Презентация проекта «Моисей Вайнберг. “Пассажирка”. Первая театральная постановка в России» в Екатеринбурге

13—14 апреля 2016 на сцене Екатеринбургского театра оперы и балета состоится екатеринбургская презентация проекта «Моисей Вайнберг. “Пассажирка”. Первая театральная постановка в России».

13 апреля широкой публике и журналистам будет показано видео-интервью Зофьи Посмыш; представлены эскизы декораций и сценического решения (сценограф Т. Штрасбергер), костюмов (В. Цыкун). В презентации примут участие А. Устинов и А. Ласковский.

После презентации актеры Свердловского академического театра драмы представят радиопьесу З. Посмыш «Пассажирка из каюты 45», режиссер Дмитрий Зимин (совместный проект с Институтом Адама Мицкевича).

14 апреля в Екатеринбургском театре оперы и балета состоится исполнение Восьмой симфонии М. Вайнберга «Цветы Польши» для тенора, смешанного хора и оркестра, соч. 83 в 10 частях. Симфония написана в 1964 на стихи выдающегося польского поэта Ю. Тувима из одноименной неоконченной поэмы, которую он писал, будучи в эмиграции в Париже в 1940—1944. Дирижер — Моника Волиньска (Польша). Партнер концерта — Институт Адама Мицкевича.

Концерт к Дню Победы

5 мая 2016 на сцене ЕГАТОиБ пройдет концерт к Дню Победы. Прозвучит 13‑я симфония Дмитрия Шостаковича «Бабий Яр» и «Русский реквием» Александра Чайковского. Партнер концерта — издательство DSCH.

13‑я симфония ор. 113 в 5 частях («Бабий Яр», «Юмор», «В магазине», «Страхи», «Карьера») написана Д. Шостаковичем в 1962 на стихи Е. Евтушенко. Ее центральный эпизод — I часть, «Бабий Яр» — повествует о трагических событиях сентября 1941 в Киеве, когда были уничтожены десятки тысяч евреев. Симфония перекликается и с сюжетом «Пассажирки», и с судьбой ее автора М. Вайнберга, чья семья погибла в фашистском концлагере Травники.

Премьера симфонии состоялась в Москве 18 декабря 1962. Исполнители АСО Московской филармонии, дирижер Кирилл Кондрашин, солист Виталий Громадский.

***

Оратория А. Чайковского «Русский реквием» для сопрано, меццо-сопрано, смешанного хора, детского хора и оркестра написана композитором в 2004 к 60‑летию Победы. Это масштабное 8‑частное сочинение посвящено жертвам всех войн XX века.

В оратории использованы стихи Ф. Тютчева, С. Есенина, А. Блока, И. Бродского, Н. Заболоцкого и псалом Давида.

«Русский реквием» был создан по заказу генерального директора и художественного руководителя Краснодарского ТО «Премьера» Леонарда Гатова.

Премьера сочинения состоялась 5 мая 2005 в Музыкальном театре Краснодара. Исполнители: Оксана Силаева (сопрано), Наталья Бызеева (меццо-сопрано), хор и оркестр Музыкального театра, дирижер Владимир Зива.

С тех пор «Русский реквием» А. Чайковского неоднократно исполнялся в разных городах России.

5 мая 2016, ровно через 11 лет после первого исполнения, состоится премьера «Русского реквиема» в Екатеринбурге.

Концертный зал Яани Кирик в Санкт-Петербурге отмечает 5-летний юбилей

20 февраля концертный зал Яани Кирик в Санкт-Петербурге (ул. Декабристов, 54А) празднует свой первый юбилей — 5 лет со дня открытия.

Зал располагается в эстонской церкви Святого Иоанна, которая была открыта в 1860 году. Достопримечательностью церкви был уникальный орган, долгое время привлекавший внимание поклонников музыкального искусства.

После революции 1917 года церковь была разрушена, имущество разграблено, и восстановление Яани Кирик началось только во второй половине 80-х годов XX века. Вновь открыта она была 20 февраля 2011.

Вскоре после открытия церкви здесь началась концертная деятельность. Проходят органные вечера, концерты камерной, народной, джазовой музыки.

В день 5-летия, 20 февраля, программой «Nordic Sounds» концертный зал поздравят известные эстонские джазовые музыканты — саксофонист Виллу Вески и аккордеонист Тиит Каллусте.

21 февраля состоится торжественная служба и праздничный концерт с участием эстонских музыкантов Кяди Плаас (сопрано), Кристо Кяо (гитара, теорба) и Тыну Йыесаара (виолончель, виола да гамба), с программой из произведений Монтеверди, Вивальди, Баха, Генделя, Вила-Лобоса.

27 февраля в честь пятилетнего юбилея концертного зала Яани Кирик выступит камерный оркестр «Дивертисмент» (художественный руководитель Илья Иофф). В I отделении прозвучат Альтовая соната Шостаковича и Соната Arpeggione Шуберта в версиях для альта и струнных И. Иоффа), а во II — Бранденбургский концерт №3 и Концерт для двух скрипок и струнных Баха.

Steinway & Sons и Lalique выпустили «женский» рояль

Компания-производитель роялей и пианино Steinway & Sons и французский бренд хрусталя Lalique объявили о выпуске уникальной модели рояля Masque de Femme («Женская маска»). Инструмент черного цвета (кабинетная модель B) украшен хрустальными деталями двух мотивов — Coutard и Masque de Femme, придуманных еще основателем Lalique Рене Лаликом.

Узор Coutard создан Лаликом в 1935 году во время работы над одноименным фонтаном. Это хрустальные кабошоны в виде капель, образующие симметричный орнамент. Этот же фонтан украшал и узор Masque de Femme, также созданный Рене Лаликом: художник и ювелир изобразил обрамленное струями воды лицо героини древнегреческого мифа нимфы Аретусы, возлюбленной речного бога Алфея. Спасаясь от его преследований, нимфа превратилась в речной поток. Выбирая этот мотив, создатели рояля, вероятно, учли связь мифа с музыкой: в XVIII столетии Аретуса стала заглавным персонажем барочной оперы композитора Андре Кампра.

Рояль Masque de Femme в 2016 году отправится в мировое турне, во время которого состоятся концерты известных пианистов. По завершении турне рояль продадут с аукциона.

Компания Steinway & Sons основана Генрихом Энгельхардом Стейнвеем (Штайнвегом), уроженцем немецкого Вольфсхагена. В 1825 году мастер открыл мастерскую по ремонту музыкальных инструментов в городе Зеезене. В 1836 году он тайно изготовил первый собственный рояль (мастерская имела лицензию только на починку). В 1853 году Штайнвег с сыновьями перебрался в Америку, где стал называться Генри Э. Стейнвеем, и основал компанию Steinway & Sons. Компания зарегистрировала более 128 патентов, сейчас имеет заводы в Гамбурге и Нью-Йорке.

Компания Lalique основана в 1888 году французским художником, ювелиром и специалистом по работе со стеклом Рене Лаликом. В настоящее время выпускает предметы интерьера, украшения и парфюмерию. Марка участвовала в совместных проектах с архитектором Захой Хадид, художником Дэмиеном Херстом и музыкантом Элтоном Джоном. Осенью минувшего года Lalique представила первый рояль, созданный вместе со Steinway & Sons, — модель Heliconia.

Дмитрий Медведев поздравил Александра Чайковского с 70-летним юбилеем

Премьер-министр России Дмитрий Медведев, поздравил с 70-летием композитора, народного артиста РФ, художественного руководителя Московской государственной филармонии Александра Чайковского. В поздравительной телеграмме, направленной в адрес юбиляра, говорится:

Уважаемый Александр Владимирович!

Примите мои сердечные поздравления с 70-летием и наилучшие пожелания.

Вас, известного композитора и пианиста, яркого и творческого человека, по праву называют современным классиком. Ваш уникальный дар, умение тонко чувствовать музыку, органично сочетать оригинальные драматические решения и современные сценические приёмы воплотились в прекрасные оперы и балеты, симфонии, оратории и инструментальные концерты, мелодии к документальным и художественным фильмам. Среди них «Русский реквием» и «Ноктюрн Северной Пальмиры», «Один день Ивана Денисовича» и «Провинциалка». Искренние и глубокие, Ваши сочинения всегда становятся ярким событием, настоящим подарком для всех, кто знает и ценит Ваше творчество.

Сегодня Вы с успехом руководите знаменитой Московской филармонией. Во многом благодаря Вам здесь царит особая атмосфера, которая погружает слушателей в мир классической музыки.

Спасибо Вам за преданное служение искусству, за новое поколение талантливых музыкантов, воспитанных Вами.

Желаю Вам здоровья, вдохновения и всего самого доброго.

Д. Медведев

В первый день 2016 ушел из жизни «дирижер одной симфонии» Гилберт Каплан

В первый день 2016 ушел из жизни американский юрист, бизнесмен, журналист, издатель и дирижер-любитель Гилберт Каплан. Более полувека он являлся фанатичным поклонником Г. Малера, чью 2-ю симфонию дирижировал со многими оркестрами по всему миру.

Гилберт Каплан родился 3 марта 1941 в Нью-Йорке. Учился в Университете Дьюка, Новой школе и Нью-Йоркском университете. В 1965 Г. Каплан основал журнал по вопросам бизнеса Institutional Investor, в скором времени достигший уровня 150.000 подписчиков и сделавший своего основателя миллионером. До 1984 совмещал обязанности владельца, издателя и главного редактора журнала. Продав издание за $ 72 млн., до 1990 оставался его издателем и после этого еще в течение трех лет продолжал исполнять обязанности главного редактора.

В 1960-е годы Г. Каплан увлекся музыкой Густава Малера, в особенности 2-й симфонией. Он основал Фонд Каплана, посвященный исследованию и пропаганде творчества Малера. Приобрел рукопись 2-й симфонии и в 1986 опубликовал ее факсимиле. Собрал практически все сведения об этом сочинении.

Обучившись дирижированию, с 1982 Каплан начал свою деятельность как «дирижер одной симфонии» — Симфонии № 2 Малера.

Дебют Каплана-дирижера состоялся в 1982 с Американским симфоническим оркестром на неофициальном концерте для участников саммита Международного валютного фонда. В 1983 последовало первое публичное выступление (с тем же оркестром) в Карнеги-холл. В последующие 30 лет Каплан исполнял 2-ю симфонию более чем с 35 оркестрами. В России — с оркестром Санкт-Петербургской филармонии, оркестром Мариинского театра, ГАСО имени Е.Ф. Светланова, РНО, оркестром Новосибирского театра оперы и балета.
(Кстати, во время своего последнего визита в Москву в октябре 2013 Каплан с юмором рассказывал о своих впечатлениях от поездки на поезде «Москвав — Новосибирск» в середине 1990-х: с 57 остановками через всю Россию!).

Также он дирижировал Лондонским филармоническим и симфоническим оркестрами, Новым филармоническим оркестром Японии, филармоническим оркестром «Ла Скала» в Милане, Будапештским симфоническим оркестром, Оркестром Стокгольмской филармонии, Симфоническим оркестром NDR (Гамбург), Пражским симфоническим оркестром, Филармоническим оркестром Лос-Анджелеса, Симфоническим оркестром Сент-Луиса, Мельбурнским симфоническим оркестром и Центральным филармоническим оркестром Китая, многими другими коллективами.

Каплан дважды записал эту симфонию: с ЛСО в 1987 и с Венским филармоническим оркестром в 2002. Запись с ЛСО была включена газетой New York Times и немецким телевидением ZDF в число лучших пластинок года, выйдя на 1-е место в списке самых популярных пластинок классической музыки в США и Англии (всего было продано 150 000 пластинок).

Кроме 2-й симфонии, Каплан изредка исполнял Адажиетто из 5-й симфонии Малера и записал его в 1992 с ЛСО.

Гилберт Каплан — автор статей о Малере и его творчестве. Он читал лекции о композиторе во многих аудиториях (в т.ч. в Гарвардском и Оксфордском университетах, Санкт-Петербургской консерватории).

Его работы о Малере публиковались в периодических изданиях, от музыковедческого журнала Musical Time (Лондон) до популярной New York Times.

Каплан — автор и редактор «Альбома Малера» (The Mahler Album) — биографического сборника, включающего более 300 фотографий, картин, рисунков и скульптурных портретов Малера. В 1997 он провел цикл из 13 еженедельных радиопередач, посвященных Малеру, который транслировали 350 радиостанций США.

В профессиональном музыкальном сообществе отношение к Каплану-дирижеру было неоднозначным. Музыканты оркестров, которыми он руководил, как правило, скептически отзывались о его возможностях. В то же время публика во всем мире с энтузиазмом воспринимала его появление на сцене. В 1994, после выступления Каплана с Мельбурнским симфоническим оркестром, дирижера восторженно приветствовал столь же рьяный поклонник Малера, тогдашний премьер-министр Австралии Пол Китинг.

Как бы то ни было, Каплана называли человеком, реализовавшим свою мечту.

Рифма в 100 лет 1916—2016

Музыкальные итоги 1915 года, подведенные в «РМГ» в форме фельетона, обнажают фантасмагорические исторические параллели между 1915 годом и 2015. Прошел год с начала Первой мировой войны. Экономический кризис. Общественный и государственный запрет на исполнение Вагнера (вспомним скандал с «Тангейзером» в Новосибирске в 2015), а еще Бетховена и Баха. Процветание оценочного, стилевого, эстетического плюрализма, а если более жестко — анархизма. Многоголосица критиков, власть импресарио и управленцев, внутрицеховая конкуренция.

Из праздных разговоров о минувшем годе

Действующие лица:

Амфитрион
Старый капельмейстер
Веритасов
Критик
Молодой профессор
Старый профессор

В Васильев вечер мы снова собрались, по обычаю, у нашего амфитриона за стаканом глинтвейна – встретить наступающий год и поделиться впечатлениями о музыкальных делах минувшего.

— Страшный год пережила Россия, — сказал старый капельмейстер…

<…>

— Нам, музыкантам, мало дела до… политики, — заявил амфитрион.

— Позвольте, позвольте, прервал его критик. — Как же нам, музыкантам, не касаться внутренней политики, когда теперь даже концертные программы зависят иногда от любого исправника и иной администрации! В захолустных городах запрещают Бетховена — в 1912 году, потому, что он, якобы, прославлял Наполеона – полководца французов, а через 3 года – потому что он, якобы, немец! В Мариинском театре в концертах Зилоти запрещают исполнять Баха и Бетховена (заметьте, классических мастеров!), и в тоже время в Народном доме ставят оперу несомненного современного немца – д’Альбера…

— Господа, господа, — сказал … амфитрион, — да при чем же тут политика! Не министра же какого—либо обвинять в некоторых непоследовательных административных распоряжениях. Просто, у нас еще не умеют координировать требования полицейского порядка с художественными запросами.

— …Независимо от какой бы то ни было политики, прошлый год и в музыкальных делах показал, как много своеобразного творится на матушке Руси. Когда прошло первое боязливое время, концертная и театральная жизнь — в столицах, по крайней мере — не только восстановилась, но даже как будто расширилась. В Петрограде возобновили свою работу почти все учреждения. Обстоятельствами военного времени они стали прикрывать только свои недочеты, в том числе и относящиеся до художественности программ. Между тем, во всех воющих странах музыкальная жизнь настолько остановилась, что во Франции и Германии прекратились даже наиболее солидные и материально обеспеченные музыкальные журналы — «S. I. M.» в Париже и «Die Musik» в Белине, — заявил Веритасов

— Совершенно противоположно тому, что у нас, — сказал критик. — …несмотря на все уверения в недостатке печатных материалов и рабочих рук, — у нас в прошлом году стали издаваться целых три новых музыкальных журнала! И не только в Петрограде, в виде наиболее солидного из них – «Музыкального Современника», но даже в Одессе, где до сих пор в мирное время все попытки музыкальных журналов терпели неудачи. Курьезнее всего, что даже в Пошехонье некий трудолюбивый псаломщик, много лет собиравшийся издавать нечто вроде регентского журнала, и тот в самую тяжелую годину войны — разрешился «Церковно-певческими листками»!

— Да, — …сказал старый капельмейстер, — …у нас многое происходит противоположно тому, что в культурных странах. Меня более всего печалит, что до сих пор великая всемирная война — а нынешняя, несомненно, и великая и всемирная, — не находит отклика в творчестве. Да и найдет ли? Конечно, я не считаю разных маршей, элегий и дешевых патриотических романсов, салонного жанра, также мало имеющих художественную ценность, как и патриотические концерты г-жи Долиной

<…>

— У нас только однажды — и в слабой степени — умею отечественную войну, после которой расцвела русская литература — в Пушкине и музыка — в Глинке. Еще однажды, русская музыка оказалась предтечей грядущих событий — в славянофильских тенденциях новой русской школы, в своих увертюрах на русские, сербские и иные темы как бы предугадавшая освободительную войну на Балканах. Но замечательно, что затем ни болгарская война, ни японская, ни теперь всемирная (если не считать талантливых «Парафраз» Глазунова8, не имеющих все-таки крупного художественного значения), не говоря уже о предшествовавшей им крымской компании – не вызвали надлежавших откликов в нашем музыкальном творчестве! Ведь не считать же «Марш Скобелева» Чайковского, который автор издал даже не под своим именем!..

— Да, — сказал молчавший до сих пор старый профессор, — музыка как-то вообще идет у нас по пути, предварительно пробитом другими искусствами или западными художниками. Только Глинке удалось быть первосоздателем в области русской музыки, а за ним каждому художнику можно приставить ряд предшествовавших в области литературы и живописи. Даргомыжскому — Федотова, Мусоргскому — Некрасова, Перова и Помяловского, а там дальше — Толстой, Достоевский, Крамской, Васнецов, и позднее Бальмонт, Врубель и др. Вот светочи – в кавычках и без кавычек, указывавшие русскому музыкальному творчеству новые этапы.

— …У нас, — заявил критик, —…любят проторенные дорожки и традиции. Успех одного выделившегося, заставляет других – иногда инстинктивно, — топтаться по этой, оказавшейся приятной многим дорожке. Какую фалангу последователей вызвали Чайковский и Римский-Корсаков, а в недавнее время —Скрябин…

— Как же, — засмеялся Веритасов, — Оленина-д’Альгейм взбудоражила даже безголосых певиц, а «шаляпенить» стараются теперь даже бездарные певцы. Ужасно любят понравившийся трафарет!

— Вот вы упомянули о Скрябине, — вставил наш амфитрион. — Все вы … забыли о художественных потерях прошлого года. Потерять сразу таких двух больших антиподов, как Скрябин и Танеев — разве это не большая потеря для русского искусства?

— Большая, и даже очень, — сказал Веритасов, — только она вполне подтверждает своеобразную судьбу русской музыки… Обе потери положительно бессмысленны по своему существу. И тот, и другой композиторы могли бы жить и работать, а Скрябин досказать многое неопределившееся, многое невысказанное.

— Но судьба точно хотела компенсировать одну потерю другой, — прибавил профессор. — Меня, однако, поразил факт полного — не только не понимания, но и отрицания друг друга обоими — старым и молодым музыкантами; я сказал бы даже игнорирования.

— А это уже по закоренелой русской привычке, любезный профессор, — сказал критик. — Мы любим баранов только своего стада. Это только Бетховен мог обнять Вебера после «Фрейщюца» и назвать его умной чертовой башкой! Наши бетховены не любят веберов, а веберы считают старыми дураками бетховенов.

— …А вот вы лучше, — сказал Веритасов,— объясните неожиданно наступившее оскудение русского музыкального творчества.

— Оскудение? Вы шутите? — спросил тот.

—Нисколько. Я вам только напомню факт отмены присуждения 27 ноября — в память Глинки — ежегодных премий беляевского комитета.

— Ах, вы об арцыбушевщине! — протянул насмешливо критик.

— Ну, это вопрос простой. Там ведь дела творятся семейные, даже чересчур, как и в нашей консерватории и музыкальном обществе. Рубинштейновские традиции выбросили за дверь, а своих придумать не могут.

Ведь в минувшем году появились… и «Колокола» Рахманинова, и «Царь Иудейский» Глазунова, и «Илья Муромец» Глиэра, и «Маска красной смерти» Черепнина, и «Свадебка» Стравинского! Да мало ли больших и малых, симфонических и камерных вещей наплодили наши музыканты в последние годы. Ведь беляевский комитет награждал премиями не только произведения именно последнего сезона. Нередко выдавал он их и за совершенно бездарные творения. Как же было не выдать полной премии хотя бы за «Колокола» Рахманинова? Чем эта партитура не талантлива? Я думаю, что они еще загодя предназначали премии Скрябину и Танееву (за кантату «По прочтении псалма»), но неожиданная смерть их разрушила все предначертания комитета, а Рахманинова они не удосуживаются еще признать действительным талантом.

— Может быть, вы и правы, — сказал старый капельмейстер. — Теперь и в музыкальном обществе, как и в нашей опере, творятся дивные дела. Оперы ставятся спустя рукава, царствует система любимцев дирекции, новые оперы не даются, все как-то идет по чиновному, точно по бухгалтерскому трафарету…

— Если бы живы были покойные Мусоргский и Стасов, — насмешливо улыбнулся критик, — они назвали бы действия нашего музыкального общества и Мариинского театра — арцыбушевщиной и теляковщиной.

(№ 1 от 3 января 1916 г., стлб. 15–18), Петроний

.

1 Вечер 31 декабря, канун Нового года, от церковного дня памяти святого Василия Великого

2 Амфитрион – персонаж древнегреческой мифологии. Благодаря пьесе Мольера с одноименным названием это имя стало нарицательным. Означает человека, охотно принимающего у себя дома гостей и не скупящегося на угощения;

3 Дата 1912 года отмечает сто лет с начала Отечественной войны 1812 года, которая велась между Россией и Францией.

4 Д’Альбер Эжен (1864–1932) был блестящим пианистом-виртуозом, его мастерство высоко ценил Ф. Лист. Композитор. Автор 19 опер, симфонической, камерной и фортепианной музыки; крупнейший представитель веризма в Германии.

5 Можно предположить, что фамилия Веритасов образована от латинского слова «veritas» — в переводе истина, правда.

6 Пошехонье — с 1777 года город в Российской империи, Ярославская область;

7 Имеется ввиду солистка Императорского театра Мария Ивановна Горленко-Долина (1867–1919). Проводила циклы концертов «Русской песни» (1907–1908), «Славянской» (1909–1912), «Европейской песни» (1912), «Патриотические концерты» (1914–1916). В 1917 эмигрировала в Париж.

8 Речь идет о критике действий Н.В. Арцыбушева (1858—1937), которому Н. А. Римский-Корсаков передал бразды правления в Попечительском совете Фонда М. П. Беляева. В последствие возглавлял один из самых высоких управленческих постов в музыкальном мире — директор Дирекции СПб отделения ИРМО. В частности, он был инициатором ликвидации бесплатных мест в Петербургской консерватории.

9 Речь идет о В.А. Теляковском (1860-1924). Последний директор Императорских театров (1901—1917).

Композитор-изобретатель

В конце 2015 г., специально для презентации на московской ярмарке «Non-Fiction» вышла новая книга о Джоне Кейдже (1912-1992).

Объем литературы, посвященной одному из лидеров музыки XX в. Джону Кейджу, в нашей стране невелик (при этом за рубежом вышло около десятка книг). У нас переведен лишь сборник «Тишина. Лекции и статьи», вышедший в год его 100-летнего юбилея (в оригинале книга появилась в 1961). Новое издание актуально для российского читателя-гуманитария, так как расширяет представления не только о самом авангардисте, но и обо всем искусстве XX в. Его статус бестселлера можно прогнозировать и потому, что количество поклонников Кейджа в нашей стране продолжает активно расти. Разнообразная программа празднований его 100-летия в 2012 подхлестнула интерес к нему.

Костелянец Р. Разговоры с Кейджем
Пер. с англ. Г. Шульги под ред. К. Жолудевой;
М.: Ад Маргинем Прес, 2015. — 400 с.

Контекст

Книга американского автора Ричарда Костелянеца вышла в издательстве «Ад Маргинем» в совместной программе с Центром современного искусства «Гараж». Издательство и ЦСИ активно выпускают актуальную литературу о современном искусстве, тем самым заполняя лакуны знаний в отечественном искусствоведении и предлагая читателю новый взгляд на историю культуры. В рамках этой программы в последнее время изданы: «Дневники Энди Уорхола», полные тексты интервью Сьюзен Сонтаг для журнала «Rolling Stone» (писательница и философ стала чрезвычайно популярной в России в последние годы), «Краткая история фотографии» философа В. Беньямина, исследование о «брит-арте» 1990-х английского критика Дж. Сталлабрас.

Самой громкой новинкой «Ад Маргинем» и «Гаража» в 2015 стала глобальная историяэнциклопедия «Искусство с 1900 года: модернизм, антимодернизм, постмодернизм» (авторы Х. Фостер, Р. Краусс, И.-А. Буа, Б.Х.Д. Бучло, Д. Джослит).

В этот искусствоведческий контекст уверенно вписывается имя Кейджа (как, впрочем, и имена других авангардистов в книге «Краткой истории новой музыки» куратора Х. Обриста, выпущенной так же «Ад Маргинем»).

Кейдж все чаще «присваивается», «встраивается» в практики современного актуального искусства, выходящего за рамки музыкального процесса. Больше, чем музыковеды, о нем пишут, ссылаются и исследуют его творчество немузыканты. Это не случайно, а скорее задано перформативной по своей направленности сущностью искусства Кейджа. Сам Кейдж прекрасно понимал отношение к себе со стороны музыкантов. В «Разговорах» он говорит: «Я рано понял, что музыканты меня не любят. А художники любили. Музыканты очень редко приходили на концерты, которые я организовывал, — что на музыкальные, что на перформансы. Аудитория состояла в основном из людей, интересующихся живописью и скульптурой» (1965).

Жизнь от «А до Я»

Новая книга о «гениальном изобретателе» — так Кейджа определил А. Шенберг, дававший ему уроки композиции — сделана как «нарезка» из интервью. «Разговоры с Кейджем», выпущенные в оригинале в 1986, объединяют его высказывания почти за 30 лет. Они проверены и одобрены самим композитором. Авторитетность книги связана и с авторством Р. Костелянеца, который близок композитору по духу и стилю, вхож в его окружение. В его послужном списке несколько книг о Кейдже (помимо «Разговоров», еще одна «John Cage Ex(plain)ed», 1996), интервью с ним.

Ричард Костелянец (р. 1940) — визуальный поэт, художник, эссеист, критик и исследователь авангарда. Автор 50 книг: поэтических сборников, эссе по вопросам современного искусства и теории актуальной литературы, таких как «The End of Intelligent Writing» (1974), «Twenties in the Sixties» (1979), «The Old Poetries and the New» (1981), «The Old Fictions and the New» (1987), «The New Poetries and Some Old» (1991), «On Innovative Art(ist)s» (1992), «A Dictionary of the Avant-Gardes» (1993), «ABC of Contemporary Reading» (1995) и др. С 1970 по 1986 — редактор и издатель журнала «Assembling», одного из ключевых альтернативных изданий 1970–80-х гг., давшего название направлению в современном искусстве. Составил и подготовил к печати более тридцати антологий по литературе и искусству. Автор большого количества сонорных пьес, саунд-поэтических произведений, а также участник ряда антологий сонорной поэзии в различных странах мира. В качестве приглашенного профессора преподавал в Техасском университете, также читал лекции по современному искусству в различных учебных заведениях Европы и Америки. Автор более двадцати видео- и телефильмов (презентации на кинофестивалях в Берлине, Оберхаузене, Мюнхене, Мельбурне, Эдинбурге и т.д.). С 1969 — участник 100 коллективных выставок в США и за рубежом. Живет и работает в Нью-Йорке.

«Разговоры» могут стать дополнительной расшифровкой авторских литературных текстов Кейджа, которые оставляют шлейф загадок и недоговоренностей. А жанр интервью, сохраненный и здесь, предполагает обращение к непрофессионалам, поэтому многое сформулировано более просто.

Ричард Костелянец разбил все интервью по нескольким темам и создал связный текст, который можно читать как угодно – с конца, с начала и с любого места, что соответствует философии случайности самого Кейджа.

Высказывания группируются в несколько тем: «Автобиография», «Предшественники», «Собственная музыка (до 1970 года)», «Собственная музыка (после 1970 года)», «Перфомансы», «Тексты», «Радио и магнитная лента», «Визуальные искусства», «Танец», «Эстетика», «Преподавание», «Социальная философия».

В приложении собрана библиография на языках и информация об интервьюерах. Прекрасный перевод Галины Шульги под редакцией Ксении Жолудевой отличается точной фиксацией всех музыкальных терминов и ясностью музыкальных описаний, что редко можно встретить в непрофильных издательствах. Профессионализм во всем сопутствует продукции «Ад Маргинем».

Автобиографичность

Рассуждения Кейджа читаются на одном дыхании, поражая креативностью, легкостью и свободой творчества. Как звучит гриб, когда растет? Какую музыку издает стол? Композитор рассказывает, что пытается передать музыку жизни, полностью устранив волю композитора и исполнителей. Он считал шум за окном самой прекрасной композицией, поэтому никогда не ставил пластиковые звукоизоляционные рамы.

«В Европе, точнее в Париже, я соприкоснулся с современной живописью и современной музыкой. В результате у меня возникло чувство, что если другие это делают, то и я тоже смогу. И я начал, безо всяких учителей, писать музыку и картины… Те, кто слушал мою музыку, отозвались о ней лучше, чем те, кто смотрел мою живопись и оценивал ее. Поэтому я решил посвятить себя музыке» (1973).

«Я очень скоро понял, что неважно, насколько ты знаменит, это не помогает получить работу или подвигнуть кого-то на сотрудничество с тобой» (1974).

«Мне было почти сорок лет, когда я понял, что мне нужно — благодаря восточной философии» (1972).

«Я перебивался случайными заработками только для того, чтобы не умереть с голоду; но мог подолгу сидеть без работы, то есть никуда не нанимался. Когда в ранних пятидесятых я начал писать “Музыку перемен”, то решил ограничить свою деятельность композиторством и не искать другой работы. <…> Я участвовал в телевизионной викторине, которую выиграл, отвечая на вопросы о грибах, и это были первые в моей жизни ощутимые деньги. (Только через два года, в 1960-м, я начал зарабатывать музыкой)» (1973).

Кейджа многие называли провокатором, ненавидели его (как он пишет особенно после придуманной концепции «4”33»), ругали, в особенности музыканты. А он продолжал экспериментировать, разрушая все установленные представления о том, кто такой композитор, исполнитель и слушатель. Процесс сочинения, придумывания, исполнения намного для него интереснее, чем конечный результат.

Мифология

Однако при линейном прочтении появляются неизбежные издержки (а может быть, и сознательные?) придуманного компилятивного метода. Кстати, первый аналог такой формы был сделан с интервью М. Дюшана, одного из единомышленников композитора (автор Пьер Кабанн, 1976). Монтаж приводит к тому, что многие темы повторяются, ответы, вплоть до формулировок, могут переноситься из одного раздела в другой. Это и понятно, ведь они вместе с вопросами брались уже готовыми, как строительные кирпичики.

При всем преклонении перед словом Автора — у нас к нему особое, практически священное отношение — нужно понимать, что художники — любители мистификаций и сотворений параллельных историй и биографий (осознанных и неосознанных). На поверхности, например, история с учителями и предшественниками Кейджа. Акцент в ней сделан на Шенберга, Айвза и Сати. Но были и другие — например, Стравинский и Скрябин. Еще один вопрос для исследователя: можно ли компилировать высказывания, относящиеся к разным периодам жизни и творчества, ведь идеи Кейджа часто менялись?

В отличие от современных часто агрессивно настроенных творцов, Кейдж никому не завидует, никого не обвиняет и практически не оценивает. Дружелюбный тон, заинтересованность в ответе даже тогда, когда вопросы являются открыто провокационными, когда интервьюер как будто пытается «разоблачить» или вывести на «чистую воду» знаменитость. Тематика рассуждений Кейджа чрезвычайно широка: от рассказов об изобретениях отца до увлечений микологией (наука о грибах), диете (макробиотика), загрязнении воздуха, садоводстве, гормонах в курицах, запорах и артритах.

Каждое описание инсталляций, исполнений и сочинений Кейджа демонстрирует (помимо феноменальных изобретательных способностей их автора) то, как разрушаются все прежние основы европейской академической музыки: в композиции он уходит от причинно-следственных связей, от гегелевской диалектики, господствующей в музыке со времен Бетховена, от логоцентризма и любых концепций. Хотя и само это стремление к индетерминизму можно считать концепцией.

«Я различаю три разных способа сочинения музыки в настоящее время. Первый хорошо известен — записывать ноты на бумаге, что я и делаю. Второй возник благодаря электронной музыке и новым источниками звука, позволяющим создавать музыку прямо во время исполнения. А третий появился в студии звукозаписи — это похоже на то, как художники в своих мастерских пишут картины. Музыка накладывается слой за слоем на ленту; она не исполняется и не записывается нотами, а появляется сразу на звуконосителе» (1985).

«Те, кто считает, что меня интересует случайное, не понимают, что случайное я рассматриваю как дисциплину. Они думают, что случайное для меня — это такой способ отказаться от выбора. Но для меня выбор — это выбор вопроса, который следует задать» (1981).

«Некоторые считают меня слабым музыкантом, но признают, что мои идеи интересны. Они говорят: он не музыкант, он философ. В то время как философы говорят: он не очень хороший философ, но хороший музыкант. Меня постоянно спрашивают, что для меня важнее — мои композиции или музыка, или мои тексты… Когда я пишу музыку, для меня нет ничего важнее музыки; когда я записываю свои мысли, мне интересно именно это. Я бы хотел распространить этот принцип и на многие другие вещи — на приготовление пищи, на телефонные разговоры. Жизнь потому и прекрасна, что все время на что-то отвлекает» (1978).

«Теперь я совсем не пользуюсь словом “форма”, поскольку занимаюсь созданием процессов, природы которых заранее не знаю. Как тут говорить о форме?» (1961).

«Сейчас меня занимает больше дезорганизация и такое состояние ума, которое в дзэн-буддизме называется недуманьем».

«Вопрос к Кейджу:

Вы маргинал?

Ответ: Нет, скорее я сторонник музыки как средства изменить сознание. Если бы вы хотели сказать это, мне не пришлось говорить это самому» (1980).

Воронежскому ТОБ выделили 3 млн рублей на постановку балета «Руслан и Людмила»

В Воронеже определили лауреатов областных грантов на развитие театрально-концертной деятельности в 2016 году. Экспертный совет рассмотрел восемь конкурсных заявок в двух номинациях.

В итоге один грант в размере миллиона рублей получит Камерный театр — на развитие гастрольной деятельности. Театр планирует показать свои спектакли в Москве.

Еще один грант — на три миллиона рублей — получит Воронежский театр оперы и балета на создание проекта в области сценического искусства. Воронежский ТОБ потратит эти средства на постановку балета в 2-х действиях «Руслан и Людмила» в транскрипции Агафонникова на музыку знаменитой оперы Глинки. Этот балет идет в Москве в Кремлевском дворце. Переносить его на воронежскую сцену будет Андрей Петров.

— Это будет интересная сказка для всех возрастов, — рассказал худрук ТОБ Андрей Огиевский.

Театр достоен гранта: балетная труппа развивается, завершившийся 14 февраля фестиваль “Воронежские звезды мирового балета” прошел при полных аншлагах. И планов у театра — громадье.

Источник публикации Комсомольская правда, 15.02.2016

Новосибирский академический симфонический оркестр даст 8 концертов в 4 странах Европы накануне юбилея

Накануне юбилея Новосибирский академический симфонический оркестр отправится в большое турне по странам Европы. За две недели с 28 февраля по 12 марта коллектив даст 8 концертов: четыре – в Испании, два – в Германии, один – в Австрии, на сцене зала Концертхаус в Вене. Это – одна из самых известных концертных площадок классической музыки в мире, принимающая солистов и коллективы мирового уровня. В ходе европейских концертов дирижировать коллективом будет Томас Зандерлинг, главный приглашённый дирижёр оркестра. 11 марта финальным аккордом гастрольного тура станет выступление оркестра в рамках Транссибирского Арт-Фестиваля в Концертном зале Мариинского театра в Санкт-Петербурге, которым продирижирует Гинтарас Ринкявичус, художественный руководитель и главный дирижер коллектива. Солировать в концертах тура будут скрипачки Алена Баева, Летиция Морено, Моне Хаттори и пианистка Валентина Лисица.

«Новосибирский академический симфонический оркестр – оплот музыкальной концертной культуры не только Новосибирска, но и России в целом, – отмечает генеральный директор Новосибирской государственной филармонии Татьяна Людмилина. – Предстоящий гастрольный тур чрезвычайно важен для развития и позиционирования коллектива на мировой музыкальной сцене. Этот проект непрост для филармонии в экономическом аспекте – мы едем на свои собственные средства, и всё организовать для такого большого коллектива стоило немалых усилий. Но все усилия стоят того. Мы безмерно рады, что эта поездка состоится накануне официальных торжеств, посвященных 60-летнему юбилею коллектива».

«В этом туре есть прекрасные залы Мадрида, Сарагосы, Дюссельдорфа, однако самым важным здесь стоит считать Konzerthaus Wien в Вене, – рассказывает Томас Зандерлинг, главный приглашенный дирижер Новосибирского академического симфонического оркестра. – Объяснять, что такое Вена для истории музыки не приходится. Предстоящий гастрольный тур – очень ответственный. Оркестр это понимает и радуется данным возможностям, а также фокусируется на выполнении предстоящих задач».

Первые концерты тура пройдут в Испании, солисткой в трёх программах выступит известная российская скрипачка Алена Баева. 29 февраля в Зале Auditorio de Zaragoza в Сарагосе оркестр исполнит Концерт для скрипки с оркестром и Симфонию №4 Чайковского. 1 марта в Зале Alicante Adda в Аликанте прозвучат Концерт для скрипки с оркестром Брамса и Симфония №5 Шостаковича, а 2 марта в Зале Auditorio y Centro de Congresos Victor Villegas в Мурсии будут исполнены Концерт для скрипки с оркестром и Симфония №5 Шостаковича.

Солистка концертирует с ведущими симфоническими оркестрами мира, выступает в лучших концертных залах, среди которых Большие залы Московской консерватории и Санкт-Петербургской филармонии, Карнеги-холл в Нью-Йорке. Она заслужила признание самой широкой публики и авторитетных критиков.

3 марта в Мадриде в Зале Auditorio Nacional de Música Новосибирский академический симфонический оркестр выступит со скрипачкой Летицией Морено, ученицей Захара Брона. В программе Концерт для скрипки с оркестром и Симфония №4 Чайковского.

Летиция Морено – самый юный член Фонда Александра фон Гумбольдта, победитель международных конкурсов: Генрика Шеринга, Пабло де Сарасате, Фрица Крейслера, «Концертино Прага», Конкурса юных скрипачей в Новосибирске. Среди недавних успехов скрипачки – турне с Заслуженным коллективом России академическим симфоническим Оркестром Петербургской Филармонии под управлением Юрия Темирканова.

4 марта начнется немецкая часть тура. В Зале Eurogress в Аахене вместе с Новосибирским академическим симфоническим оркестром на сцену выйдет пианистка Валентина Лисица. В программе Концерт для фортепиано с оркестром №2 Рахманинова и Симфония № 6 Чайковского. 5 марта эту же программу музыканты исполнят в  Зале Tonhalle в Дюссельдорфе, а 7 марта – в Зале Konzerthaus Wien в Вене.

Валентина Лисица – виртуозная пианистка с большим репертуаром – Рахманинов, Чайковский, Лист. Солистка получила большую известность благодаря своему каналу на Youtube. Общее количество просмотров ее канала превышает 60 миллионов, что является рекордом для классического исполнителя.

Завершится гастрольный тур 11 марта в Санкт-Петербурге, где состоится первое в истории коллектива выступление в Концертном зале Мариинского театра. Концерт пройдёт в рамках Третьего Транссибирского Арт-Фестиваля и будет посвящен 60-летию оркестра. Дирижёр – Гинтарас Ринкявичус, солистка – Моне Хаттори (скрипка). Юная ученица Захара Брона знакома новосибирской публике по выступлению на Втором Транссибирском Арт-Фестивале в апреле 2015 года. В программе: Увертюра к опере «Оберон» Вебера, Концерт для скрипки с оркестром № 1 Венявского и Симфония № 4 Чайковского.

Кульминацией сезона для Новосибирского академического симфонического оркестра станет большой юбилейный концерт «60 лет триумфа», который пройдёт 29 марта в Государственном концертном зале имени Арнольда Каца. Руководить оркестром будет Гинтарас Ринкявичус, солистом выступит пианист Дмитрий Маслеев, победитель XV Международного конкурса имени Чайковского (2015).

В апреле Новосибирский академический симфонический оркестр вновь станет базовым коллективом Транссибирского арт-фестиваля Вадима Репина. Проект пройдёт в Новосибирске уже в третий раз.

 

Владимир Урин: «Что я делаю?! Зачем я это делаю?!»

Директор Большого театра — об оптимистичном отношении к тому, что произошло в уходящем сезоне, о современном танце, которому предоставят Историческую сцену, о том, как балансировать между рублевой господдержкой и инвалютными затратами, и как бороться с манией величия.

— Вы уже озвучили планы на следующий год. Но хотелось бы подытожить минувший год – что самого главного, позитивного произошло в Большом театре?

— Мне кажется, сезон был нормальным, рабочим. Из важных событий отмечу выдвижение на “Золотую маску” двух наших спектаклей — работа Кирилла Серебренникова и Юрия Посохова “Герой нашего времени” и “Свадьба Фигаро” в постановке Евгения Писарева.

Интересной оказалась и программа Фестиваля современного танца. Судя по реакции и прессы (очень позитивной), и зрителей (интерес был колоссальный).

Наша последняя в этом году премьера – “Роделинда”, совместная постановка с Английской национальной оперой. Перед тем, как прийти сюда, вернувшись из Санкт-Петербурга, просмотрел рецензии, и тоже — очень позитивная реакция.

Но дело даже не в том, что пишут журналисты, а в том, как воспринимают зрители и мы сами — насколько у нас получилось. По-моему, “Роделинда” вышла замечательной. Кристофер Мулдс, который стоит за пультом, сделал что-то невероятное с нашим оркестром! Не потому, что музыканты практически не играют барочную музыку. А это — барочная музыка, да еще и Гендель. Звучание оркестра — очень живое, и это очень важно — не просто музицирование, а современное живое звучание.

Кроме того — прекрасный кастинг артистов. И так провожать год — замечательно. Год, в котором было много очень серьезных и сложных рабочих ситуаций. Год, который при всех трудностях мы завершаем с оптимизмом. Предновогоднее настроение — отличное. Взять хотя бы такое неизменно радостное событие, как “Щелкунчик”. Если этот спектакль показывать весь декабрь и весь январь, можно вообще не заботиться о зрителе — все билеты будут раскуплены на корню. Я к телефону, честно говоря, стараюсь не подходить в это время — бесконечные звонки…

Что касается планов — во-первых, “Дон Кихот”. Это очень значимый перенос на Историческую сцену важного для Москвы балета, созданного здесь, в отличие от многих постановок, пришедших к нам из Санкт-Петербурга, из Мариинского театра. Премьера — в феврале.

Затем — тоже очень важная для нас постановка оперы “Катерина Измайлова” Дмитрия Шостаковича. За пультом будет стоять музыкальный руководитель театра Туган Сохиев. Осуществляет постановку Римас Туминас, человек бесконечно творческий, интересный. Это будет его первый оперный опыт. Но он – человек, многое понимающий, видящий музыкально, тонко чувствующий музыку. Некоторые его спектакли музыкальны, несмотря на отсутствие музыки.

Тимофей Кулябин поставит комическую оперу Доницетти “Дон Паскуале”. Вячеслав Самодуров – “Ундину” (дважды лауреат национальной театральной премии “Золотая маска” премии работает над спектаклем на музыку Ханса Вернера Хенца). Впервые в Большом театре два замечательных хореографа Пол Лайф и Сол Леон (знаменитый дуэт, возглавивший после ухода Иржи Килиана Нидерландский театр танца) поставят свой балет. А также Ханс ван Манен. Спектакль будет идти не на Новой сцене, которая почему-то считается экспериментальной, а на Исторической, потому что это высочайший уровень хореографии.

Туда же – на Историческую сцену, перенесем балет Иржи Килиана, который был поставлен на Новой сцене. И будет тройчатка замечательных, может быть, лучших голландских хореографов. Завершит сезон масштабнейшая постановка Петера Штайна  — “Осуждение Фауста” Берлиоза. Планов — громадье.

Для балета 2016 год будет ознаменован очень важными гастролями в Лондон. Везем туда не только классику, но и современные спектакли. На мой взгляд, важная постановка “Укрощение строптивой” — интересно, как английская публика воспримет Шекспира в хореографии Жана-Кристофа Майо. Несмотря на все сложности, которые есть сегодня и в мире, и в стране, я уверен в успехе. Для этого нужно только надо работать, работать и работать.

— Вам же, как правительству, приходится ориентироваться на цены на нефть и закладывать в планы ее стоимость — труппа едет за границу, к вам из-за рубежа приезжают артисты, режиссеры, билеты, гостиницы…

— Даже бюджет страны принимается лишь на один год. В связи с тем, о чем Вы говорите. Естественно, мы какие-то резервы, какие-то запасы стараемся обязательно создавать, потому что у нас есть целый ряд приглашенных солистов из-за рубежа, постановщиков. И мы с ними рассчитываемся в рублях, но в эквиваленте к валютам зарубежным, к евро и к доллару. И поэтому, конечно, наши рублевые расходы растут. Когда мы формировали бюджет, мы, естественно, пытались это учесть. Жизнь покажет, насколько нам это удалось.

— А 2016 год еще и юбилейный для Большого театра.

— 240 лет — очень серьезная цифра. Кстати, специалисты пытаются меня убедить, что на самом деле — если говорить об истоках возникновения Большого театра, то это не 240 лет, это гораздо больше. И даже показывают мне какие-то документы, связанные с этим. Пока, правда, им не удалось меня убедить, в том, что нам больше лет. Пока обсуждаем подходы, спорим. И празднуем пока 240-летие. И, конечно же, посвятим этому целый ряд событий. Так, мы заказали, может быть, одному из лучших исследователей, знатоков театра Соломону Волкову историю Большого театра. И он ее написал. Я уже получил рукопись. 28 марта — в день рождения театра — будет представлять эту книгу. Но, конечно, самым главным событием, и я в этом глубоко убежден, будет то, что сезон сложится удачно. Потому что все-таки главное в нашей жизни — это не празднование тех или иных юбилеев, а наша повседневная жизнь.

— Не могу не спросить про “Золотую маску”, одним из отцов основателей которой Вы являетесь. То, что с ней происходит, на Ваш взгляд, ей, театру на пользу?

— За 20 с лишним лет премии и фестиваля “Золотая маска” доказала свою состоятельность, и любые попытки объявить ее устаревшей, бессмысленны. Если посмотреть на людей, пытающихся это сделать, то получится, что те, кто объявляют ее пережитком прошлого, еще вчера выясняли, почему их театр не включен в список номинантов. Слишком много личностного, амбициозного вокруг этой премии. И эти амбиции, к сожалению, часто не лучшим образом проявляются у моих коллег. Отношусь к “Золотой маске” с колоссальным уважением, не потому, что в свое время участвовал в ее создании. Я вижу, во что она превратилась. Я вижу результаты этого, замечательные результаты. И прежде всего – театральный фестиваль, аналогов которому нет нигде в мире. Фестиваль всех жанров искусств, всех – и театр кукол, и театр для детей и юношества, и драматический театр, и оперный, и балетный. Всех жанров, которые только существуют — и мюзиклы, и оперетта. И слава тем, кто на это работает, потому что, повторюсь, такого в мире вообще не существует. Причем этот фестиваль ежегодный. Надо анализировать, корректировать — может быть чуть-чуть потеряно за эти 20 лет. Или наоборот — не очень подчиняться веяниям времени, отстаивать какие-то очень важные ценности. Причем, мне кажется, что обе стороны — и рьяно защищающие “Золотую маску”, и те, кто ее не принимает, в своем максимализме наносят ей только вред. Надо пытаться слышать друг друга, слушать и корректировать. Но, повторюсь, при одном единственном условии. “Маска” должна быть абсолютно независимая, она должна быть профессиональной премией. Профессионалы дают премию, и в решение профессионалов никто не должен вмешиваться. Это абсолютно однозначная позиция. Никто не должен вмешиваться. А дальше мы оцениваем уже по процессу. Дальше уже давайте обсуждать: что получилось, что не получилось, что справедливо, что не справедливо. И если мы понимаем, что что-то не так сработало, ну так это корректива. Корректива, а не разрушение. Есть же субъективность восприятия, да, искусство, как ни крути, вещь субъективная. И то, что что-то не вошло, что-то не заметили, что-то пропустили, — нормально для такой громадной театральной страны, как Россия. А все, что касается премии, — это театральная игра. И относиться к этому, как к тем, кто претендует на эти премии, так и к тем, кто их получает, надо с большим чувством юмора. Ну, правда, ну нельзя, нельзя ни в коем случае из этого устраивать битву идеологий. И под это подводить идеологическую базу. Я смотрю на это, думаю: ну играем, играем. Только, правда, не надо заигрываться.

— Вы преподаете в РАТИ. А Ваш опыт в Большом театре что-то уже успел дать Вашим студентам?

— Я неожиданно понял, что директор Большого театра в сознании многих людей — человек, который занимает такую должность, должен обязательно все понимать, все знать, во всем разбираться. И я вдруг начинаю ловить себя на том, что включаюсь в эту игру. Потом думаю: “Что я делаю?! Зачем я это делаю? Это же не так, это не так”. На самом деле, наша жизнь такая, что все время задает вопросы, на которые зачастую с большим трудом приходится искать ответ. И они не трафаретны, они часто меняются. И можно не заметить, как ты что-то говорил, продолжаешь говорить, а время уже ушло далеко вперед. А тебя убедили, что ты, поскольку ты — директор Большого театра (!), ты все знаешь, ты на все можешь ответить. Неправда это. Неправда.

— Спасибо Вам большое, Владимир Георгиевич. С наступающим годом рождения!

— Спасибо.

19 февраля отмечает 70-летие Александр Чайковский

19 февраля отмечает 70-летие известный композитор, педагог, музыкально-общественный деятель, секретарь Союза композиторов России Александр Чайковский.

Александр Чайковский — один из самых востребованных композиторов наших дней, в чьем творчестве новейшие тенденции сочетаются с великими традициями классики.

Александр Чайковский родился 19 февраля 1946 в Москве. Окончил ЦМШ при Московской консерватории по классу фортепиано у Г. Нейгауза и Московскую консерваторию по двум специальностям: фортепиано у Л. Наумова и композиции у Т. Хренникова, у которого обучался и в аспирантуре.

С 1973 — член Союза композиторов СССР.

В 1985 – 1990 — секретарь Союза композиторов СССР по работе с творческой молодежью.

В 1993 – 2002 — советник Мариинского театра.

В 2001 – 2002 — приглашенный профессор, в 2004 – 2008 — ректор Санкт-Петербургской консерватории.

С 2003 — художественный руководитель Московской филармонии.

Секретарь Союза композиторов РФ.

А. Чайковский — автор сочинений во всех жанрах: опер, балетов, ораторий, симфоний, инструментальных концертов, хоровых и вокальных произведений, камерной инструментальной музыки, мюзиклов и оперетт, музыки к кино-, теле- и документальным фильмам.

Обладатель I премии на Международном конкурсе композиторов Hollybush Festival (США). В 1988 стал композитором-резидентом международного фестиваля Bad Kissingen (Германия), в 1995 — фестиваля «Nova Scotia» (Канада), в 2013 — композитор-резидент и специальный гость фестиваля «Кружева» в Вологде.

А. Чайковский — один из авторов коллективного сочинения «Десять взглядов на десять заповедей» (Концерт для симфонического оркестра к 15-летию национальной газеты «Музыкальное обозрение», 2004).

В 2008 по заказу Первого фестиваля «Кружева» в Вологде написал увертюру «Вологодские кружева» для симфонического оркестра, открывшую цикл произведений под этим названием, ныне насчитывающий шесть сочинений для разных составов — своеобразную музыкальную летопись старинного вологодского народного промысла.

Музыка А. Чайковского звучит в крупнейших залах России, Европы, Америки, Японии, на престижных фестивалях в России и за рубежом.

Композитор впервые в России обратился к творчеству А. Солженицына (опера «Один день Ивана Денисовича», поставленная в 2009 в Пермском театре оперы и балета). Также впервые он написал две камерные оперы для Квартета русских народных инструментов («Царь Никита и его 40 дочерей» по сказке А. Пушкина и «Мотя и Савелий»).

С 1977 преподает в Московской консерватории. Профессор, заведующий кафедрой композиции. Среди учеников — П. Зингер, А. Каспаров, А. Корчинский, М. Никитина, А. Праведников, Д. Рябцев, А. Сюмак, О. Алюшина, К. Бодров, Т. Хренников-мл.

Проводит мастер-классы в России и за рубежом.

В 2002 А. Чайковский стал инициатором и художественным руководителем музыкального фестиваля «Молодежные Академии России».

Председатель и член жюри российских и международных конкурсов, член постоянного комитета Госпремий России и Беларуси, член Совета культурного форума «Россия-Япония», член Совета директоров Первого канала (ОРТ).

В 2009 возглавлял жюри премии «Золотая Маска» в номинации «музыкальный театр».

Ведущий абонемента Московской филармонии «Портреты. Д.Д. Шостакович и его ученики».

Народный артист России (2005), лауреат Премии Москвы в области литературы и искусства (2010).

Трижды назван газетой «Музыкальное обозрение» «Персоной года» (1997, 2002, 2006).

В 2009 газета назвала «Событием года» спектакль «Один день Ивана Денисовича» в Пермском академическом театре оперы и балета, а «Фестивалем года» — фестиваль «Другое пространство», проводимый Московской филармонией под художественным руководством А. Чайковского.

Премьеры сочинений композитора в 2009 – 2015:

2009

опера «Один день Ивана Денисовича» (Пермский театр оперы и балета)

2010

Концерт № 2 для скрипки с оркестром (Петербург),
Соната № 3 для скрипки и фортепиано (Москва),
Концерт для двух фортепиано с оркестром (Казань).

2011

Концерт для четырех саксофонов с оркестром (Пермь),
опера «Легенда о граде Ельце, Деве Марии и Тамерлане» (Елец),
«Ночь в Гареме», концерт для виолончели и симфонического оркестра № 2 (Екатеринбург),
пьеса для альта с оркестром Consolations («Утешение»), посвящена Ю. Башмету (Москва).

2012

Хор «Чайка. Чехов» на текст А.П. Чехова (по заказу Б. Тевлина; Москва),
«Траурная музыка Ходжалы» (Габала, Азербайджан),
опера «Альтист Данилов» (Камерный музыкальный театр им. Б.А. Покровского).

2013

Оратория «Государево дело» (Липецк).

2014

«Садовая симфония» для симфонического оркестра Баварского радио и ансамбля «Терем-квартет» (Мюнхен, дирижер М. Янсонс).
мюзикл «Оливер Твист» (Московский детский театр им. Н. Сац)

2015

Сюита для виолончели соло (Москва).

Также в 2011–2015 написаны:

«Рассказ о капитане Гаттерасе, Мите Стрельникове и коте Хаме» для симфонического оркестра и чтеца по А. Толстому
Струнные квартеты № 4, № 5
Вокальный цикл «Песни о Первой мировой войне» (премьера в Москве в 2016 году)
Концерт для скрипки, виолончели и симфонического оркестра (премьера в Москве в 2016 году)
Опера «Король шахмат» (премьера в Москве в 2016 году)

Концерты юбилейного года

11 января, БЗК

«Андрею Эшпаю посвящается…»
Симфонический оркестр Министерства обороны РФ. Дирижер — Валерий Халилов
Солисты: Майкл Гуттман (скрипка, Бельгия), Джинг Джао (виолончель, Германия)
Концерт для скрипки и виолончели с оркестром (первое исполнение)

 

24 января, КЗЧ

В рамках «День рождения Юрия Башмета – «Бенефис альта. Три Гарольда»
ГСО «Новая Россия»
Дирижер и солист – Юрий Башмет
Дирижер – Денис Власенко
«Гарольд в России», симфония-баллада для альта с оркестром (1999)

 

3, 4 февраля, Камерный музыкальный театр имени Б.А. Покровского

Опера-фантасмагория «Альтист Данилов»
Солист Юрий Башмет (альт) (3 февраля)

 

7 февраля, Самарский театр оперы и балета

Балет «Дама пик».
Дирижер Александр Анисимов
Хореограф Кирилл Шморгонер
Художник Феликс Волосенков (Санкт-Петербург)

 

19 февраля, Сочи. Зимний Международный фестиваль искусств Юрия Башмета

«Гарольд в России», симфония-баллада для альта с оркестром
Дирижер: Александр Чайковский
Солист: Юрий Башмет (альт)

 

21 февраля, КЗЧ

Ансамбль солистов «Русская рапсодия», солисты Театра им. Сац.
Камерная опера «Мотя и Савелий»

 

1 марта, ГЦММК им. М. И. Глинки

Концерт-интервью с композитором
«Александр Чайковский: известный и неизвестный»
Исполнители: Александр Чайковский
Солисты Камерного музыкального театра имени Б.А. Покровского
Олеся Старухина, Герман Юкавский
Рустам Комачков (виолончель), Святослав Мороз (скрипка)
Дмитрий Гриних (баритон)
Сцены и арии из оперы-фантасмагории «Альтист Данилов»
Сцены и арии из мюзикла «Жизнь и необыкновенные приключения Оливера Твиста»
Соната для скрипки и фортепиано № 2
Сюита для виолончели соло (Мировая премьера)
Вокальный цикл «К жене» на стихи О. Григорьева

 

8 марта, Малый зал Московской консерватории

Авторский концерт
Камерный оркестр Московской консерватории
Художественный руководитель и главный дирижер Ф. Коробов
Три романса из вокального цикла «Из жизни петербургской актрисы»
«К жене», вокальный цикл на стихи О. Григорьева
Два романса из вокального цикла «Старинные французские баллады» в переводе И. Эренбурга
«Песни о Первой мировой войне». Первое исполнение в Москве
«Сюита» для виолончели соло
«Далекие сны детства» Концерт для скрипки, альта и камерного оркестра
«XX век» камерная симфония для двух фортепиано и камерного оркестра
Концерт для альта и скрипки
Камерная симфония «Прощание с ХХ веком»
Солисты А. Гориболь, П. Осетинская, Н. Борисоглебский, Н. Кожухарь

 

19 марта, Самарская филармония

Авторский концерт
«Элегия» для симфонического оркестра (памяти Тихона Хренникова)
«Рассказ о капитане Гаттерасе, о Мите Стрельникове, о хулигане Васе Табуреткине и злом коте Хаме», музыкальная сказка для чтеца и симфонического оркестра
«Садовая симфония»
Концерт для двух фортепиано и камерного оркестра
АСО Самарской филармонии
Художественный руководитель и главный дирижер Михаил Щербаков
Солисты: Дарья Чайковская (фортепиано), Ксения Башмет (фортепиано)

 

24 марта, Новосибирская филармония, Камерный зал

«От Петрушки до Пульчинеллы», концертино для альта и струнного оркестра
Адажио для скрипки и струнных
Ансамбль солистов «Новосибирская камерата»
Художественный руководитель Фабио Мастранджело

 

29 марта, КЗЧ

А. Чайковский. Авторский концерт
АСО Московской филармонии

Хоровая капелла им. Юрлова
Дирижер – Марис Янсонс
Солисты: Юрий Башмет (альт), Борис Березовский (фортепиано), Дарья Чайковская (фортепиано), Ксения Башмет (фортепиано)
«Элегия» для симфонического оркестра (памяти Тихона Хренникова)
«Этюды в простых тонах» (Концерт № 2) для альта, симфонического оркестра и солирующего фортепиано (посвящение Ю. Башмету)
Концерт для двух фортепиано с оркестром
Симфония № 4 для оркестра, хора и солирующего альта (к 60-летию Великой Победы)

 

2, 3 апреля, Театр им. Сац

Мюзикл «Жизнь и необыкновенные приключения Оливера Твиста».
Премьера 2014 года
Либретто и стихи – Лев Яковлев
Музыкальный руководитель и дирижер Алевтина Иоффе
Режиссер Георгий Исаакян
Художник Алексей Вотяков
Художник по костюмам Мария Кривцова
Художник по свету Евгений Ганзбург
Балетмейстер Ирина Кашуба

 

5 мая, Екатеринбургский театр оперы и балета

В рамках проекта «Моисей Вайнберг. “Пассажирка”. Первая театральная постановка в России»
«Русский реквием». Оратория для сопрано, меццо-сопрано, смешанного хора, детского хора и симфонического оркестра на стихи Ф. Тютчева,
С. Есенина, А. Блока, И. Бродского, Н. Заболоцкого и псалом Давида

 

22 мая, БЗК

К 150-летию Московской консерватории
Опера «Король шахмат». Премьера (по новелле С. Цвейга)
Солисты Оперной студии Московской консерватории

 

22 сентября, КЗЧ

В рамках Юбилейного концерта. К 65-летию АСО МГАФ
Дирижер Юрий Симонов
«Ноктюрны Северной Пальмиры»

 

В конце ноября – Казань

Авторский концерт
ГСО Республики Татарстан. Дирижер А. Сладковский

В Томской филармонии представили нового директора

Сегодня стало известно, что бывшему директору Томской областной государственной филармонии Марине Шериной не продлили договор, рассказал АН ТВ2 собственный источник.

На сайте областного департамента по культуре и туризму появилась информация, что исполняющим обязанности руководителя филармонии назначена директор Томского музыкального колледжа имени Э.В. Денисова Наталия Чабовская.

Добавим, сегодня утром нового директора Томской филармонии представили коллективу.

Необходимость изменений в руководстве крупнейшего культурного учреждения области возникла в связи с тем, что закончился срочный контракт с Мариной Алексеевной Шериной, которая в течение пяти лет с 2011 года возглавляла филармонию, говорится на сайте филармонии. Накануне истечения срока М.А. Шериной было вручено уведомление, что трудовой договор с ней не будет продлен.

– Филармония – флагман томской культуры. Вопрос о назначении ее руководителя никогда не решался просто, и всегда – на уровне главы региона. Губернатору было предложено несколько кандидатур. Он остановил свой выбор на Наталии Игоревне Чабовской, – сообщил начальник департамента по культуре и туризму П.Л. Волк, представляя нового директора. – Во-первых, потому что она – музыкант. Во-вторых, у нее есть опыт руководства учреждением культуры. Десять лет руководила музыкальным колледжем без особых замечаний по службе.

Любопытно, но в этот раз не был объявлен конкурс на должность руководителя филармонии, и то что Наталья Чабовская возглавит «флагман томской культуры» не разглашалось до последнего момента.

Среди первоочередных планов Н.И. Чабовской, говорится на сайте филармонии, – встреча с творческими коллективами. С представителями прессы  разговор состоится на следующей неделе.

Источник публикации Агентство новостей ТВ2, 16.02.2016

Окончил свой жизненный путь выдающийся немецкий дирижер Курт Мазур

Курта Мазура в России знают и любят. Помнят его исполнения Бетховена, Листа, Мендельсона, Брамса, Малера, Брукнера, Чайковского (им записаны все симфонии этих композиторов), слушают его записи с Дитрихом Фишером-Дискау и Джесси Норман. Из музыки XX века он отдавал предпочтение Шостаковичу и Бриттену, осуществил немецкие премьеры сочинений Губайдуллиной и Шнитке.

Маэстро неоднократно гастролировал в России. Во второй половине 1990‑х, отмечая 50‑летие творческой деятельности, он играл со светлановским ГАСО «Картинки с выставки» в инструментовке С. Горчакова и Пятую симфонию Чайковского. В 2003 исполнил с Национальным оркестром Франции Симфонию Франка, «Вальс» Равеля, Второй фортепианный концерт Прокофьева (солистка Елизавета Леонская) и на бис антракты из «Кармен» Бизе.

Начало карьеры

Курт Мазур родился 18 июля 1927 в нижнесилезском городе Бриг в Германии (сегодня это г. Бжег на территории Польши). В 7 лет он самостоятельно научился играть на фортепиано и стал поглощать все виды музыки с такой жадностью и нетерпением, что семье пришлось отказаться от предварительных планов, связанных с обучением сына профессии электрика. В 1942—1944 учился игре на фортепиано и виолончели в Бреслау (ныне Вроцлав), в 1944—1946 проходил военную службу в национальной милиции «Фольксштурм». В 16 лет получил неоперабельную травму сухожилия правой руки, что сделало невозможной дальнейшую исполнительскую карьеру (в результате этой травмы Мазур всю жизнь дирижировал без палочки). В 1946—1948 продолжил музыкальное образование (композиция и дирижирование) в Лейпцигской высшей музыкальной школе, где впервые встал за профессиональный дирижерский подиум. Получив диплом, до 1953 работал сначала дирижером-репетитором и коучем Ландес-театра в Галле, потом дирижером Эрфуртского Городского театра, Лейпцигской оперы и приглашенным дирижером радиооркестров Лейпцига и Дрездена.

В 1955 был назначен вторым дирижером Дрезденской Штаатскапеллы, в 1958—1960 работал в театрах Мекленбурга и Шверина, в 1960—1964 — главный дирижер берлинской Комише Опер. В 1964—1967 выступает в качестве приглашенного дирижера в Европе, Японии и Южной Америке. В 1967—1970 — главный дирижер Дрезденского филармонического оркестра.

В городе Баха

26 лет, с 1970 по 1996, К. Мазур был главным дирижером Лейпцигского Гевандхаус-оркестра.

В Лейпциге Мазур быстро стал видной общественной персоной, все горожане знали его в лицо и приветствовали на улицах. Детально исследуя исполняемую музыку и жестко контролируя репетиционный процесс, он придал оркестру пышный, насыщенный звук, который идеально подходит для столь ценимого им романтического репертуара.

Он единолично решал все вопросы жизни оркестра, вплоть до приема на работу гардеробщиков и уборщиц. Мазур сумел убедить лидера ГДР Эриха Хонеккера построить новый концертный зал для оркестра: прежний Гевандхаус были уничтожен в ходе бомбардировок союзников. Строительство нового Гевандхауса, открытого в 1981, проходило под пристальным контролем Мазура вникавшего во все мелочи.

Не будучи членом компартии, Мазур был верным сторонником властей ГДР и пользовался их неограниченным расположением. В то время как рядовые граждане годами стояли в очереди на скромное жилье и столь же скромный автомобиль «Трабант», ему был предоставлен комфортабельный дом в Лейпциге и персональный «Мерседес». Ему было разрешено выезжать за границу не только с Гевандхаусом (в 1970—1980‑х оркестр несколько раз играл в Карнеги-Холле в Нью-Йорке), но и по личным контрактам выступать с лучшими оркестрами мира, включая Израильский филармонический, Далласский симфонический, Лондонский симфонический и Кливлендский.

Тем не менее, в конце 80‑х, в период распада социалистического лагеря, Мазур был известен своей оппозиционной позицией и деятельностью. В 1989 во время падения Берлинской стены он активно участвовал в уличных протестах, на которых «выступал за фундаментальные изменения в стране, за свободу и демократию» (как отмечается в телеграмме с соболезнованиями президента Германии Йоахима Гаука вдове музыканта — японской сопрано Томоко Сакураи-Мазур).

Курт Мазур был одним из тех жителей Лейпцига, кто своим авторитетом и влиянием талантливого переговорщика, призывами к миру и спокойствию предотвратил столкновения с полицией и возможное кровопролитие в тот момент, когда десятки тысяч демонстрантов вышли на улицы.

В честь объединения Германии 3 октября 1990 Мазур дирижировал Девятой симфонией Бетховена в Берлине. «Объединенная Германия обязана ему в огромной степени как гаранту спокойствия и мира в переходный период объединения», — говорит министр культуры Германии Моника Груттерс.

Многие в Германии полагали, что Мазур может стать одним из первых посткоммунистических лидеров Восточной Германии, однако музыкант эмигрировал в США. «Я музыкант, а не политик, — сказал он тогда корреспонденту журналу Time Майклу Уолшу. — Я делаю мои заявления в музыке».

Америка

С 1991 по 2002 Мазур — музыкальный руководитель Нью-Йоркского филармонического оркестра: фактически он возродил этот оркестр, вывел его на новый исполнительский уровень. С 2000 по 2007 — главный дирижер Лондонского филармонического оркестра (уступил этот пост Владимиру Юровскому). В 2002—2008 — музыкальный директор Национального оркестра Франции.

Мэтью ван Бесиен, президент Нью-Йоркского филармонического оркестра: «Более всего мы помним убежденность, веру Мазура в музыку как выражение гуманизма. Мы это особенно почувствовали сразу после событий 11 сентября, когда он вместе с оркестром организовал выступления на месте трагедии, исполнив «Немецкий реквием» Брамса, а музыканты оркестра давали многочисленные камерные концерты вокруг Ground Zero (место, где располагались башни Всемирного торгового центра — «МО»)».

В апреле 2012, во время концерта в Париже с Национальным оркестром Франции, Курт Мазур упал со сцены и был госпитализирован. В том же году после отмены нескольких концертов он сообщил на своем персональном сайте, что борется с болезнью Паркинсона.

Мазур был трижды женат и имел в общей сложности пять детей. Его сын от заключенного в 1975 брака с Т. Сакураи — Кен-Давид Мазур — певец и дирижер, постоянный приглашенный дирижер Национального филармонического оркестра России.

Курт Мазур имел огромное количество наград разных стран, в частности, был кавалером немецкого ордена «За заслуги» и французского ордена Почетного легиона. Он оставил обширную дискографию симфонической, оперной и камерной музыки.

Курт Мазур ушел из жизни утром 19 декабря 2015 в возрасте 88 лет в больнице города Гринвича (штат Коннектикут) от осложнения болезни Паркинсона на руках у своей третьей жены. Вечером того же дня Нью-Йоркский филармонический оркестр посвятил памяти маэстро исполнение «Мессии» Генделя. Урна с прахом музыканта была переправлена в Лейпциг — город, который прочно ассоциируется с именем Мазура. 14 января 2016 обер-бургомистр Лейпцига Буркхард Юнг возглавил поминальную церемонию в церкви Св. Фомы в присутствии 450 ближайших друзей и родственников дирижера, после чего в узком семейном кругу состоялись похороны на Южном кладбище Лейпцига.

В ноябре 2015 умер Роберт Крафт — легендарный биограф Игоря Стравинского

.

Каким образом молодой выпускник Джульярда, ученик Пьера Монтё в Танглвуде, не проявлявший, однако, ярко выраженного дарования и даже пытавшийся покончить с собой в армии, смог стать секретарем и ближайшим другом великого композитора, членом его семьи и выстроить в конце концов блестящую универсальную карьеру? Стать известным музыковедом, критиком-публицистом, редактором, востребованным дирижером-практиком, популяризатором музыки позднего средневековья и, как считается, самым достоверным биографом Игоря Стравинского, его musical factotum’ом в американский период жизни и хранителем его наследия после смерти? Случаен ли был выбор Стравинского?

Явление Крафта

Сложно поверить, но при переезде в США, пройдя на общих основаниях через все миграционные процедуры, Стравинский так и не задумался о помощнике американского происхождения. И именно Крафт стал тем человеком, кто предпринял первые успешные шаги на пути сближения с композитором-эмигрантом, инициировав переписку в 1947, когда ему было всего лишь 23 года. Личная встреча произошла год спустя, и практически сразу же между ними возникло притяжение, напоминавшее отношения отца и сына (с собственными детьми от первого брака у композитора в течение всей жизни были сложные отношения).

Планомерность, с которой Р. Крафт входил в творческий процесс, семейный круг и быт И. Стравинского, позволяют рассматривать его личность и действия с точки зрения заранее продуманной стратегии. В сущности, можно даже говорить о проблеме психологии «личности второго плана», которая в условиях тактики «быть рядом с гением» сконструировала не только собственную успешную реальность, но и публично приоткрыла миру реальность своего великого покровителя.

Дружба оказалась не только долгой, но и плодотворной. Поначалу в этом дуэте Крафт исполнял весьма малозначительные роли, однако потом ему удалось «дорасти» до полноправного партнерства. Крафт активно влиял на мироощущение и творческий процесс Стравинского, содействовал дальнейшей трансформации композиторского стиля и смене техники композиции. Именно он пробудил интерес Игоря Федоровича к творчеству Шенберга и 12‑тоновой додекафонной системе, а с другой стороны — к ранней духовной музыке. Именно Роберт составил либретто для таких опусов Стравинского, как «Потоп» (The Flood) и «Проповедь, притча и молитва» (A Sermon, a Narrative and a Prayer).

Творческий союз вылился в огромное количество других музыкальных проектов. В частности, в 1962 состоялись гастроли Стравинского в СССР, где Крафт дирижировал в концертах наряду со своим выдающимся компаньоном. Игорь Федорович написал впоследствии о своем ассистенте: «Роберт Крафт — лучший дирижер моих произведений. Старых, новых и даже тех, которые еще не написаны».

Совместное творчество

Вместе со Стравинским Роберт опубликовал целый ряд книг — беседы на музыкальные темы и не только. Особого внимания заслуживают Conversations with Igor Stravinsky (1959), Memories and Commentaries (1960), Expositions and Developments (1962), Dialogues and a Diary (1963), Themes and Episodes (1967) и Retrospectives and Conclusions (1969). В многотомную эпопею вошли записи разговоров Крафта и Стравинского, монологов композитора, различные интервью, эссе, выдержки из дневников и многое другое. Сейчас трудно сказать, насколько верно все это отражает то, что думал и чувствовал подлинный Стравинский на самом деле; многие склонны считать, что в эти книги Крафт вложил слишком уж много самого себя. На русском языке была издана лишь одна часть этой серии — Dialogues and a Diary — под названием «Игорь Стравинский. Диалоги» (Л., 1971).

Планомерность, с которой Р. Крафт входил в творческий процесс, семейный круг и быт И. Стравинского, позволяют рассматривать его личность и действия с точки зрения заранее продуманной стратегии. В сущности, можно даже говорить о проблеме психологии «личности второго плана», которая в условиях тактики «быть рядом с гением» сконструировала не только собственную успешную реальность, но и публично приоткрыла миру реальность своего великого покровителя.

Дружба оказалась не только долгой, но и плодотворной. Поначалу в этом дуэте Крафт исполнял весьма малозначительные роли, однако потом ему удалось «дорасти» до полноправного партнерства. Крафт активно влиял на мироощущение и творческий процесс Стравинского, содействовал дальнейшей трансформации композиторского стиля и смене техники композиции. Именно он пробудил интерес Игоря Федоровича к творчеству Шенберга и 12‑тоновой додекафонной системе, а с другой стороны — к ранней духовной музыке. Именно Роберт составил либретто для таких опусов Стравинского, как «Потоп» (The Flood) и «Проповедь, притча и молитва» (A Sermon, a Narrative and a Prayer).

Творческий союз вылился в огромное количество других музыкальных проектов. В частности, в 1962 состоялись гастроли Стравинского в СССР, где Крафт дирижировал в концертах наряду со своим выдающимся компаньоном. Игорь Федорович написал впоследствии о своем ассистенте: «Роберт Крафт — лучший дирижер моих произведений. Старых, новых и даже тех, которые еще не написаны».

Вторая половина жизни

Стравинский умер в 1971, и всю оставшуюся жизнь Крафт посвятил изучению, сохранению и популяризации его наследия. Поддерживал довольно близкие отношения с вдовой своего патрона Верой Судейкиной вплоть до ее кончины в 1982; в 1978 вышла их совместная книга Stravinsky in Pictures and Documents. Уход Стравинского побудил почти 50‑летнего Крафта жениться на его медсестре — датчанке Рите Кристиансен; и хотя брак продлился недолго, в нем был рожден сын Александр. Среди других душеприказчиков и потомков Крафта — сестра Филлис Крауфорд, вторая жена, певица и актриса Альва Челауро Минофф, двое приемных детей от этого брака — Эдвард и Мелисса и четверо внуков.

После смерти Стравинского Крафт продолжал много писать, выступать и преподавать. Он дирижировал ведущими коллективами США (оркестры Нью-Йорка, Филадельфии, Чикаго, Кливленда, Сан-Франциско, Лос-Анджелеса, Сент-Луиса, Миннеаполиса), сотрудничал с оркестрами стран Европы и Южной Америки, Канады, Мексики, Австралии, Новой Зеландии, Японии, Кореи. Провел американские премьеры «Воццека» и «Лулу» Берга, «Кардильяка» Хиндемита, а также поздних сочинений Стравинского, написанных в додекафонной технике: «Агон», «Потоп», «Интроит» памяти Т. Эллиота, Вариации памяти О. Хаксли, Vom Himmelhoch, «Авраам и Исаак», Requiem Canticles («Заупокойные песнопения»). Читал лекции и давал мастер-классы в качестве приглашенного профессора во многих университетах.

Р. Крафт оставил обширную дискографию. В основном это сочинения Стравинского, но также Баха, Дебюсси, Шенберга, Веберна, Вареза, Булеза и других композиторов ХХ века. Впервые издал в грамзаписи полное собрание сочинений Веберна (1957). Также исполнял и записывал музыку XVI—XVII вв., в т. ч. Джезуальдо (мадригалы и мотеты, 1961) и Монтеверди («Вечерня Девы Марии», 1967). В 1991—2011 под руководством Крафта на лейбле Naxos выходило собрание сочинений Стравинского (всего 12 «томов»). В 1996 он впервые записал с лондонским оркестром «Филармония» первоначальную авторскую версию «Жар-птицы» (1910).

Дважды обладатель Grand Prix du Disque Музыкального фестиваля в Каннах (Франция), а также премии Эдисона (Нидерланды).

В первой половине 1980‑х Крафт выпустил трехтомную Избранную переписку Стравинского, а в 2002 увидели свет его итоговые мемуары — An Improbable Life, где Роберт рассказал о своей жизни до, во время и после дружбы со Стравинским и о том взаимовлиянии, которое было между ними.

Р. Крафт скончался 10 ноября 2015 в возрасте 92 лет в своем доме в Галф-Стриме (штат Флорида) и был похоронен в Венеции на кладбище острова Сан-Микеле — участок рядом с могилой Стравинского он приобрел вскоре после похорон великого композитора.

Персональный сайт Роберта Крафта: www.robertcraft.net

«Впервые в России»

Владимир Юровский пригласил композитора-резидента и воззвал к совести филармонического сообщества

.

Накануне концерта 20 января В. Юровский дал интервью «Российской газете» и «Независимой газете», в которых критически отозвался по поводу того, какое место занимает современная академическая музыка в филармонической жизни России.

«Это очень важная для меня тема, и я рад, что мы объявили эту новость. На Западе оркестры постоянно работают с современными композиторами, исполняют их сочинения, заказывают партитуры. Таким образом развивается и репертуар оркестра, и сам процесс музыки. Но в России подобного опыта нет, кроме, пожалуй, единственного случая сотрудничества оркестра Ленинградской филармонии под руководством Евгения Мравинского с Дмитрием Шостаковичем.

И мы впервые с тех времен будем сотрудничать с современными композиторами, выбирая на один год “композитора в резиденции”. Я выбрал композитора Александра Вустина. 20 января прозвучит премьера его сочинения “Песня Лукерьи”. Это очень яркое и интересное по материалу сочинение, в котором соединяются симфонический и фольклорный языки.

Я считаю важным, чтобы оркестр работал с живущими композиторами. Если оркестр будет играть только музыку мертвых композиторов, он не сможет развиваться, не сможет двигаться в будущее» («РГ»).

«Хочу пробудить совесть»

«На мой взгляд, именно сегодня, когда всюду финансовый кризис и на серьезное искусство выделяется все меньше средств, долг профессиональных коллективов — не только оркестров, но и театров, хоров, камерных ансамблей — заказывать и играть актуальную музыку. Нельзя сказать, что современная музыка в нашей жизни отсутствует; она присутствует очень активно. Но есть момент некой геттоизации: музыка эта существует за высокими заборами, в рамках предназначенных для нее фестивалей, на которые ходят определенные люди, и играют там определенные люди. Получается, что эта музыка для людей одного класса, а остальная — для людей другого. Такое разделение, с моей точки зрения, глубоко неверно. Прежде всего должна увеличиться процентная доля современной музыки в филармонической афише — как раньше была квота на прием в учебные заведения представителей той или иной национальности, — само по себе это, может быть, и абсурдно, но необходимо как средство борьбы с несправедливостью. То, что современных авторов ничтожно мало в абонементных программах, — акт творческой дискриминации.

Новым проектом я хочу максимально обогатить повседневную филармоническую жизнь. Для меня это привычно, на Западе большинство оркестров имеет своего композитора в резиденции. Это не пожизненная должность, а контракт, который заключается на несколько лет. Посредниками обычно выступают издательские дома, которые действуют как агенты композитора и помогают заключать групповые заказы. В большинстве случаев заказчиками являются филармонические общества или симфонические оркестры.

Эта практика, к сожалению, практически отсутствует в нашей стране. Я недавно выяснил, что Московская филармония один раз за всю историю своего существования выступала заказчиком — к юбилею квартета Бородина, когда еще был жив Валентин Берлинский, заказала квартет Александру Раскатову.

Я хочу пробудить сначала совесть, а потом и интерес других филармонических сообществ, подать им пример. Конечно, я это делаю для себя и своего оркестра, но с расчетом, что за нами потянутся другие. Все, как могут, зарабатывают себе на хлеб. Но мы, исполнители, живем сравнительно неплохо, а композиторы живут впроголодь.

Я хочу поговорить с руководством Московской филармонии, с представителями Министерства культуры о том, чтобы возложить большие обязательства по исполнению современной, хотя бы отечественной музыки на наши основные коллективы» («НГ»).

На вопрос, знает ли он о том, что Симфонический оркестр Татарстана в прошлом году пригласил в качестве резидента молодого композитора Эльмира Низамова, В. Юровский честно признался: «Нет, не знал, но очень этому обстоятельству рад».

.

Неужели впервые?

Размышления о судьбах новой музыки в реалиях современной российской действительности

Слова маэстро о том, что поддержка современных композиторов — важная миссия исполнителей и коллективов, безусловно, справедливы. Сложно, однако, согласиться с попытками представить нынешний проект В. Юровского и ГАСО как первый, выводящий современную музыку из «гетто», со времен «сотрудничества ЗКР АСО Ленинградской филармонии с Д. Шостаковичем» (к слову, ни Е. Мравинский, ни его оркестр, ни Ленинградская филармония никогда не заказывали партитуры Д. Шостаковичу; интервьюер, вероятно, могла бы поправить В. Юровского).

Да, в основном музыка современных композиторов звучит в рамках специализированных фестивалей и мероприятий, которые посещает ограниченный круг заинтересованных лиц, а филармонии предпочитают обходиться без современной музыки. Это связано и с тем, что основная часть аудитории концертов мало ею интересуется, предпочитая проверенные веками «хиты», и с проблемой авторских прав: за исполнение на бис даже 3—5‑минутного сочинения современного композитора (да и любого, на кого распространяются закон о защите авторских прав, т. е. умершего менее 70 лет назад) филармонии вынуждены отчислять в РАО значительную часть сборов со всего концерта.

Новая музыка звучит!

Тем не менее, не все так уж плохо. И говорить о долге, взывать к совести филармоний, утверждать, что практика «композитора-резидента» и заказа сочинений в нашей стране фактически отсутствует, пожалуй, не совсем верно.

В России есть и композиторы-резиденты, пусть их пока значительно меньше, чем за рубежом. Так, задолго до объявления А. Вустина резидентом ГАСО, в апреле 2015 А. Сладковский объявил имя композитора-резидента ГСО РТ на сезон 2015/2016 Эльмира Низамова (см. с. 25).

Эту же позицию ввели многие фестивали. Ежегодно заказывают новые сочинения фестиваль «Возвращение» (кстати, они были первыми), «Евразия» в Екатеринбурге, «Кружева» в Вологде, Транссибирский арт-фестиваль Вадима Репина в Новосибирске.

Постоянно сотрудничают с современными композиторами оркестры: «Новая Россия» (в его программах регулярно звучит музыка А. Чайковского, Г. Канчели), ГАСК п/у В. Полянского, УАФО п/у Д. Лисса. Особый респект — ГСО Татарстана п /у А. Сладковского, который проводит ежегодный фестиваль современной музыки «Конкордия», а с нынешнего года — фествиаль татарской музыки им. Назиба Жиганова. В 2012 оркестром записана «Антология музыки татарских композиторов» на трех CD.

Эльмир Низамов и Александр Сладковский

Филармонии

Московская филармони я в этом аспекте, как и во многих других — «впереди России всей». С 2010 МГАФ проводит фестиваль (ныне биеннале) «Другое пространство», поручив В. Юровскому художественное руководство этим форумом. Постоянно звучат новинки и премьеры в Камерном зале, в т. ч. в цикле «Персона — композитор» и других абонементах.

Санкт-Петербургская филармония в прошлом сезоне заказала новое произведение Настасье Хрущевой («Красота», три песни для женского голоса с оркестром) в рамках программы поддержки молодых композиторов: мировую премьеру исполнил АСО филармонии под управлением М. Агреста.

Свое пространство новой музыки у Омской филармонии и симфонического оркестра: биеннале, которой руководит худрук ОАСО Д. Васильев.

Театры

Более 10 лет Родион Щедрин является фактически композитором-резидентом Мариинского театра: там идут семь его сочинений; три оперы («Очарованный странник» в сценической версии, «Левша», «Рождественская сказка») созданы специально для Мариинки, а в исполнении оркестра звучат многие симфонические произведения. В. Гергиев ставит оперы современных композиторов (Триптих по Гогоолю, «Братья Карамазовы» А. Смелкова), проводит фестиваль «Новые горизонты».

Большой театр не раз обращался к творчеству Л. Десятникова, несколько лет назад поставил балет Е. Подгайца «Мойдодыр», а в прошлом году — «Герой нашего времени» И. Демуцкого.

Время от времени ставит произведения современников Пермский театр оперы и балета: при Г. Исаакяне в 2000-х — «Пена дней» Э. Денисова, «Один день Ивана Денисовича» А. Чайковского; в 2014 — опера Д. Курляндского «Носферату».

На протяжении всей своей истории ежегодно представляют премьеры современников Театр им. Сац и Камерный театр им. Б. Покровского. Только что Нижегородский театр оперы и балета представил два оперы Л. Клиничева об А. Ахматовой и М. Цветаевой. Постоянно обращаются к творчеству национальных композиторов театры Казани, Уфы, Якутии…

Наконец, новый проект — «Электротеатр “Станиславский”», на пространстве которого современная музыка звучит практически ежедневно.

Много делают для продвижения совремнной музыки вузы, прежде всего — Московская консерватория и ее ансамбль солистов «Студия новой музыки».

«Музыкальное обозрение»

Немало проектов в области новой музыки в активе «МО». Трижды газета заказывала новые сочинения. Два коллективных опуса:

в 2004 — концерт для оркестра «Десять взглядов на десять заповедей», за 10 лет прозвучавший около 30 раз в десятках городов России (авторы — М. Броннер, Ю. Воронцов, А. Вустин, С. Жуков, Р. Леденев, С. Павленко, Е. Подгайц, Р. Сабитов, А. Чайковский, А. Эшпай; московской премьерой дирижировал В. Зива); в 2006 — «Посвящение. К 100‑летию Д. Д. Шостаковича» (авторы О. Алюшина, К. Бодров, О. Бочихина, А. Буканов, А. Васильев, Т. Новикова, А. Сюмак);

в 2014 — Kyrie eleison для хора, оркестра и органа, автор К. Бодров (к 25‑летию «МО», дирижер Ю. Симонов).

С 2009 проходит абонемент МГАФ «Персона — композитор», в котором участвовали более 20 композиторов разных поколений: от А. Эшпая, Р. Щедрина и С. Губайдулиной до В. Горлинского и А. Ромашковой.

Фестиваль «Кружева» в Вологде с 2008 заказывает российским композиторам новое сочинение — увертюру «Вологодские кружева» для разных составов (в числе авторов — А. Чайковский, К. Бодров, А. Васильев, М. Гоголин, М. Броннер, Ю. Каспаров).

Композиторами-резидентами фестиваля были Александр Чайковский (в 2013) и Юрий Каспаров (в 2015).

Юрий Каспаров на фестивале «Кружева», Вологда, сентябрь 2015

Если пофантазировать…

В. Юровский работает по западным лекалам. Бывая в России 1—2 месяца в году, он может и не знать о каких-то вещах и процессах. И, вероятно, дело его помощников, как и журналистов — доносить до него полную и точную информацию.

Но, повторяем, в целом маэстро прав. Особенно в отношении симфонической музыки и симфонических оркестров. И усилия наших ведущих дирижеров — В. Юровского, А. Сладковского, Д. Лисса, Р. Нигаматуллина, Д. Васильева и других — по продвижению симфонической музыки современных российских авторов заслуживают самой высокой оценки.

Если же представить, что хотя бы несколько из названных выше институций — симфонические оркестры (их в стране около 70), филармонии (более 80), театры оперы и балета (около 30), фестивали (пересчитать которые невозможно) — привлекут композиторов‑резидентов (фактически речь идет о некой стипендии) и будут заказывать им хотя бы по одному новому сочинению, то ежегодно будет звучать не менее 150—200 премьер современных российских композиторов.

P.S.

6 июня 2016 в своем цикле просветительских концертов «Истории с оркестром. Владимир Юровский дирижирует и рассказывает» В. Юровский представит мировую премьеру оперы С. Слонимского «Король Лир». Также в программе концертов театральная и киномузыка С. Прокофьева и Д. Шостаковича.