБАШЕВ «Щелкунчик», Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь
Антон ГРИШАНИН «Нуреев», Большой театр, Москва
Павел КЛИНИЧЕВ «Ромео и Джульетта», Большой театр, Москва
Федор ЛЕДНЕВ «Пахита», Урал Опера Балет, Екатеринбург

СОВРЕМЕННЫЙ ТАНЕЦ/СПЕКТАКЛЬ

40, Проект О. Тимошенко и А. Нарутто, Москва
RUN, Фестиваль «Форма», Москва
В РЕЖИМЕ ОЖИДАНИЯ ГОДО, Театр «Балет Москва», Москва
ГРОЗА, Дом танца «Каннон Данс», Санкт-Петербург
КАМИЛЛА, Анна Гарафеева и Ко, Москва и Дягилевский фестиваль, Пермь
КАРТОН, Театр современного танца, Челябинск
МИНУС 16, Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, Москва
МЫ, Камерный театр, Воронеж
ПИЧ, «ТанцТеатр», Екатеринбург

БАЛЕТ–СОВРЕМЕННЫЙ ТАНЕЦ/РАБОТА БАЛЕТМЕЙСТЕРА–ХОРЕОГРАФА

Юрий БУРЛАКА, «Корсар», Театр оперы и балета, Воронеж
Юрий БУРЛАКА, «Эсмеральда», Театр оперы и балета, Самара
Ольга ВАСИЛЬЕВА, «Мы», Камерный театр, Воронеж
Сергей ВИХАРЕВ, Вячеслав САМОДУРОВ, «Пахита», Урал Опера Балет, Екатеринбург
Йохан КОББОРГ, «Дон Кихот», Театр балета им. Л. Якобсона, Санкт-Петербург
Ренате КЭЭРД, «Run», Фестиваль «Форма», Москва
Алексей МИРОШНИЧЕНКО, «Щелкунчик», Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь
Ксения МИХЕЕВА, «Гроза», Дом танца «Каннон Данс», Санкт-Петербург
Гойо МОНТЕРО, «Asunder», Фестиваль «Context», Москва, и Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь
Юрий ПОСОХОВ, «Нуреев», Большой театр, Москва
Ольга ТИМОШЕНКО, Алексей НАРУТТО, «40», Проект О. Тимошенко и А. Нарутто, Москва
Денис ЧЕРНЫШОВ, Дмитрий ЧЕГОДАРЬ, Рафаэль ТИМЕРБАКОВ, Владислав МОРОЗОВ, Ольга ПОНА, «Картон», Театр современного танца, Челябинск

БАЛЕТ–СОВРЕМЕННЫЙ ТАНЕЦ/ЖЕНСКАЯ РОЛЬ

Полина БУЛДАКОВА, Мари, «Щелкунчик», Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь
Анна ГАРАФЕЕВА, «Камилла», Анна Гарафеева и Ко, Москва? и Дягилевский фестиваль, Пермь
Оксана КАРДАШ, Солистка, «Одинокий Джордж», Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, Москва
Оксана КАРДАШ, Пара II, «Тюль», Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, Москва
Екатерина КРЫСАНОВА, Джульетта, «Ромео и Джульетта», Большой театр, Москва
Мики НИСИГУТИ, Пахита, «Пахита», Урал Опера Балет, Екатеринбург
Елизавета КОРНЕЕВА, Гульнара, «Корсар», Театр оперы и балета, Воронеж
Софья МАТЮШЕНСКАЯ, Китри, «Дон Кихот», Театр балета им. Л. Якобсона, Санкт-Петербург
Ксения СЕМЕНОВА, «Гроза», Дом танца «Каннон Данс», Санкт-Петербург
Ольга ТИМОШЕНКО, «40», Проект О. Тимошенко и А. Нарутто, Москва

БАЛЕТ–СОВРЕМЕННЫЙ ТАНЕЦ/МУЖСКАЯ РОЛЬ

Тасман ДЭВИДС, Гамаш, «Дон Кихот», Театр балета им. Л. Якобсона, Санкт-Петербург
Владислав ЛАНТРАТОВ, Нуреев, «Нуреев», Большой театр, Москва
Вячеслав ЛОПАТИН, Ученик, «Нуреев», Большой театр, Москва
Илья МАНЫЛОВ, ПИЧ, «ТанцТеатр», Екатеринбург
Алексей НАРУТТО, «40», Проект О. Тимошенко и А. Нарутто, Москва
Иван НЕГРОБОВ, Конрад, «Корсар», Театр оперы и балета, Воронеж
Денис САВИН, Эрик, «Нуреев», Большой театр, Москва
Павел САВИН, Щелкунчик, Принц, «Щелкунчик», Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь
Глеб САГЕЕВ, Иниго, «Пахита», Урал Опера Балет, Екатеринбург
Алексей СЕЛИВЕРСТОВ, Люсьен д’Эрвильи, «Пахита», Урал Опера Балет, Екатеринбург
Андрей СОРОКИН, Базиль, «Дон Кихот», Театр балета им. Л. Якобсона, Санкт-Петербург
Игорь ЦВИРКО, Меркуцио, «Ромео Джульетта», Большой театр, Москва

РАБОТА КОМПОЗИТОРА В МУЗЫКАЛЬНОМ ТЕАТРЕ

Кира ВАЙНШТЕЙН, «40», Проект О. Тимошенко и А. Нарутто, Москва
Евгений ЗАГОТ, «Винил», Музыкальный театр, Красноярск
Юрий КРАСАВИН, «Пахита», Урал Опера Балет, Екатеринбург
Андрей КРОТОВ, «Римские каникулы», Музыкальный театр, Новосибирск
Александр МАНОЦКОВ, «Сны Иакова, или Страшно Место», Фонд поддержки современного искусства «Живой город», Казань
Владимир РАННЕВ, «Проза», Электротеатр Станиславский, Москва
Алексей РЕТИНСКИЙ, «Камилла», Анна Гарафеева и Ко, Москва, и Дягилевский фестиваль, Пермь
Настасья ХРУЩЕВА, «Фразы простых людей», Театр ТРУ, Санкт-Петербург
Кирилл ШИРОКОВ, «Мельников. Документальная опера», Музей архитектуры им. А.В. Щусева, Москва

РАБОТА ХУДОЖНИКА В МУЗЫКАЛЬНОМ ТЕАТРЕ

Марина АЛЕКСЕЕВА, «Проза», Электротеатр Станиславский, Москва
Владимир АРЕФЬЕВ, «Енуфа», Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, Москва
Даниил АХМЕДОВ, «Карлик Нос», Театр-Театр, Пермь
Жером КАПЛАН, «Дон Кихот», Театр балета им. Л. Якобсона, Санкт-Петербург
Павел КАПЛЕВИЧ, «Орфей & Эвридика», Театр музыкальной комедии, Екатеринбург
Ромео КАСТЕЛЛУЧЧИ, «Жанна на костре», Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь
Валерий КОЧИАШВИЛИ, «Корсар», Театр оперы и балета, Воронеж
Лариса ЛОМАКИНА, «Триумф Времени и Бесчувствия», Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, Москва
Матье ЛОРРИ-ДЮПЮИ, «Фаэтон», Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь
Хлоя ЛЭМФОРД, «Альцина», Большой театр, Москва
Ксения ПЕРЕТРУХИНА, «Камилла», Анна Гарафеева и Ко, Москва, и Дягилевский фестиваль, Пермь
Альона ПИКАЛОВА, «Пахита», Урал Опера Балет, Екатеринбург
Альона ПИКАЛОВА, «Щелкунчик», Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь
Ольга ПОНА, «Картон», Театр современного танца, Челябинск
Кирилл СЕРЕБРЕННИКОВ, «Нуреев», Большой театр, Москва
Мария ТРЕГУБОВА, «Беги, Алиса, беги», Театр на Таганке, Москва
Александра ХЛУСОВА, «Гроза», Дом танца «Каннон Данс», Санкт-Петербург

РАБОТА ХУДОЖНИКА ПО КОСТЮМАМ В МУЗЫКАЛЬНОМ ТЕАТРЕ

Ирэна БЕЛОУСОВА, «Карлик Нос», Театр-Театр, Пермь
Елена ЖУКОВА, «Двенадцать месяцев», Театр «Карамболь», Санкт-Петербург
Елена ЗАЙЦЕВА, «Пахита», Урал Опера Балет, Екатеринбург
Елена ЗАЙЦЕВА, «Нуреев», Большой театр, Москва
Жером КАПЛАН, «Дон Кихот», Театр балета им. Л. Якобсона, Санкт-Петербург
Ромео КАСТЕЛЛУЧЧИ, «Жанна на костре», Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь
Мике КОККЛКОРН, «ПИЧ», «ТанцТеатр», Екатеринбург
Юрий НАМЕСТНИКОВ, «Винил», Музыкальный театр, Красноярск
Татьяна НОГИНОВА, «Щелкунчик», Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь
Александр ТЕРЕХОВ, «Триумф Времени и Бесчувствия», Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, Москва
Мария ТРЕГУБОВА, «Беги, Алиса, беги», Театр на Таганке, Москва
Елена ТУРЧАНИНОВА, «Римские каникулы», Музыкальный театр, Новосибирск
Лора ХОПКИНС, «Альцина», Большой театр, Москва

РАБОТА ХУДОЖНИКА ПО СВЕТУ В МУЗЫКАЛЬНОМ ТЕАТРЕ

Сергей ВАСИЛЬЕВ, «Проза», Электротеатр Станиславский, Москва
Иван ВИНОГРАДОВ, «Беги, Алиса, Беги», Театр на Таганке, Москва
Иван ВИНОГРАДОВ, «Орфей & Эвридика», Театр музыкальной комедии, Екатеринбург
Ирина ВТОРНИКОВА, «Римские каникулы», Музыкальный театр, Новосибирск
Ромео КАСТЕЛЛУЧЧИ, «Жанна на костре», Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь
Франсуа МЕНУ, «Фаэтон», Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь
Тарас МИХАЛЕВСКИЙ, «Карлик Нос», Театр-Театр, Пермь
Александр НАУМОВ, «Пахита», Урал Опера Балет, Екатеринбург
Айвар САЛИХОВ, «Триумф Времени и Бесчувствия», Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, Москва
Александр СИВАЕВ, «Нуреев», Большой театр, Москва
Александр СКРЫПНИК, «Картон», Театр современного танца, Челябинск
Джеймс ФАРНКОМБ, «Альцина», Большой театр, Москва
Николас ФИШТЕЛЬ, Гойо МОНТЕРО, «Asunder», Фестиваль «Context», Москва, и Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь
Петер ШОМФАИ, «Граф Монте-Кристо», Театр музыкальной комедии, Санкт-Петербург

Источник публикации “Золотая маска, 31.10.2018

Триумф нашего времени: оратория Генделя на сцене МАМТа

Оратория Генделя на сцене МАМТа имени Станиславского и Немировича-Данченко

В МАМТе с аншлагами проходит вторая серия показов оратории Генделя «Триумф Времени и Бесчувствия» в постановке Константина Богомолова. Премьера спектакля состоялась 17 мая 2018. Мнения разделились: то, что один из главных радикалов российских подмостков счел возможным сделать с утонченным произведением XVIII века, кому-то показалось эстетически и этически недопустимым, а кого-то заворожило, и в любом случае вызвало яростные дискуссии в социальных медиа.

Гендель

«Триумф» — одна из первых работ немца Генделя на итальянском языке и первая написанная им оратория. Ее премьера состоялась в Риме в 1707, когда композитору было всего 22 года. Либретто написал кардинал Бенедетто Памфили — видный римский интеллектуал, автор нескольких опер и множества ораторий и кантат. В отличие от знакомых нам англоязычных ораторий Генделя, в первой версии «Триумфе» нет хоров — есть только четыре сольные партии аллегорических фигур: Красота (роль, предназначенная для кастрата-сопраниста), Наслаждением (тоже сопранист), Разочарование (кастрат-альт) и Время (тенор).

Исходный сюжет таков: легкомысленная Красота мечтает только о том, чтобы блаженствовать рука об руку с подстрекающим ее на это коварным Удовольствием, а занудные Разочарование и Время морализаторствуют, призывая Красоту забыть о сиюминутном и думать о вечном, и в конце концов убеждают перейти на свою сторону.

«Триумф» впоследствии перерабатывался еще дважды: в 1737 Гендель сочинил к нему хоры и изменил название на «Триумф времени и правды», а в 1757, уже лишившись зрения, сделал расширенную (три акта вместо двух) англоязычную версию с либретто Томаса Морелла, своего соавтора по таким ораториям, как «Теодора» и «Иевфай». Так первая оратория Генделя стала для него и последней, вместив в промежутке больше двух десятков других. В МАМТе звучит первоначальная итальянская версия.

Сорокин

…И в этой версии никакого Разочарования нет. Есть Бесчувствие. Так с легкой руки вдохновителя проекта Алексея Парина зовется в спектакле персонаж по имени Disinganno — дословно даже не столько Разочарование, сколько Прозрение, потому что его имя и роль в оригинале говорят об отказе от иллюзий и самообмана. Оригинальное либретто Памфили вообще не тронуто: его и исполняют солисты. Зато параллельно ему зрителям демонстрируются титры с кавер-версией либретто, созданной Владимиром Сорокиным.

Владимир СОРОКИН

Для писателя, чьи фантасмагории сегодня все более и более беспощадно воплощаются в реальной жизни, это уже не первое оперное либретто. В 2005 в Большом театре состоялась премьера оперы Леонида Десятникова «Дети Розенталя» в постановке Эймунтаса Някрошюса, которую быстро сняли с репертуара. В 2012 на фестивале «ТЕРРИТОРИЯ» в формате work in progress были показаны сцены из оперы Ольги Раевой «Сны минотавра»: их ставили молодые режиссеры Кирилл Вытоптов, Илья Шагалов и Екатерина Василёва, которая сегодня участвует в организации ставшего регулярным проекта МАМТа «КоОПЕРАция» (лаборатория молодых оперных композиторов и драматургов). Но обещанная к 2014 премьера полной версии «Снов минотавра» так и не состоялась.

На 2019 в Берлинской государственной опере запланирована премьера еще одной оперы с либретто Сорокина, музыку к которой пишет не больше не меньше Беат Фуррер. Она называется «Фиолетовый снег» и повествует о некоем постапокалиптическом мире.

В сентябре 2018 все четыре сорокинских либретто были выпущены издательством Corpus в сборнике «Триумф Времени и Бесчувствия».

Богомолов

Для Константина Богомолова «Триумф» — дебют в качестве оперного режиссера. Зато в драматическом театре его имя — синоним радикализма, экспериментаторства и провокативности. Самое частое прилагательное к нему — «скандальный». Богомолов действительно регулярно встряхивает священные стены крупнейших отечественных театров, демонстрируя на их сценах спектакли с неудобной тематикой и неудобной формой: «Князь» с главным героем-педофилом (Ленком, 2016); «Идеальный муж» с сексом и политикой (МХТ им. Чехова, 2013, получил приз критики на «Золотой Маске»-2014); «Год, когда я не родился», ядовито рефлексирующий о советском прошлом, которое стало так модно любить (Театр-студия Олега Табакова, 2012).

Константин БОГОМОЛОВ

Профессиональные отношения Богомолова и Сорокина включают еще один дебют режиссера — на этот раз в кино. Богомолов взялся экранизировать жуткий рассказ Сорокина «Настя», написанный в 2000. Когда в 2016 Богомолов объявил о своих планах, православные активисты начали обвинять и писателя, и режиссера в экстремизме (в рассказе описывается акт каннибализма, одним из участников которого является православный священник), но ничего не добились: на сегодняшний день фильм снят и готовится к выпуску в течение 2018.

Триумф времени

Произведения Генделя на отечественной сцене сегодня видеть и хочется, и колется. «Хочется» — потому что музыка блестящая и не заслушанная до дыр, и весь Запад уже много лет упивается ею, то играя в реконструкцию барочного театра, то приспосабливая генделевских египтян, крестоносцев и прочих лангобардов к современности. «Колется» — потому что музыка эпохи барокко требует особого подхода и особой подготовки исполнителей, и традиции ее исполнения в нашей стране нет. Только-только начинают появляться инструментальные коллективы, занимающиеся аутентичным исполнительством, а вокальной школы нет до сих пор. Самые успешные проекты по постановке опер Генделя в России — совместные с иностранными театрами, то есть де факто привозные: совсем без собственных солистов («Роделинда» в Большом театре, 2015) или почти совсем без них («Альцина» там же, 2017); с приглашенными дирижерами; поставленные режиссерами, которые в России не работают. Не то чтобы импортозамещение отсутствовало как факт: в 2016 Георгий Исаакян поставил в Башкирском театре оперы и балета ораторию «Геракл», опираясь только на местные ресурсы, и произвел фурор самим этим фактом. Однако Гендель в антураже 1990-х оказался вещью сугубо местечковой — как суши с майонезом в ресторанном дворике провинциального ТК. У спектакля Богомолова такой проблемы нет: его легко представить хоть в Мюнхене, хоть в Зальцбурге.

Сцена из спектакля «Триумф времени и бесчувствия», фото Илья Долгих

Триумф места

Спектакль поставлен на Малой сцене МАМТа, традиционно использующейся для экспериментальных проектов: для них черная коробка зала-трансформера на две сотни мест подходит как нельзя лучше. С 2016 там проходит фестиваль молодых хореографов «Точка пересечения», с 2017 — оперная лаборатория «КоОПЕРАция». Там же уже второй сезон подряд в рамках проекта «Опера на экране» идут бесплатные показы записей фестиваля в Экс-ан-Провансе, славящегося тем, что он привечает только современную режиссуру.

На Малой сцене в 2012 проходила премьера оперы Леры Ауэрбах «Слепые» для двенадцати голосов a capella (в репертуаре театра есть балет Джона Ноймайера «Русалочка» на музыку Ауэрбах) и вокального цикла Елены Лангер «Песни у колодца» (Лангер живет и работает в Британии, в 2016 написала оперу «Фигаро разводится» на либретто Дэвида Паунтни, поставленную в Кардиффе и Женеве) — оба произведения поставил Дмитрий Белянушкин, который с тех пор вышел на орбиту Большого театра и НОВАТа. В 2015 здесь же состоялась российская премьера оперы «Кроткая» англичанина Джона Тавенера по рассказу Достоевского в постановке Марии де Валюкофф и мировая премьера медиа-балета Ирины Лычагиной «Расёмон. Вариации» на музыку молодого композитора Григория Варламова. В 2016 прошли российские премьеры опер «Сказание об Орфее» Альфредо Казеллы и «Ариадна» Богуслава Мартину (обе в постановке Екатерины Василёвой). Этот список можно продолжать.

В ноябре 2018 на Малой сцене запланирована российская премьера оперы американца Томаса Морса «Фрау Шиндлер» о жене того самого Оскара Шиндлера. Ставит оперу, написанную кинокомпозитором, кинорежиссер Владимир Алеников.

В эту череду нерядовых событий вписался и спектакль Богомолова: честный эксперимент режиссера, который впервые зашел на территорию музыкального театра. «Я много чего не понимаю, много чего не знаю», – признавался он в интервью порталу Colta.ru накануне выхода спектакля и говорил, что в работе над ним движется на ощупь. В итоге оратория Генделя, написанная для помпезного дворца, отлично себя чувствует на демократичной площадке Малой сцены.

Триумф современности

Самое важное в спектакле Богомолова то, каким образом он обращается с главным челленджем сегодняшней оперной индустрии: имманентной скукой растянутого и замедленного оперного времени. Не все режиссеры эту скуку чувствуют, не все готовы ей что-то противопоставлять: в большинстве спектаклей сценическое время следует за музыкальным, по-небытовому замирая и провисая; это соответствует всем конвенциям, к этому привыкли все, это практикуют самые лучшие режиссеры. На тех, кто пытается со скукой бороться, добавляя интенсивности происходящему на сцене (Филипп Штёльцль, Дамиано Микьелетто), показывают пальцем: ишь, скучно ему, ему лишь бы мельтешило; скучно, естественно, не только режиссеру, но признаваться в этом не принято. Зато принято восхищаться теми, кто скуку апроприирует и даже усиливает, вынуждая зрителя переходить в иной режим восприятия (Ромео Кастеллуччи, Роберт Уилсон).

Богомолов в «Триумфе» использует оба способа борьбы со скукой. Первый акт предельно насыщен параллельным и перпендикулярным действием; невозможно понять, куда смотреть: тут всплывают куски нескольких разных историй, там вспыхивают и ездят супратитры; поют одно, переводят другое, отыгрывают третье; экраны, занимающие по половине боковых стен, показывают разное изображение; на сцене певцы, миманс, видеооператоры, собака, наконец. Обстоятельных повторов всех арий da capo едва хватает на то, чтобы сориентироваться в оглушающем потоке информации; все каналы восприятия перегружены, при этом еще и невозможно не давать происходящему этическую оценку. Просмотр такого спектакля — напряженная работа, но за ней в современный театр и ходят. Театр — не спа-салон, где можно лечь и расслабиться, пока за тобой ухаживают; это фитнес-клуб, где ты платишь деньги за возможность самому вкалывать до седьмого пота.

И вот после интенсивной функциональной тренировки для высокого уровня подготовленности Богомолов приглашает зрителя в сауну. Второй акт сделан с принципиально другим подходом, чем первый: зрителя ничто не отвлекает и не развлекает; солисты строго одеты и мало двигаются; титры лаконичны; параллельная история намечена, но воплощается очень скупо. Эффект рассчитан точно: после встряски первого акта погружение в скуку происходит с облегчением. Соответственно, становится ясно, что размещение собственного режиссерского текста поверх музыки не является для Богомолова ни самоцелью, ни единственным известным методом. Он не эпатирует ради эпатажа; он вообще демонстрирует зрителю не столько режиссера Богомолова (хотя и его тоже, как и писателя Сорокина) — но и не столько композитора Генделя (хотя и его тоже), сколько самого же зрителя. Даже сталкивая два подхода к работе со скукой и окуная аудиторию в пространство неразвлекательного, Богомолов по-прежнему предлагает зрителю совершить активную работу: сравнить и взвесить эти подходы и выяснить свое к ним отношение.

Сцена из спектакля «Триумф времени и бесчувствия», фото Илья Долгих

Работа со зрителем

В случае с «Триумфом» Богомолова вообще бессмысленно упрекать в эпатаже: достаточно вдуматься в смысл происходящего в оратории. Она описывает мучительный выбор между приятным и правильным. А он с XVIII века проще не стал. Просто вербальная барочная риторика с ее изяществом и обращением к Небу и Вечности (как в оригинальном либретто) сегодня не является доходчивой, провоцирующей рефлексию формой; она где-то в музее, за стеклом, около которого нужно десять минут стоять с аудиогидом — впрочем, можно и не стоять, можно вообще в музей не заходить. А Богомолов использует форму, на которую его зритель не может не реагировать.

Первая из параллельных историй, достроенных Богомоловым — о Чикатило и его жертве Лене Закатовой; они, соответственно, Удовольствие и Красота; Время и Бесчувствие становятся родителями Лены, которые в момент убийства находятся в опере. История простая, местами гротескная: маньяк подходит к девочке, конфеткой заманивает с собой; дальше мы в подробностях читаем на экране, в каком состоянии было найдено тело Лены, видим безутешных родителей, наблюдаем, как Чикатило бесстрастно слушает свой приговор. Мы должны жалеть невинную беззащитную девочку — но мы видим, как она кокетничает с маньяком. Мы должны восхищаться ее красотой —– и Филипп Матман нечеловечески прекрасен внешне и поет как ангел, но как бы ни шли ему платье, туфельки и серьги-клубничины, как нам быть с тем, что это биологический мужчина? Чикатило должен внушать нам отвращение — но у Удовольствия самая эффектная партия, а у Винса И самый эффектный голос из всей четверки. Так на что мы готовы закрыть глаза ради собственного удовольствия слышать это пение и смотреть на поразительную игру этих людей?

А действие меняется — сюжет о Чикатило перемежается другими историями. Вот Матман перевоплощается в девочку, которую маньяк не станет трогать; у него перекошено лицо, скрючены руки, он трясется — но все это непостижимым образом не мешает ему петь. Вот целая семья ментальных инвалидов в исполнении миманса, их крики вторгаются в музыку. Вот история об уродстве (в тексте на экране так и говорится: «урод», «уроды») перерастает в историю о даме-благотворительнице (это опять Красота), усыновившей мальчика-инвалида, но не сумевшей справиться с его особенностями; в кадре — издевательства над мальчиком и доведение до самоубийства. А вот история о проститутке (Бесчувствие в исполнении Дэвида Дикью Ли), которая родила ребенка от клиента и продала его. Ребенка покупает начальница клиники (Удовольствие), чтобы пустить на органы и стволовые клетки — белая жидкость, выдавленная из обезглавленного пупса, идет на крем для лица Красоте.

Время тоже получило собственный сюжет: о католическом священнике, которому пришлось сделать пересадку сердца; донором стал ментальный инвалид, что превратило падре в идиота. В финале акта все четверо танцуют веселый танец: Красота и Удовольствие задирают юбки, Бесчувствие срывает со Времени сутану, открывая фетишистский костюм.

У Генделя этого не было? Простите, но у Генделя много чего не было — дирижера в оркестре, например. И слушать Генделя не приезжали на метро. И пели его арии люди, которых для этого специально увечили. Кто решает, какая часть Генделя подлежит консервации, а какая нет? Аргументированно ответить на этот вопрос нельзя, если не смотреть такие спектакли, как богомоловский «Триумф».

Краше в гроб кладут

Последний кусок параллельного нарратива разворачивается уже в спокойном втором акте. Герои перестают переодеваться в платья, теперь на них одинаковые черные деловые костюмы, и они якобы монахи. Один из них (Удовольствие) влюблен в другого (Красоту) и пытается добиться расположения, а два других резонерствуют и отговаривают. Именно здесь происходит скандализировавший всех разговор о потоках спермы, которая изливается во имя Красоты — происходит только в титрах с либретто Сорокина, в то время как солисты продолжают петь о слезах невинных и зове Истины. Для чистоты эксперимента со скукой следовало бы эти слова в переводе и оставить – но тогда эксперимент стал бы совсем бесчеловечным, ибо текст Памфили невыносимо зануден; его не спасла бы даже музыка самых ярких арий Удовольствия, припасенных под конец — «Lascia la spina» (та самая, что перекочевала потом в «Ринальдо») и «Come nembo che fugge col vento».

Перевоспитанная Красота вновь подхватывает церебральный паралич и умирает с голоду перед подносом еды, не в силах управлять непослушными руками и ртом. Умирает как бы пафосно и символично, симметрично вынесенному на сцену скелету — символу земного тщеславия, высокопарному Vanitas — но при этом разворачивает КВН-овскую записочку «я хочу есть».

Для одной из последних арий Красоты на сцену выносят гроб. Взгляд на сцену говорит нам, что он пустой. В то же время на экранах, где мы привыкли за спектакль видеть изображение с расположенных по обе стороны сцены видеокамер, этот гроб показан с телом внутри; экранное тело в некоторый момент встает и убегает, гроб на сцене остается стоять: иллюзия простая, но эффектная. Смерть Красоты вообще оказывается полной иллюзией: финальную арию она поет очень бодро и на своих двоих. В версии Сорокина она и не заканчивается раскаянием — Красота принимает излияния своих поклонников, кем бы они ни были.

«Волнуйся подо мной, океан Любви».

Сцена из спектакля «Триумф времени и бесчувствия», фото Илья Долгих

Работа с формой

В пространстве Малой сцены спектаклю не тесно. Сценограф Лариса Ломакина построила на сцене восемь колонн, частично скрывающих происходящее. Взамен на боковые экраны транслируется изображение с камер: двух стационарных и двух ручных, с которыми операторы подходят к солистам вплотную; изображение на каждом экране свое (видеохудожник Илья Шагалов). Под потолком ослепительным белым светятся аршинные буквы титров. Уследить за всем сразу невозможно — приходится выбирать, то есть по сути режиссировать собственный спектакль. При этом взгляд то и дело приковывают костюмы, созданные модельером Александром Тереховым: они изысканны и вульгарны одновременно и идеально подходят певцам. Это эстетика за гранью мужественности и женственности, которая опять-таки ставит под вопрос отношение к бинарным гендерным дефинициям.

Музыкантам в спектакле тоже положена униформа, и она тоже далека от канонов: дирижер Филипп Чижевский одет в белый спортивный костюм, оркестранты — в черные куртки с капюшонами. «Мы делаем нетипичного Генделя» — хвастался Чижевский в интервью газете «Музыкальная жизнь». Нет, Гендель оказался вполне типичным качественным Генделем, и даже звучание арабского уда, добавленного в группу континуо, ничего к нему радикально не прибавило. А вот отказ от концертных платьев и смокингов — шаг того же уровня, что отказ от поездок в театр в конном экипаже и ужина в ложах: концентрация на музыке, а не на светских условностях вокруг нее. И это еще один триумф «Триумфа».

Екатерина БАБУРИНА

VI Международный фестиваль актуальной музыки «Другое пространство»: 28 ноября — 2 декабря 2018

С 28 ноября по 2 декабря в залах Московской филармонии пройдет VI Международный фестиваль «Другое пространство» – крупнейший в России форум современной музыки. Художественный руководитель фестиваля – дирижер Владимир Юровский. На протяжении пяти дней в Зале Чайковского и Камерном зале филармонии будут звучать сочинения второй половины ХХ века, уже ставшие классикой, и новейшая музыка отечественных и зарубежных авторов. Концерт-открытие посвящен мировым премьерам сочинений современных российских композиторов – Виктора Екимовского, Антона Сафронова, Бориса Филановского. В программе финального вечера – «Акустические пространства» Жерара Гризе, одна из ключевых партитур второй половины ХХ века; в ее исполнении участвуют альтист Максим Рысанов, ансамбль «Галерея актуальной музыки», ансамбль солистов «Студия новой музыки», Московский Ансамбль Современной Музыки и Государственный академический симфонический оркестр России имени Е.Ф. Светланова.

VI Международный фестиваль актуальной музыки «Другое пространство»

Фестиваль «Другое пространство» проводится Московской филармонией с 2009 года. Главная его цель – познакомить слушателей с шедеврами ХХ века и представить музыку, которая создается сегодня. В отличие от «Московской осени» и «Московского форума», в течение многих лет успешно решающих эту задачу, «Другое пространство» сразу ориентировалось на широкую публику – постоянных посетителей филармонических концертов. В 2014 году художественным руководителем фестиваля стал дирижер Владимир Юровский. Он сформировал программы IV «Другого пространства» и концепцию послеконцертных встреч, где слушатели могут побеседовать с музыкантами. Продолжением этой линии стал V фестиваль, в афише которого было еще больше шедевров и премьер; исполнения Симфонии Берио, «Групп» Штокхаузена и оперы-оратории «Эль Ниньо» Адамса стали крупнейшими событиями российской музыкальной жизни. Важная составляющая нынешнего форума – Всероссийский конкурс сочинений молодых композиторов для симфонического оркестра «Другое пространство». Сочинения его победителей и полуфиналистов уже исполняются ведущими коллективами России, а также прозвучат на одном из концертов фестиваля; конкурс проводится при поддержке Фонда президентских грантов.

Главные события форума состоятся в Концертном зале имени Чайковского; среди них – три симфонические программы Госоркестра России имени Светланова под управлением Владимира Юровского. Герои концерта-открытия 28 ноября – современные российские композиторы, написавшие по новому сочинению специально для «Другого пространства». Антон Сафронов и Борис Филановский, в свое время стоявшие у истоков группы «Сопротивление Материала», познакомят публику с сочинениями «Воображаемый моно-театр Владимира Маяковского» для женского голоса и оркестра и «Пропéвень о Прóросли Мирóвой» для ансамбля солистов, хора и оркестра. Тремя именами будет представлена Ассоциация современной музыки (АСМ): в первый вечер впервые прозвучит итоговое сочинение Виктора Екимовского «Девятая симфония. Эпитафия авангарду», во второй – Четыре постлюдии для симфонического оркестра Дмитрия Капырина. Еще один яркий представитель АСМ, Фарадж Караев, – также среди героев концерта 29 ноября. К 75-летию композитора будет исполнен его Концерт для оркестра и скрипки соло; он написан для знаменитой скрипачки Патриции Копачинской, которая и сыграет его на фестивале. В программе также «Семь хайку» для фортепиано с оркестром Оливье Мессиана (солист Михаил Дубов) и сочинения лауреатов конкурса композиторов «Другое пространство» Евгении Бриль и Алексея Ретинского.

2 декабря впервые в России прозвучат «Акустические пространства» Жерара Гризе, яркого представителя «спектральной школы». Исполнение этого грандиозного цикла обещает стать не менее крупным событием, чем российская премьера «Групп» Штокхаузена: тогда на сцене были три оркестра, теперь оркестр – один, зато ансамблей – целых три. Помимо альтиста Максима Рысанова и Госоркестра с Владимиром Юровским, в концерте участвуют ансамбль «Галерея актуальной музыки» (дирижер Олег Пайбердин), ансамбль солистов «Студия новой музыки» (дирижер Игорь Дронов), Московский Ансамбль Современной Музыки (дирижер Федор Леднев). Эта программа – яркий финальный аккорд фестиваля.

Среди других событий VI «Другого пространства» – концерт берлинского коллектива Ensemble United Berlin, также под управлением Владимира Юровского; в программе – российские премьеры сочинений Клода Вивье, Георга Катцера, Брюно Мантовани и Фаусто Ромителли. Он состоится 30 ноября, а 1 декабря ансамбль солистов «Академия старинной музыки» и Большой детский хор имени Виктора Попова представят еще одну мировую премьеру фестиваля – «Рождественскую музыку» для детского хора, камерного оркестра и органа Владимира Мартынова. В концертах форума также участвуют камерные ансамбли, специализирующиеся на исполнении современной музыки: «Лаборатория новой музыки», Percarus Duo и другие. В исполнении Госоркестра прозвучит еще одна мировая премьера: Face (Немая опера) Ольги Бочихиной – мультимедийный проект для инструментальных, электроакустических звуков и видеопроекции. Основная площадка фестиваля – Концертный зал имени Чайковского, ряд концертов пройдет также в Камерном зале Московской филармонии.

Программа VI Международного фестиваля актуальной музыки «Другое пространство»

28 ноября, 19:00
Открытие фестиваля
Госоркестр России имени Е.Ф. Светланова
Дирижер – Владимир ЮРОВСКИЙ
Камерный хор Московской консерватории
Художественный руководитель – Александр СОЛОВЬЕВ
Ансамбль QUESTA MUSICA
Художественный руководитель – Филипп ЧИЖЕВСКИЙ
Солисты: Александра ЛЮБЧАНСКАЯ (сопрано), Владислав ПЕСИН (скрипка), Сергей ЧИРКОВ (аккордеон)
Мировые премьеры сочинений
В. Екимовский – «Девятая симфония. Эпитафия авангарду»
А. Сафронов – «Воображаемый моно-театр Владимира Маяковского» для женского голоса и оркестра
Б. Филановский – «Пропéвень о Прóросли Мирóвой» на тексты П. Филонова для ансамбля солистов, хора и оркестра

28 ноября, 22:00
Госоркестр России имени Е.Ф. Светланова
Ансамбль QUESTA MUSICA
Дирижёр – Филипп ЧИЖЕВСКИЙ
О. Бочихина – Face (Немая опера) – мультимедийный проект для инструментальных, электроакустических звуков и видеопроекции (Мировая премьера)

29 ноября, 19:00
Госоркестр России имени Е.Ф. Светланова
Дирижер – Владимир ЮРОВСКИЙ
Солисты: Патриция КОПАЧИНСКАЯ (скрипка), Михаил ДУБОВ (фортепиано)
Д. Капырин – Четыре постлюдии для симфонического оркестра
Ф. Караев – Концерт для оркестра и скрипки соло
О. Мессиан – Семь хайку (Sept haïkaï) для фортепиано с оркестром

Сочинения лауреатов конкурса композиторов «Другое пространство»:

Е. Бриль – Agnus Dei для большого симфонического оркестра (премьера)
А. Ретинский – De profundis для большого симфонического оркестра (премьера)

29 ноября, 22:00
Ансамбль солистов «ЛАБОРАТОРИЯ НОВОЙ МУЗЫКИ»
Художественный руководитель – Сергей ШЕБАЛИН
С. Райх – Видео-опера «Три истории» (Московская премьера)

30 ноября, 17:00, КЗМФ, 17:00
Маттиас БАУЭР (контрабас, вокал) /Германия/, Андре БАРТЕЦКИ (электроника) /Германия/
Г. Катцер – L’homme machine для контрабаса, голоса и электроники

30 ноября, 19:00
ENSEMBLE UNITED BERLIN /Германия/
Дирижер – Владимир ЮРОВСКИЙ
Солисты: Александра ЛЮБЧАНСКАЯ (сопрано), Кристоф ЭНЦЕЛЬ (саксофон) /Германия/
К. Вивье – Bouchara
Г. Катцер – Szene für Kammerensemble («Сцена для камерного ансамбля»)
Б. Мантовани – Troisième Round («Третий раунд»)
Ф. Ромителли – Lost

30 ноября, 22:00
Мультимедийное перкуссионное шоу «The Pulse of Ancient Times» («Пульс древности»)
PERCARUS DUO: Владимир ТЕРЕХОВ и Михаил ПУТКОВ

1 декабря, 15:00, КЗМФ
«Game: Москва – Берлин»
ГАМ-Ансамбль /Ансамбль «Галерея актуальной музыки»
Художественный руководитель – Олег ПАЙБЕРДИН
О. Пайбердин – «Между танцем» для флейты, саксофона, скрипки, виолончели и фортепиано
Г. Бергер – Link для альтового саксофона и live-электроники
А. Брайер – «Три песни» для фортепиано соло
О. Раева – Schmetterling («Бабочка») для скрипки соло
Н. Попов – SynchroSynth для фортепиано, электроники и видео
Х. Цапф – Articolazione e tempo для флейты соло
О. Гудачев – «Темный собор» для пяти исполнителей, электроники и видео

1 декабря, 19:00
В. Мартынов – «Рождественская музыка» для детского хора, камерного оркестра и органа (Мировая премьера)
Ансамбль солистов «АКАДЕМИЯ СТАРИННОЙ МУЗЫКИ» Московской филармонии
Художественный руководитель и солистка – Татьяна ГРИНДЕНКО (скрипка)
Большой детский хор Российской государственной радиовещательной компании «Голос России» имени Виктора Попова
Художественный руководитель – Анатолий КИСЛЯКОВ

1 декабря, 22:00
С. тен Хольт – Incantation IV («Заклинание» IV) для четырех роялей
Солисты: Алексей ЛЮБИМОВ (фортепиано), Йерун ван ВЕН (фортепиано), Алексей ЗУЕВ (фортепиано), Владимир ИВАНОВ-РАКИЕВСКИЙ (фортепиано)

2 декабря, КЗМФ, 16:00
Московский Ансамбль Современной Музыки (МАСМ)
Михаил ДУБОВ (фортепиано), Иван БУШУЕВ (пикколо/флейта/альтовая, басовая флейта), Олег ТАНЦОВ (кларнет/бас кларнет), Владислав ПЕСИН (скрипка), Сергей ПОЛТАВСКИЙ (альт), Илья РУБИНШТЕЙН (виолончель)
Ж. Гризе – «Vortex Temporum» – для фортепиано и ансамбля

2 декабря, 19:00
Закрытие фестиваля
Ж. Гризе – Espaces Acoustiques («Акустические пространства»)
Максим РЫСАНОВ (альт)
Госоркестр России имени Е.Ф. Светланова
Дирижер – Владимир ЮРОВСКИЙ
ГАМ-АНСАМБЛЬ / Ансамбль «Галерея актуальной музыки»
Дирижер – Олег ПАЙБЕРДИН
Ансамбль солистов «СТУДИЯ НОВОЙ МУЗЫКИ»
Дирижер – Игорь ДРОНОВ
Московский ансамбль современной музыки (МАСМ)
Дирижер – Федор ЛЕДНЕВ

Опера Томаса Морса «Фрау Шиндлер»: премьера в МАМТе

Московский академический музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко представляет 14 и 16 ноября 2018 российскую премьеру оперы современного американского композитора Томаса Морса «Фрау Шиндлер».

Либретто — Томас Морс и Кеннет Кэзан; русский текст Владимира Аленикова. Музыкальный руководитель и дирижер-постановщик — Тимур Зангиев. Режиссер-постановщик — Владимир Алеников. Художник-постановщик — Семен Пастух. Хореограф-постановщик — Егор Дружинин.

Мировая премьера оперы состоялась 9 марта 2017 года в Государственном театре на Гертнер-плац, Мюнхен.

Опера Томаса Морса, вдохновленная легендарным фильмом Стивена Спилберга “Cписок Шиндлера”, рассказывает историю Эмилии Шиндлер, жены Оскара Шиндлера, помогавшей мужу в спасении более 1000 евреев во время Второй мировой войны. “Фрау Шиндлер” – рассказ о героизме женщины и жажде жизни в один из самых мрачных периодов человеческой истории.

Опера написана по заказу мюнхенского Staatstheater am Gärtnerplatz. Американский композитор Томас Морс 10 лет занимался исследованием темы и 3 года практически вел жизнь затворника, работая над партитурой. “Это огромная ответственность, – говорит Морс. – Я каждый день спрашивал себя, имею ли я право касаться столь серьезной темы? История Эмилии Шиндлер скорее психологическая, чем историческая, и это дает нам возможность лучше понять людей того времени, почувствовать, как они воспринимали страшный ход окружающих их вещей”.

Томас МОРС

Томас Морс известен прежде всего как композитор, написавший большое количество музыки к кинофильмам: «Человек, которого заставили убивать» (реж. Рассел Солберг), «Девушка из долины динозавров» (реж. Дональд Глут), «Рождественский путь» (реж. Бернард Зальцманн), сериалу «Удивительная Гонка» и многим другим. Среди его работ стоит выделить музыку к фильму «Сестры» (реж. Артур Аллан Сайделман) по мотивам пьесы А.П. Чехова «Три сестры».

Среди других его работ – альбом современной музыки для оркестра «Kounterpoint», альбом сочетающий академическую музыку со стилистикой рока «Code Novus».

«Фрау Шиндлер» – первый опыт композитора в жанре оперы.

Камерная сцена им. Б.А. Покровского ищет теноров

Объявлен конкурс на замещение вакантных должностей артистов хора Камерной сцены им. Б.А. Покровского. Принять участие в конкурсе приглашаются ТЕНОРЫ.

Запись по телефонам: +7 (495) 781-2297, +7 (495) 781-2251.

Внутренние телефоны: 18-51, 13-76 (канцелярия хора).

Источник публикации ГАБТ

«Всероссийский виртуальный концертный зал» добрался до Архангельска

«Всероссийский виртуальный концертный зал» – федеральный проект дошел и до Архангельска. Архангельский театр драмы представит первый показ 29 октября в 19.00. Это будет концерт Академического симфонического оркестра Московской филармонии «Легенды Севера», в рамках которого прозвучат Сюита № 1 из музыки к драме Г. Ибсена «Пер Гюнт» и Концерт для фортепиано с оркестром Эдварда Грига, фрагменты из оперы Рихарда Вагнера «Тристан и Изольда», а также «Грустный вальс» Сибелиуса.

Сергей Самодов, директор театра: «Это еще одна возможность для архангелогородцев услышать классические произведения в исполнении ведущих симфонических оркестров. Однако программа не будет ограничена исключительно концертами: в дальнейшем мы планируем транслировать и спектакли. После открытия виртуального зала мы сможем детально распланировать его программу на сезон вперед. Участие в федеральном проекте при региональной поддержке позволила нашему театру обновить постановочное оборудование – приобрести новый проектор»

Всероссийский виртуальный концертный зал, открытый 29 ноября 2014 года, – это специальный социальный проект Министерства культуры России, призванный создать единое культурно-музыкальное пространство и расширить слушательскую аудиторию. Виртуальный концертный зал вывел на новый коммуникативный уровень продвижение академического музыкального искусства. Этот проект позволяет слушать концерты в исполнении известных российских коллективов и солистов во всех регионах России в режиме онлайн. Специально оборудованные залы оснащены высокопрофессиональной современной техникой и позволяют сохранить чистоту и качество звука, создавая эффект присутствия на филармонических концертах слушателей в регионах. Министр культуры Российской Федерации Владимир Мединский назвал создание Виртуального концертного зала «прорывом в будущее». «Музыка всегда объединяла людей. И информационные технологии помогают этому творческому единению», – сказал министр на открытии этого проекта. К проекту Виртуального концертного зала уже присоединились более 100 городов России.

Начо Дуато возвращается в Михайловский театр

В Михайловском опять сенсация. На пост художественного руководителя балета театра возвращается всемирно известный испанский хореограф Начо Дуато. На этот пост его вновь пригласил худрук Михайловского Владимир Кехман. Приглашение последовало по окончании контракта в Германии, где один из самых известных хореографов современности в течение трех лет работал интендантом Государственного балета Берлина. К выполнению своих обязанностей Начо Дуато приступит в феврале будущего года. Перед вступлением в должность он дал эксклюзивное интервью «МК».

Дуато уже занимал пост худрука балета Михайловского, став в 2011 году первым более чем за 100 лет иностранцем (до него такой прецедент был в XIX веке с французскими хореографами Артуром Сен-Леоном и Мариусом Петипа), возглавившим труппу российского театра. За три года работы (с 2011 по 2014 гг.) Дуато не только перенес в Михайловский театр свои созданные ранее шедевры, но и специально для балетной труппы этого театра поставил ряд получивших признание современных балетов — «Прелюдия», Nunc Dimittis, «Невидимое». Возглавляя одну из престижнейших классических компаний Санкт-Петербурга, Дуато занимался и классикой, создав для Михайловского театра собственные постановки таких балетов, как «Спящая красавица» и «Щелкунчик». Но и после того, как в 2014-м хореограф принял приглашение стать руководителем Государственного балета Берлина, связей с труппой он не терял, оставаясь здесь приглашенным хореографом.

— Начо, почему вы приняли предложение вернуться в Россию, в Михайловский театр, где уже работали?

— Действительно, я возвращаюсь в Санкт-Петербург. Здесь идет несколько моих балетов, в том числе полноформатные. Это «Ромео и Джульетта», «Спящая красавица», «Щелкунчик», «Многогранность. Формы тишины и пустоты». За ними нужно следить, поддерживать их форму и состояние. А главное, после Берлина я особенно оценил Санкт-Петербург, мне приходили мысли, что, может быть, я напрасно его покинул.

Из досье «МК»: карьеру танцовщика будущий классик начал в шведском балете Биргит Кульберг, после того как прошел обучение в школе «Балета Рамбер» (Лондон), в «Мудре» у великого Мориса Бежара, а также в Нью-Йорке в школе при Театре танца Алвина Эйли. Через год испанский танцовщик присоединился к Нидерландскому театру танца (NDT) под руководством Иржи Килиана, где с 1988 года вместе с Килианом и Хансом ван Маненом уже работал как хореограф. С 1990 года, непосредственно после Майи Плисецкой, принял руководство в Национальном балете Испании, где на протяжении 20 лет создавал уникальный репертуар, вошедший сегодня в сокровищницу мировой хореографической культуры. Такие его балеты, как «Многогранность. Формы тишины и пустоты» на музыку Баха, «В лесу», «Без слов», «Дуэнде», «Ромео и Джульетта» на музыку Прокофьева (все эти балеты сегодня входят в репертуар Михайловского театра) известны во всем мире. Как приглашенный хореограф сотрудничал с крупнейшими балетными труппами мира, поставив спектакли в Парижской опере, Ла Скала, английском Королевском балете, Американском балетном театре и многих других.

— Что станет первой работой здесь после возвращения?

— Это будет «Баядерка», премьера планируется в октябре 2019 года. Далее хотелось бы выпускать по одному собственному спектаклю в сезон, и еще я планирую приглашать на постановки новых интересных хореографов, которые пока в этом театре не работали. Назову лишь несколько имен, возможно, это будет кто-то из них: Охад Нахарин, Хофеш Шехтер, Кристал Пайт.

— Ставку вы хотите делать на большие форматные балеты или на одноактные? Что больше любят зрители?

— Публике очень нравятся большие сюжетные спектакли. Но вот буквально вчера на сцене Михайловского театра шел вечер моих одноактных балетов. Это были «В лесу», «Прелюдия», «Белая тьма». Я был поражен той теплотой, с которой их принимала публика. И еще очень тронуло отношение артистов — они не скрывают удовольствия и радости, что могут это танцевать. Если это нравится публике, нравится артистам — почему бы не сделать что-то еще, не подготовить несколько вечеров из разных одноактных балетов? Это важно для артистов, они ценят возможность танцевать спектакли, сделанные в разных стилях, разной эстетике. Это важно и для театра, для его имиджа: новые постановки привлекают новую публику, в том числе молодую.

— Вопрос об артистах: в каком состоянии вы нашли балетную труппу, с которой уже работали?

— В лучшем, чем то, которое я застал, когда был здесь. Возможно, за время моего отсутствия мои балеты несколько утратили свежесть и какие-то стилистические особенности, ну, то, что называется «Дуато стайл» (улыбается). Но танцовщицы и танцовщики великолепны. И сам театр преобразился: обновленные зал, фасады, новый балетный пол в репетиционных залах и на сцене, даже новый артистический буфет — театр развивается. Я сразу почувствовал: здесь все движется вперед.

— Что-то уже успели посмотреть?

— Из балетов на сцене в эти дни был только «Спартак», я видел репетиции. Остаться на спектакль не получилось, потому что в тот вечер нужно было посмотреть выступление Канадского балета, который гастролировал в Петербурге, работал в Мариинском театре.

— Есть желание усилить труппу приглашенными артистами? Может быть, пригласите кого-то из Европы?

— Посмотрим. Очень хорошо, что в Михайловский театр регулярно приезжает и танцует замечательная Полина Семионова, мне бы хотелось, чтобы и дальше так было. Не так много балерин такого уровня я знаю.

— Получается, что в профессиональной жизни Начо Дуато будет два российских периода. В чем, по вашим ощущениям, между ними разница?

— Есть разница. Тогда все было неизвестно для меня, я входил в совершенно новую для себя жизнь. Театр, люди, которые здесь работают, публика — со всем надо было знакомиться с чистого листа. Потом мне всего этого не хватало, я должен прямо об этом сказать. Поэтому вернуться — это очень волнительно и приятно. Я возвращаюсь туда, где все знаю и где за время моего отсутствия стало только лучше.

— Где вы будете жить в Петербурге? В отеле?

— Нет, только не в отеле. Там очень обезличенная среда, там можно провести максимум неделю или две. Я предпочел бы квартиру, какие-нибудь небольшие апартаменты. Конечно, я буду периодически уезжать, у меня есть проекты в самых разных балетных компаниях, которые будут требовать моего присутствия, но тем важнее возвращаться в собственное пространство. И моим приоритетом, безусловно, будет Михайловский театр.

— Остались здесь друзья, с которыми вы с удовольствием встретились?

— Я всегда вел достаточно обособленную жизнь, так было в Мадриде, в Берлине, везде. Я самодостаточный человек, я люблю читать, люблю живопись. Я не очень люблю появляться в обществе, мне хорошо с самим собой. Мой основной круг общения — люди в театре.

«Севильский цирюльник» Россини — премьера в Большом театре

3 ноября 2018 в Государственном академическом Большом театре России — премьера оперы Джоакино Россини «Севильский цирюльник». Дирижер-постановщик — Пьер Джорджо Моранди. Режиссер-постановщик — Евгений Писарев. Сценограф — Зиновий Марголин. Художник по костюмам — Ольга Шаишмелашвили. Художник по свету — Дамир Исмагилов. Хореограф — Албертc Альбертс. Главный хормейстер — Валерий Борисов. Премьерные спектакли состоятся также 4, 6, 7 и 8 ноября.

Самая знаменитая опера Джоаккино Россини «Севильский цирюльник» вновь на сцене Большого театра. В начале XX века в этом спектакле блистал Федор Шаляпин, сегодня столичная публика услышит легендарные партии и дуэты в исполнении ведущих солистов оперной труппы Большого театра. В спектакле используются принципы «площадного» театра, немного грубого, простого до кажущейся примитивности, но вместе с тем абсолютно правдивого, шутовского, ведь именно шуты говорят правду откровенно и неприкрыто.

На Санкт-Петербургском культурном форуме обсудят популяризацию новой номинации «духовые инструменты» XVI Международного конкурса имени П. И. Чайковского

В рамках Форума 17 ноября в Санкт-Петербургской капелле духовики всей России под председательством О.Ю. Голодец обсудят план мероприятий Ассоциации «Духовое общество» имени Валерия Халилова на 2019 год, программу популяризации номинации «Духовые инструменты» XVI Международного конкурса имени П.И. Чайковского и познакомятся с вновь созданными духовыми инструментами отечественного производства.

17 ноября в Государственной академической капелле Санкт-Петербурга состоится пленарное заседание «Социально-значимое искусство. Духовая музыка». К участию в мероприятии приглашены Заместитель Председателя Правительства Российской Федерации О. Ю. Голодец, народный  артист Российской Федерации, выдающийся саксофонист И. М. Бутман, трубач, лауреат премии Президента Российской Федерации для молодых деятелей культуры В. М. Лаврик и многие другие выдающиеся деятели музыкальной культуры, руководители региональных органов управления культуры. Модератором дискуссии выступит Михаил Брызгалов, президент Ассоциации «Духовое общество» имени Валерия Халилова, генеральный директор Российского национального музея музыки, заслуженный деятель искусств Российской Федерации.

Один из главных вопросов на повестке – популяризация новой номинации «Духовые инструменты», впервые с 1958 года включенной в программу Международного конкурса имени П.И. Чайковского. На Форуме также обсудят вопросы, связанные с подготовкой плана мероприятий по линии Ассоциации «Духовое общество» имени Валерия Халилова на 2019 год и проведением творческих смен-фестивалей лучших детских духовых оркестров России в лучших детских центрах России – МДЦ «Артек», ВДЦ «Океан», ВДЦ «Орленок».

Важная часть пленарного заседания будет посвящена стратегии развития промышленности музыкальных инструментов и звукового оборудования на период до 2030 года, в частности будут представлены духовые музыкальные инструменты, созданные отечественными производителями. Президент Ассоциации «Духовое общество» имени Валерия Халилова Михаил Брызгалов поделился: «Сегодня мы активно работаем с нашими коллегами из Минпромторга над таким вопросом, как создание российских духовых инструментов – это очень важно, ведь отечественное производство не работает уже несколько десятилетий. Мы же заинтересованы в том, чтобы возродить российское производство и чтобы со временем отечественные инструменты встали в один ряд по качеству с лучшими мировыми производителями».

Директор Свердловской филармонии —о конфликте вокруг строительства нового концертного зала

Директор филармонии Александр Колотурский впервые прокомментировал конфликт, связанный со строительством нового концертного зала в Екатеринбурге.

— Почему отменили сегодняшнюю встречу, где должны были презентовать новый зал филармонии?

— Как я рад, что СМИ начали обращать внимание на работу «Лиги друзей филармонии», которая существует уже с 1999 года, и ни разу в жизни никто не интересовался ею. То, что мы хотели провести — это плановая встреча с членами лиги.

— Но я вот тоже член лиги, а меня не пригласили…

— Это не пожизненное звание. Это наша вина, что мы не проконтролировали, чтобы все были знакомы с положением о членстве в лиге. Мы эту встречу назначили две недели назад и позвали действующих членов лиги. Хотели поговорить о планах, а не только о зале. Нам начали писать: «Почему вы нас не пускаете на общественные слушания?». Какие же это общественные слушания! Это плановая работа с членами лиги друзей филармонии. Почему-то СМИ, блогеры и жильцы дома, и люди, которые к нам совсем не ходят, изъявили желание прийти. Понятное дело, что этих людей волнует совершенно другая тема. И когда мы увидели, какой раздувается скандал, в каком свете выставляют нас, мы решили с ветряными мельницами не бороться. Мы не отвечаем ни за выделенный участок, ни за снос дома, ни за строительство. Это какой-то черный пиар вокруг нас, мы это так между собой называем.

— Почему вы заняли закрытую позицию, ведь копья в вас летят?

— Я не имею права говорить! Это не мы делаем: мы что, конкурс проводили? Мы что, строить будем? Или мы оформляли земельный участок? Почему мы должны отвечать, объясните мне? Я не имею права говорить за других. Я нанятый работник. Никто мне не давал права говорить за учредителей и за правительство области.

— Я правильно понимаю, что вы придерживаетесь позиции: новый зал — это подарок филармонии?

— Да. Подарок от людей, которые своим интересом пролоббировали в обществе идею, что Екатеринбургу нужен зал мирового уровня, если столица Урала хочет соответствовать масштабным целям: Экспо 2025, Иннопром, чемпионат мира по футболу. По всем мировым правилам, концертные залы — это инфраструктурный приоритет города. И они всегда строятся в самом центре, престижном месте. Примеров тысяча. Возьмите Кельн, где построили зал возле знаменитого собора, где ничего нет, и они вынуждены были уйти под землю. Поэтому, когда возник вопрос о новом концертном зале, и правительство области приняло решение, то тогда и определились с территорией для него. Филармония здесь конечно не выступает в роли получателя подарка. Мы надеемся, что мы будем эксплуатировать этот зал, потому что будет строится единый комплекс. Поймите, это не один концертный зал, а это комплекс, состоящий из четырех залов.

— Место для строительства кто выбирал?

— Место не мы выбирали. Этим занималась архитектурная общественность — союз архитекторов России. Поэтому мы не считаем себя виновными или первопричиной. У нас самих в этом доме пять квартир. И еще неизвестно, что с этими квартирами будет, потому что они государству принадлежат, а не нам.

— Но было же много вариантов, где можно было построить новый зал филармонии?

— За двенадцать лет поиска было пересмотрено большое количество земельных участков под строительство. Двенадцать лет шла работа с тремя губернаторами, менялись председатели правительства. Приезжал к нам по этому вопросу известный архитектор из Германии. Он вместе с нашими архитекторами весь город тогда обошел, выбрал три-четыре места, которые лучше всего могли подойти под концепцию концертного зала. Мы их подавали на одобрение города. Но нам под разными соусами на это отвечали — нет.

— Какие были варианты?

— Начиная с акватории городского пруда и набережной, заканчивая местом за Макаровским мостом на берегу и на акватории тоже. Были места в центре. И на улице Горького, и на Куйбышева, и даже возле Дворца спорта. Но выбор места рядом с действующей филармонией связан, во-первых, с центральным положением. Это место для горожан удобно и привычно и дат возможность создать единый концертный комплекс. Во-вторых — это расположение удобно с экономической и управленческой точки зрения. Если построить в разных местах, то надо менять логистику в филармонии. В-третьих — это исторические параллели. Парк Вайнера был клубным садом. Место, где сейчас находится учебный театр, принадлежало общественному собранию. И позже рядом никакого пятиэтажного дома не было, он появился в 50-е годы.

Сад Вайнера. Фото Яромир Романов / https://www.znak.com

Все кричат по поводу сада Вайнера. Это ведь тоже воспоминания 60-х годов. Тогда действительно на этом месте был парк, там была площадка, на которой до революции проходили концерты. Потом там была танцплощадка. Все ностальгируют по этому парку. А кто-нибудь был там в последние годы? Видели, сколько эти тополя дают пуха, какая там грязь, мусор, пьяницы…? Кто занимается парком? Никто! Кто-то его обслуживает? Нет. Заставили город сделать этот проект реконструкции парка, но его же эксплуатировать нельзя. И все опять кричат. Вот сейчас в Варшаве делают сад музыки, так и мы то же самое сделаем из сада Вайнера. Это будет ухоженная, организованная территория.

— Ну вы же понимаете, что несмотря на озвученные плюсы проекта, скандала по поводу сноса дома вам не избежать?

— Главная позиция всех, кто сейчас этим вопросом занимается — сделать лучше людям. Я уверен, что сейчас начнут предлагать жителям дома варианты выкупа, нормальные условия. Просто очень рано стали волну поднимать. Вот жильцы сейчас говорят: «С нами никто не разговаривал!». Ну правильно, еще не было понятно, кто, как и за какие деньги входит в этот проект. Идет же процесс! Поймите, никто их не бросит, никто по ним трактором не проедет.

— Буквально накануне были импровизированные слушания по проекту в рамках «Умной среды», и публика разделилась на два лагеря: не сносить дом, сносить ради проекта Захи Хадид в Екатеринбурге. Как получилось, что именно это бюро?

— В начале года вышло распоряжение губернатора на проведение конкурса на архитектурно-планировочную концепцию концертного зала. Было утверждено положение о конкурсе и о составе жюри. В него вошли архитекторы Москвы, Санкт-Петербурга, специалисты по акустике, чиновники и я вместе с пианистом Денисом Мацуевым и главным дирижером Дмитрием Лиссом. Минстрой, который занимался этим конкурсом, отправил всем мировым архитектурным бюро предложение поучаствовать. На первом этапе они получили 47 заявок. Важным критерием отбора был их опыт в строительстве подобных залов. Из них жюри, в темную, без всяких собраний, выбрало по электронной почте 10 бюро, из них девять зарубежных и одно из Екатеринбурга. Дали им три месяца на разработку концепции зала. В это время двое отсеялись: бюро из Китая и Италии. И потом жюри расставило баллы проектам, не зная их авторства. Первое место занял проект проекта бюро Захи Хадид, второе место — итальянско-японский архитекторы, третье — венгры. Они все получат свои призовые, согласно положению конкурса. И на этом этап конкурса заканчивается. А сейчас наступает второй этап — разработка проектно-сметной документации, прохождение государственной экспертизы. Этим будет заниматься областной минстрой.

— Когда начнется стройка?

— По моим подсчетам через полтора, два года.

X Международный фестиваль виолончельной музыки VIVACELLO

VIVACELLO – единственный фестиваль в России, посвященный виолончельной музыке. Фестиваль возник благодаря инициативе известного виолончелиста, заслуженного артиста России Бориса Андрианова и поддержке культурно-благотворительного фонда Иветы и Тамаза Манашеровых «U-Art: Ты и искусство» и в этом году празднует десятилетие. В рамках фестиваля в Москве каждую осень проходят яркие события, связанные с виолончелью: концерты камерной и симфонической музыки, инсталляции, кроссовер-проекты, театральные постановки, мастер-классы.

Ежегодно фестиваль знакомит слушателей с новой музыкой, в том числе написанной специально по заказу VIVACELLO. В прежние годы на фестивале состоялись мировые и российские премьеры сочинений Джованни Соллимы, Родиона Щедрина, Алексея Рыбникова, Вангелиса, Антони Жирара, Ефрема Подгайца, Павла Карманова, Александра Розенблата, Ришара Дюбюньона, Майкла Беркли, Анны Друбич, Роберто Молинелли. Главная премьера нынешнего форума – новое сочинение Гии Канчели «Т – SD» для виолончели с оркестром, написанное для Бориса Андрианова. Оно прозвучит в программе концерта-открытия фестиваля. За дирижерский пульт оркестра «Новая Россия» встанет грузинский маэстро Николоз Рачвели, которого с автором музыки связывают давние и тесные творческие отношения: дирижер неоднократно становился первым исполнителем музыки Канчели и записал некоторые его произведения на СD.

Участниками прошедших фестивалей были Берлинский и Венский камерные оркестры, камерный оркестр «Виртуозы Москвы», ансамбли «Солисты Москвы» и Solisti Di Pavia, Давид Герингас, Юрий Башмет, Наталия Гутман, Миша Майский, Александр Князев, Стивен Иссерлис, Джованни Соллима, Александр Рудин, Иван Монигетти, Йенс Петер Майнц, Энрико Диндо, Юлиан Рахлин, Сергей Накаряков, Борис Бровцын, Илья Грингольц и его квартет, Штефан Владар и другие выдающиеся исполнители.

Программа юбилейного X VIVACELLO не менее насыщенна, в ней обращения к знаковым событиям собственной истории соседствуют с премьерами, а к старым друзьям фестиваля добавятся новоприобретенные.

На открытии фестиваля 11 ноября в Большом зале МКЗ «Зарядье» наряду с мировой премьерой пьесы Канчели меломанов ждет российская премьера Концерта для виолончели с оркестром, написанного для Давида Герингаса итальянским композитором Сильвией Коласанти. Откроет программу вечера «Танец-фантазия» для симфонического оркестра Бидзины Квернадзе. Во втором отделении состоится выступление Фестивального оркестра виолончелистов. В 2008 году на фестивале «Памяти Мстислава Ростроповича», ставшем провозвестником VIVACELLO, всемирно известный виолончелист и педагог Давид Герингас собрал под своим крылом оркестр, состоящий из одних виолончелей, чтобы исполнить музыку Щедрина, Чайковского и Вила-Лобоса. На открытии Х фестиваля маэстро вновь возглавит виолончельный оркестр, который исполнит оригинальные произведения и аранжировки для ансамбля виолончелей.

14 ноября в Концертном зале Чайковского пройдет вечер камерной музыки, в программу которого вошли популярные произведения, уже звучавшие на прежних фестивалях, – первое «Элегическое трио» Рахманинова, Второй квартет Аренского и Квинтет до мажор Шуберта. В исполнении примет участие звездный состав музыкантов: Кристоф Барати, (скрипка, Венгрия), Борис Бровцын (скрипка), Максим Рысанов (альт), Борис Андрианов (виолончель), Данжуло Ишизака (виолончель, Германия) и Филипп Копачевский (фортепиано).

17 ноября, как и год назад, поклонников фестиваля ждут в Мультимедиа Арт Музее на Остоженке. На этой сцене впервые в России выступит дуэт из Германии deep strings. Виолончелист Штефан Браун ранее уже принимал участие  в программах фестиваля, а его супруге Анне-Кристин Шварц (виолончель/вокал) предстоит появиться на Vivacello впервые. Артисты предложат московской публике эксклюзивный репертуар из собственных композиций и оригинальных переработок известной музыки прошлого и настоящего.

21 ноября в Малом зале МКЗ «Зарядье» будет представлена программа из сочинений, имеющих один первоисточник – виолончельные сюиты Баха. Прелюдии ко всем шести сюитам, а также вдохновленные сюитами «Бах-вариации» литовского композитора Миндаугаса Урбайтиса уже исполнялись на II фестивале VIVACELLO. На этот раз они будут дополнены джазовыми вариациями на баховские темы Леонида Винцкевича. В «баховском марафоне» примут участие виолончелисты Борис Андрианов, Анна Кошкина, Эдгар Моро (Франция), Александр Рамм, Василий Степанов, а также Николай Винцкевич (саксофон) и Леонид Винцкевич (фортепиано).

Закроется фестиваль 23 ноября в Концертном зале им. П.И. Чайковского исполнением двух крупных сочинений – «Тройного концерта» Бетховена (солисты – пианист Алексей Володин, австрийский скрипач Юлиан Рахлин и французский виолончелист Эдгар Моро) и симфонической поэмы «Дон Кихот» Рихарда Штрауса (солисты – канадская альтистка Сара Макелрави и Борис Андрианов). Место за дирижерским пультом Российского национального оркестра займут по очереди Дмитрий Юровский и Юлиан Рахлин, которому в этот вечер предстоит выступить в двух ипостасях – солиста и дирижера.

Также в рамках фестиваля традиционно пройдет образовательная VIVACELLO-Академия, включающая мастер-классы Давида Герингаса, Данжуло Ишизаки и Эдгара Моро в Московской консерватории. Кроме того, в этом году VIVACELLO впервые в истории выходит за пределы Москвы и даже России: в рамках специальной программы фестиваля состоятся концерты в Санкт-Петербурге и Тбилиси.

Илья Демуцкий: «Мне всегда интересно выходить за рамки»

Композитор, лауреат “Золотой маски” и Benois de la Danse Илья Демуцкий вписал свое имя в историю Большого театра двумя балетами: “Герой нашего времени” и “Нуреев” в постановке Кирилла Серебренникова. Сейчас маэстро работает над заказанной театром впервые за 15 лет оперой, а также готовится представить свое посвящение “Для Черного квадрата”. В качестве главного гостя на премьеру 25 ноября в Новой Третьяковке композитор “пригласил” первый вариант знаменитой картины Казимира Малевича, созданный в 1915 году.
В интервью ТАСС Демуцкий рассказал, как адаптировать творчество футуристов начала XX века к сегодняшнему дню, о работе для Большого театра и новых проектах с Серебренниковым.

— За сто лет о “Черном квадрате” Малевича звучали самые разные мнения: от обвинений в шарлатанстве до признания гениальности манифеста. Илья, а что для вас эта картина?

— Меня как раз и привлекает то, что она вызывает такие дискуссии — пожалуй, как ни одно другое произведение живописи.

И я рассматриваю свою оперу именно как оммаж, приношение этой картине, которая меня восхищает тем, что о ней говорят, ее обсуждают, понимают и не понимают, трактуют.

— Как родилась идея написать оперу “Для Черного квадрата”?

— Наша опера вдохновлена футуристической оперой “Победа над Солнцем”, которая была написана в 1913 году Матюшиным и Кручёных. В декорациях к той постановке у Малевича уже появляется идея “Черного квадрата”. Только спустя два года он, может, как-то сложив в своей голове определенную философскую концепцию, создает свой известный холст.

Мы вдохновлены не музыкальной частью оперы, она почти не сохранилась, а либретто. Изначально мы планировали сделать адаптированный перевод с русского на английский и поставить этот проект в Штатах. Но в процессе работы поняли, что надо сделать сюжет более считываемым для современного слушателя, ввести какой-то элемент энтертейнмента. Мой музыкальный язык совершенно другой, а значит, надо было отойти от прежнего перформативного концепта. Ведь по сути это был перформанс, баловство художников: музыка исполнялась на каком-то расстроенном, разбитом пианино, актеры безобразничали, выкрикивали несуществующие слова Кручёных. Это не поддавалось переводу на английский язык, и пришлось переписать сюжет. Тем не менее в подзаголовке мы оставляем “вдохновленные “Победой над Солнцем”, потому что в сюжете мы сохранили эту победу: переворачиваем мир наизнанку и помещаем героев со своими проблемами и какими-то поисками в какое-то новое пространство.

— Какое место в постановке отведено собственно “Квадрату”?

— “Черный квадрат” я рассматриваю не как героя или часть декораций, а как гостя нашего вечера, зрителя. Еще раз повторю: это оммаж. Пусть он посмотрит, осудит и, может быть, даже что-то нам скажет.

— Вы уже упомянули про язык либретто — английский. Почему так? Это не для нашего зрителя?

— Авторы либретто — американцы, выходцы из России Игорь Конюхов и Оля Маслова. И изначально мы писали на английском языке.

Я думал сделать адаптированный перевод конкретно для премьеры в России, но мы проконсультировались и решили, что этого не требуется — все считывается и так, через действие на сцене и через музыку. На всякий случай будет подстрочник, потому что текст тоже любопытный и тоже в чем-то абсурдный — мы также отталкивались от абсурдности оперы футуристов. Если меня попросят пересказать сюжет, я могу весь вечер говорить, что там происходит, и то какие-то аспекты не затрону.

— Расстроенное пианино тоже будет?

— Нет, будут два идеально настроенных фортепиано с прекрасными концертирующими пианистами Катей Сканави и Володей Ивановым-Ракиевским. Это будет музыка яркая, очень экспрессивная. Это не будет формат мюзикла, но что-то вы сможете даже напеть, выйдя из зала.

— Как долго работали над оперой? Было озарение или нечто долго вынашиваемое?

— Долгим был процесс приготовления. Прежде чем сесть писать музыку, надо иметь готовое либретто, от которого отталкиваться. И мы долго работали над ним — года три. В 2014 году мне написал Игорь, предложил эту тему. Интересно, как он на меня вышел: он, видимо, увидел на YouTube мою студенческую работу Black Square (“Черный квадрат”) — маленькую электронную пьесу.

— Опера будет представлена в музее — в Новой Третьяковке на Крымском Валу. Как вы относитесь к такому “выходу” театрального искусства за пределы сцены?

— У нас в этом проекте все как-то “не очень нормально”. Мне всегда интересно выходить за рамки. Это спонтанное решение пришло нам с продюсером Виталием Виленским, когда я уже дописывал оперу весной этого года.

Мы решили, почему бы не привлечь Третьяковскую галерею, почему бы не достать из запасников тот самый “Квадрат”?

Мы поговорили с Зельфирой Исмаиловной Трегуловой, она одобрила эту идею, активно включилась в творческий процесс. Как и редактор GQ Игорь Гаранин, который занимается в этом проекте подбором костюмов.

Понятно, что это не репертуарный спектакль, но мы видим для него прокатное будущее — это довольно мобильный проект, несмотря на большое количество участников: десять солистов, хор — около десяти человек, два рояля. И нам не нужны для этого прекрасные партеры, бельэтажи и красивые большие театральные сцены. В Москве это будет зал на 200–250 человек, так что есть смысл озаботиться покупкой билетов. Нам вполне достаточно интимного пространства — чтобы зритель сидел рядом с “Черным квадратом”.

— И удастся повезти на гастроли сам “Черный квадрат”?

— Мы обсуждаем это, довольно сложная история. Безусловно, хотелось бы с ним гастролировать.

— Ваш балет “Нуреев” в прошлом году так же, как и когда-то “Черный квадрат”, был в эпицентре немалых баталий. Следили ли вы за ними?

— Так как меня это коснулось, конечно, я за этим следил. Но мы видим результат: буквально на днях прошел очередной блок спектакля, с восторгом принятый. И будут еще показы. Главное, чтобы искусство продолжало себя отстаивать.

— Известно, что вы продолжаете сотрудничество с Большим театром. Впервые за 15 лет ГАБТ заказал оперу. Почему вы выбрали именно повесть Александра Грина “Блистающий мир”?

— Я изучил большой пласт литературы. Было два выхода: найти оригинального живущего сегодня автора, который напишет либретто, или оттолкнуться от уже написанного произведения. Я подумал, что раз речь о Большом театре, то необходимо произведение на русском языке. Французская классика или что-то другое было бы неправильным в этом случае, мне кажется. Я перелопатил огромное количество русской литературы. На “золотую” классику уже многое написано, и мне не хотелось как бы конкурировать с уже неживыми авторами.

Мое внимание на “Блистающий мир” Грина обратила моя мама

Как-то мы разговаривали, я сказал, что ищу сюжет и думаю, что бы еще почитать. Она предложила “Блистающий мир”. До этого я знал у Грина “Алые паруса”, которые не очень люблю. Я прочитал книгу и сразу “увидел” ее на сцене. Она идеальна для Большого театра по формату: по количеству солистов, по истории, как это все может быть показано, как это удобно сделать режиссеру, без привязки к конкретному городу и времени. Абсолютная свобода творчества!

При этом закладывается очень классная философская мысль — о человеке, который умеет летать, поражает своей способностью и ужасает своей способностью, реакция общества на это. Актуальная вещь, очень романтическая и красивая сказка с печальным концом. Вещь, которая предвосхитила “Мастера и Маргариту”. Булгаков вдохновился в том числе этим произведением, создавая свой шедевр.

— Как идет работа над оперой?

— Автором либретто выступаю я, то есть я адаптировал текст и до сих пор “вычищаю” его. Мне как автору и либретто, и музыки проще это делать. Еще не самая активная стадия, но уже работаю.

— Какие сроки обозначены контрактом или вы сами себе выставляете?

— Театр анонсировал на сезон-2020/2021. Четких дат назвать пока не могу, это еще обсуждается. Сдать работу я должен, грубо говоря, через год.

— А постановщик уже определен?

— Есть несколько режиссеров, пока обсуждаем. Сейчас рано об этом говорить, потому что даже не написана музыка, произведения как такового нет.

— Прошлая опера по заказу Большого театра — “Дети Розенталя” — в 2005 году оказалась скандальной: некоторые посчитали недопустимым использование брани на сцене главного театра страны. Будете ли как-то оглядываться на опыт предшественников — Десятникова и Сорокина? Может, попытаетесь избежать такого резонанса?

— Когда я работаю над произведением, я об этом не думаю, потому что такие скандалы всегда очень неожиданные и часто на пустом месте. Если об этом задумываться, то можно просто опустить руки и перестать писать что-либо: и музыку, и тексты. И просто улыбаться перестать, потому что кого-то это может оскорбить. Главное — делать четко свое дело, вдохновляться им и вдохновлять других.

— Если уйти в историю, то в Большой театр вас привел Кирилл Серебренников — он предложил поменять композитора балета “Герой нашего времени”, и работу поручили вам.

— Кирилл, как самобытная и очень сильная личность, настаивал на том, чтобы композитор активно взаимодействовал с режиссером. То есть воплотил концепцию, придуманную режиссером, написал музыку с нуля. А когда ему принесли уже готовое произведение… Это ни в коем случае не вина композитора, просто вот так получилось. И вот мы все втроем — он, хореограф и я — работали над “Героем нашего времени”.

— Вы много работали вместе и над его фильмами, и другими работами в театре. Вспомнить тот же балет “Нуреев”. Сейчас следите за судебным разбирательством?

— Конечно, слежу. Кирилл— мой друг, и все это болезненно воспринимается. Тем не менее мы не отменяем наших с ним творческих планов.

— Каких именно?

— И кино, и музыкальный театр. Я не могу назвать конкретные проекты, это все еще обсуждается. И ждем, как эта ситуация разрешится. Я не сомневаюсь, что разрешится в лучшую сторону.

Источник публикации ТАСС, 25.10.2018, Анастасия Силкина