От театра Мейерхольда к КЗЧ

12 октября 1940 в Москве на площади Маяковского на месте театра Всеволода Мейерхольда открылся Концертный зал имени П.И. Чайковского

В 2015 году Московская филармония отметила 75‑летний юбилей Концертного зала им. Чайковского (КЗЧ), своей главной концертной площадки, по праву считающейся лучшей в Москве. Однако, мало кто знает и помнит, о сложной судьбе КЗЧ. Первоначально он строился как экспериментальный театр Всеволода Мейерхольда и с этим именем связана его трагическая судьба. Мало кто знает, что за классическим фасадом скрывается, уникальное новаторское решение интерьера зала, заложенное молодыми архитекторами-конструктивистами Михаилом Григорьевичем Бархиным и Сергеем Евгеньевичем Вахтанговым. Оно разрабатывалось в долгих беседах с режиссером.

В сложной истории зала значится множество проектов, перепланировок, дискуссий и переработок, передач в различные государственные инстанции и переделок. А после опалы и расправы с выдающимся реформатором его имя было вычеркнуто из летописи известного сегодня здания. Достроенное, оно перешло в ведение Филармонии, которая первым концертом 12 октября 1940 отметила здесь 100‑летний юбилей П. И. Чайковского, широко отмечаемый по всей стране. От этой даты и отсчитывается история КЗЧ.

Судьба КЗЧ, пробелы исторической памяти — все это выглядит абсурдно, тянет на фарс, но в то же время вполне типично для градостроения Москвы. Сегодня и мы живем в эпоху, когда Москва перестраивается, перелицовывается по многу раз, в зависимости от вкусов и бизнес-предпочтений градоначальников: от бронзовых статуй Лужкова — Церетели, народных гульбищ на Манежной площади и Поклонной горе до плитки в эпоху мэра Собянина. В строительный «водоворот по-русски» уже давно включились известные музыкальные театры, превращавшиеся в непостижимые долгострои. Вспомним эпопею с исторической сценой Большого театра и восьмилетние метания, связанные со зданием «Геликон-оперы» на Большой Никитской…

Многое из этого уходит в беспамятье современного фейсбучного публичного пространства и новостных лент. Вокруг зданий создается своя мифология и перелицовывается история, как плитка на главных артериях города Москвы. Видимо, это и есть типичная черта русской ментальности — постоянная историческая амнезия. Но вопреки всему, как писал Д. Хармс, «жизнь побеждает смерть неизвестным науке способом».

Своя история

Мы подробно восстанавливаем забытую историю строительства КЗЧ. Она показывает, что в итоге, КЗЧ — это не просто здание с 75‑летней историей, не просто концертная площадка, принимающая мировых знаменитостей, не просто стилевая многоголосица развлекательных и интеллектуальных мероприятий. Это памятник города, хранящий все «зигзаги» истории страны, власти и отечественной культуры.

Для «МО» важно сохранить память о КЗЧ как результате строительства театра Мейерхольда, связать имя режиссера с этим зданием. Причин здесь несколько — и просветительство газеты, и заинтересованность в судьбах прошлых и будущих. Но главное, потомок Мейерхольда — Петр Меркурьев — являлся одним из основателей «МО», долгое время работал в газете, был нашим коллегой, другом, соратником. Так что и судьба газеты неразрывно связана с Мейерхольдом и его творением.

«МО» провела первый в истории фестиваль «Мир музыки Мейерхольда» в Перми. Уже несколько лет мы пытаемся провести в КЗЧ вечер его памяти. С идеями разного рода — от мемориального концерта до абонемента, музыкально-театрального вечера и экспериментальных акций — несколько лет мы обращаемся к руководству филармонии. Но пока все остается в виде проектов…

Кафешантан в руках реформатора

Творческая репутация здания на Садово‑Триумфальной площади началась в 1901. Здесь был отстроен театр «Буфф» французом Шарлем Омоном, который из Парижа привез в Москву эксклюзивный парижский канкан и развлекал им жителей, как и другими музыкально-театральными фривольностями. Театр имел громадный успех, хотя и порицался в газетах за безнравственность. После отъезда Омона в 1907 из России, его владельцем стал буфетчик Игнатий Зон, сделавший из него опереточный «рай».

После революции, в 1920 здесь разместился Театр РСФСР, созданный при участии Всеволода Мейерхольда, занимавшего в то время пост заведующего театральным отделом Наркомпроса. С этого времени и по 1938 г. театр был связан с именем режиссера-реформатора. А в 1922 он получил название Театр им. Мейерхольда (ТиМ). В течение 10 лет здесь шли знаменитые спектакли режиссера: «Мистерия-буфф» Маяковского, «Ревизор», «Горе уму» (по грибоедовскому «Горю от ума») и др.

Реформаторская система Мейерхольда потребовала кардинальных изменений сцены театра, самой концепции театрального пространства. Небольшой театр на 1200 мест, с традиционной углубленной сценой, отделенной рампой от зрителя, с колосниками и расписными «задниками» — все это не соответствовала идеям вседоступного, агитационно-плакатного, масштабного действа.

Подобные проекты были широко востребованы в раннесоветской культуре, наследующей культуру Серебряного века (здесь прямые линии идут от русского вагнеризма, мистериальных идей Вяч. Иванова и Мистерии А. Н. Скрябина, в которой отсутствовало разделение на зрителей и исполнителей).

Но к 1930‑м годам, когда курс власти кардинальным образом изменился, революционные идеи Мейерхольда оказались неактуальными, даже чрезвычайно опасными. Дальнейшая судьба режиссера известна — арест и физическая расправа…

Театр, который строил Мейерхольд

А как складывалась судьба театрального помещения на Садово‑Триумфальной? Как идеи режиссера воплощались в реальные архитектурные проекты и что с ними стало после его опалы?

Добившись разрешения на ремонт здания, В. Э. Мейерхольд попытался его максимально перестроить в соответствии со своим видением театральных постановок. Первоначальный проект с 1930 по 1933 годы разрабатывали молодые архитекторы М. Г. Бархин и С. Е. Вахтангов (сын известного актера и режиссера), направляемые Мейерхольдом.

Обратимся к их статье «Незавершенный замысел», которая была опубликована в сборнике «Встречи с Мейерхольдом» (М., 1967), ставшим библиографической редкостью. Публикуем статью с небольшими сокращениями.

.

Незавершенный замысел

«…Старая форма театра — со зрителями по одну сторону портала и актерами по другую его сторону, форма, всей своей структурой создававшая иллюзорность спектакля, — резко не удовлетворяла режиссера.

Ему давно уже не нужны были натуралистические писаные подвесные декорации, отброшены были задники и падуги, упразднен занавес. Ему мешала яма оркестра, физически разделявшая зрителя и актера; ему представлялась «тупой» фронтальная точка зрения зрителя на действие, ведущееся на сцене, точка зрения, при которой не воспринималась глубина построения мизансцен (он сам любил смотреть свои спектакли из ниши ближайшей к сцене боковой двери партера или с боковых мест балкона). <…> ему было тесно в закупоренной коробке театра традиционной формы. Ему нужно было здание новое, просторное, в котором можно было бы реализовать замыслы, не умещавшиеся в узких рамках случайного здания. Вот и возникла необходимость в реконструкции этой коробки.

Вс. Э. Мейерхольд привлек к работе над проектом нас, помогавших ему ранее в осуществлении некоторых постановок театра в качестве художников‑конструкторов и знакомых с его взглядами на театр.

Сейчас, конечно, трудно точно вспомнить все интереснейшие, длительные разговоры, во время которых выяснялись режиссерские требования и строительные возможности, театральные нужды и материальные средства, разговоры, во время которых раскрывались творческие перспективы, обсуждались задачи искусства и место режиссера, говорилось о роли театра и об истории архитектуры, о Шекспире и о греческом хоре, о римском амфитеатре и вагнеровских операх, о Маяковском, Олеше и Безыменском, Корбюзье и Татлине, Рейнгардте, Ван де Вельде, Эренбурге — об акустике и оптике, о начертательной геометрии и механике, о подъемных кранах, автомобилях и обо всем том, что оказывалось связанным с новым театром, с задачами, ставившимися перед архитекторами, которые хотели бы задуматься над театром для Мейерхольда.

Как хочет режиссер поставить актеров, построить действие: перед зрителем, вокруг зрителя или сам зритель окружит действие?

В греческом театре орхестра (место для хора) была окружена амфитеатром ступеней, на которых располагалось до 30 тысяч зрителей. Небольшая сцена («скена») была крытой и рассматривалась фронтально. По существу, это было соединение двух приемов восприятия действия. Только после многовекового перерыва можно было увидеть такое же решение в эпоху Возрождения в Англии, в шекспировском театре «Глобус». Наконец, в наше время, такая концепция была осуществлена в театре, построенном Пельцигом в Берлине (1919, театр Макса Рейнгардта). Во всех этих случаях есть две сцены: глубинная и сильно вынесенная вперед авансцена, просцениум, «орхестра».

Несравненно большее, доминирующее развитие получила в дальнейшем схема театра римского. Здесь в орхестре уже сидели зрители, как в партере. Действие рассматривалось, как происходящее только на фронтальной сцене, большой и сильно развитой.

Отсюда ведет свое развитие весь европейский театр, вплоть до зданий, сегодня осуществляемых. Именно здесь началось разделение зрительного зала и сцены, зрителя и актера. Отсюда пошел портал, яма оркестра, а затем и занавес…

Но эта схема перестала удовлетворять режиссеров‑новаторов. Еще в 1912 г. Ван де Вельде, а несколько позже Огюст Перре решили устроить не фронтальную сцену с одним порталом, а так называемую трехчастную сцену с тремя порталами, обнимающими переднюю часть партера. Еще дальше эту идею развили Э. Пискатор — В. Гропиус, окружив зрительный зал целым сценическим кольцом. Действие здесь должно было идти вокруг зрителя со всех сторон.

Иначе эту важнейшую задачу понимал Мейерхольд. Он хотел дать возможность зрителю видеть — актера во всем богатстве пластики его движения. Действие — во всем богатстве его пространственного развития. Движение — протекающим не только слева направо, перед глазами зрителя, но и вперед и назад, разрезающим зрительный зал.

Всеволод Мейерхольд, Владимир Маяковский

Эти принципы касались самих основ театра. Как будет строиться театральное действие? Останется оно плоскостным, фронтальным или захватит весь объем зрительного зала, всю его пространственную структуру? Останется ли рама портала, отрезающая зал от сцены, создающая двухмерность действия? Или зритель и актер чем-то и как-то будут сближены? Как лучше видеть актера — все время спереди или есть еще хорошие точки зрения на него — сбоку, сверху, сзади? Как актеру лучше играть — имея перед собой темное отверстие традиционного портала, работая лишь в одном направлении, «на зал», будучи защищенным с трех сторон, пли играть, как в цирке, среди окружающих его зрителей, играть «беззащитным»! Или надо все же сохранить ему одну «свою» сторону, заднюю стенку, фон, опору? Как связать актера с местом его будущего действия — будет ли он сидеть у себя в уборной «за тридевять земель» от игровой площадки, а когда понадобится, то прибежит он и в нужном месте, с нужного слова начнет «свою роль»? Или его лучше разместить в непосредственной близости от сцены, и актер тогда сможет естественно, легко, органично влиться в спектакль, когда это будет нужно. Не должен ли зрительный зал освещаться естественным светом, чтобы актеры проводили репетиции в условиях всех других производств и в действие некоторых спектаклей входил бы дневной свет? И т. д. и т. д.

Заранее никто таких вопросов не формулировал, тем более не имел готовых ответов.

Не сразу выработались и основные принципы нового театра:

— единство зрительного зала и сцены, — охват действия зрителями с трех сторон,

— глубинность построения действия и аксонометрическое восприятие его сверху и сбоку,

— отсутствие занавеса, рампы, оркестровой ямы, разделяющих зрителей и актеров,

— освещение зрительного зала естественным светом,

— непосредственная связь актеров со сценической площадкой.

Для этого мало было уже только ремонта, реконструкции старого здания бывшего Зон. Если говорить прямо, то надо было попросту сломать его совсем и сделать что-то совсем иное. Но в то время была возможна только «реконструкция», а потому, к сожалению, были сохранены наружные стены — жесткие рамки, определившие характер всего строительного решения.

Сломав весь старый интерьер, портал и балконы, организовав единое пространство сцены и зрительного зала, нужно было как-то разместить игровую площадку. Эту удлиненную, поставленную вне центра, сильно выдвинутую в зал площадку с трех сторон обняли места на тысячи зрителей. Так решалась задача возможности глубинного построения театрального действия, охвата его зрителями. Необходимо было обеспечить восприятие этого действия наиболее выгодно — сверху, то есть во всем трехмерном разнообразии мизансцен.

Мы уже говорили о выгодности рассматривания актера и всего действия сверху и сбоку, в «аксонометрии». Для этого можно было снова вернуться к балконам и ярусам, так привычным для старого типа театров.

Но лучшим решением, как нам казалось, было амфитеатровое размещение мест для зрителей на круто поднимающихся ступенях. Только амфитеатр (греческий, римский, палладианский, вагнеровский) давал наилучшие условия видимости, полное, широкое, всеохватывающее восприятие спектакля. Абсолютно исключались помехи от впереди сидящих зрителей. И, что самое главное, такой театр — театр безранговый, без партера и бенуара для избранных и верхних ярусов для всех остальных — являлся действительно новым, подлинно массовым, демократическим театральным зданием. Это — о зрителях.

Схемы трансформации зала
Аксонометрическое восприятие действия
Итоговый вариант зала

Но в театре очень большое внимание должно быть уделено актерам. Надо было приблизить актеров к сцене (собственно, их артистические кабины и места ожидания выхода). Этому обстоятельству Всеволод Эмильевич придавал очень большое значение.

Актер не должен был, задыхаясь, прибегать с пятого этажа и выходить на сцену, лишь формально зная, о чем была речь до него. Наоборот, Мейерхольд представлял себе дело даже так, что незанятый в данном эпизоде актер, может ждать своего выхода на сцене же, только в глубине, вне света прожекторов, вживаясь в темп и ритм спектакля, в его динамику, и в два шага оказываться сразу в центре событий.

Мы уже говорили о том, что осуществленные постановки Всеволода Эмильевича давали большое количество решений, которые могли войти в архитектуру нового театра. Так, например, определился вопрос о размещении артистических кабин. В «Ревизоре» была великолепная сцена, в которой Хлестаков получал взятки от чиновников. Сцена эта происходила на фоне полукруглой стены, сплошь состоявшей из дверей. Вот такое полукольцо дверей и стало задним фоном, четвертой стеной сценической площадки, было использовано для организации выходов из двух ярусов кабин ведущих актеров, став частью архитектуры.

В постановке «Командарма 2» И. Сельвинского была устроена фоновая полукруглая стена, охватывавшая всю сцену. В «Списке благодеяний» Ю. Олеши специальные щиты, вынесенные в зал из глубины сцены, объединили в одно целое сцену и зрительный зал.

На ряде сценических опытов было найдено место оркестра, поставленного в приподнятую над кабинами актеров нишу в стене зала над сценой. Оркестр мог быть видим зрителям или закрыт от них. Вопрос механизации сохранял свою большую роль, отметались только колосники с подвесом декораций. Игровая площадка приобрела два вращающихся круга, поставленных по продольной оси. Это предрешило форму самой площадки. Но должна была быть и «верхняя» механизация. Для этого предполагалось по потолку както криволинейно проложить монорельс для перемещения игровых площадок на разную высоту и в разные места зрительного зала.

Сразу после окончания акта выключались прожекторы, круги сцены опускались в двойной трюм и снова поднимались уже освобожденные от декораций (конструкций, как тогда говорилось).

Наконец (и это могло быть наиболее интересным), было задумано, чтобы сцена в антрактах предоставлялась зрителям. Кроме выходок в фойе они могли бы спускаться по ступеням амфитеатра вниз и заполнять большую, свободную и незагроможденную декорациями площадку сцены. Здесь они по-новому ощутили бы единство театрального пространства и сами представили собой оживленную и яркую картину для сидящих на местах, картину, привлекающую внимание ритмом движения, красками, новизной.

Для ряда прежних постановок театра требовался проезд автомашин через зал на сцену. Эту связь внешнего пространства со сценой Мейерхольду необходимо было обеспечить и в новом здании, как органически задуманную, как одну из обязательных черт этого театра. Такой сквозной проезд удалось осуществить в проекте, несмотря на крайнюю затесненность участка.

Надолго и во многие проекты других театральных зданий это требование Мейерхольда (сквозного проезда транспорта) вошло как само собой разумеющееся, как одна из наиболее характерных черт нового театра. И действительно, если на сцену Большого театра и в «Дон-Кихоте», и в «Хованщине» лошади могут входить на правах актеров, то, естественно, в современных вещах могут действовать автомашины…

Кто из видевших спектакль «Земля дыбом» не помнит самого необычного ощущения, когда сзади, из фойе, через широко распахнувшиеся двери въезжал в зал грузовик с телом убитого героя?

Мы много говорили с Всеволодом Эмильевичем о спектаклях под открытым небом. И ему очень хотелось, чтобы в его театре удалось осуществить задуманный раздвижной потолок. И это могло быть очень интересно летом, ночью… Кстати, сейчас, если бы понадобилось, такой потолок можно было бы сделать, но в 1930 году это казалось очень трудно осуществимым. Хотя энтузиаст — инженер Артюшков брался сделать не только поднимающиеся и вращающиеся круги на сцене, но и раздвижное перекрытие над залом…

Ну, не раздвижной потолок, так хоть верхний дневной свет мы все же сделали в зале театра. И электрическое освещение (прожекторное) мы предполагали сделать бьющим оттуда же, сверху, через молочное стекло сплошь остекленного потолка.

Мейерхольд думал не только о месте для актера, но и о месте для режиссера, художника, конструктора, композитора. Теснота участка заставляла необычно компоновать здание. И вот возникло предложение создать в театре «творческую башню».

Эскизы Театра им. Мейерхольда, 1932-1933 гг

Сколько мучений принесла эта башня!

Непривычность башни в «образе» театра, театрального здания, прочно установившегося за сотни лет, вызывала немало тяжелых разговоров в длительном процессе утверждения этого проекта в соответствующих инстанциях.

Но работа двигалась.

С 1930 года, на протяжении нескольких лет, нашей авторской группой было сделано три проекта, последовательно развивавших идеи, о которых говорилось выше.

Первый вариант (1930—1931) сохранял большую часть старого театра: вестибюль, фойе, лестницы, даже малый зал, размещавшийся сзади большого. Кардинально переделывались только прежние зал и сцена — здесь ломалось все, и в объединенном объеме строился новый зал. По форме он был, по существу, прямоугольным с полукруглыми торцами. Такой же была и игровая площадка, смещенная к одному торцу. Оба вращающихся круга были равного диаметра.

Второй вариант (1931—1932) представлял собой более радикальное решение. Это было совсем новое здание, которое считалось только с габаритами участка и полностью игнорировало старое здание. Сильно вытянутый элипс зала включал заостренную игровую площадку с кругами резко различного диаметра. Проектировалось 2 тысячи зрительных мест.

Для возможности в новом театре ставить прежние спектакли, рассчитанные на неглубокую сцену-коробку и на наличие партера, предполагалось, что малый (передний) круг и часть неподвижной сцены, до большого круга, расположенного в глубине зала, смогут трансформироваться в партер путем опускания этих частей и заполнения их переносными местами.

Наконец, третий вариант (1932—1933) был наиболее реалистичен. Он сохранял наружные стены и максимально использовал весь внутренний объем коробки здания. Элипс стал не таким вытянутым, места поэтому приблизились к сцене. Зрительный зал вместил 1600 зрителей. Этот вариант и был построен нами в железобетоне и кирпиче. Но затем строительство театра было прервано. Отделка зала производилась уже без нашего участия…

Михаил БАРХИН
Сергей ВАХТАНГОВ

Авангард на все времена

Как показывает статья Бархина и Вахтангова, новации Мейерхольда далеко выходили за рамки своего времени. Многие из его идей до сих пор воспринимаются авангардно, используются на экспериментальных сценах. Придуманные именно для этого помещения технологии повлияли на развитие всего мирового театра.

Сцена-трансформер с двумя кругами, которые поднимаются и опускаются при смене декораций, с подачи Мейерхольда стала активно внедряться в европейском театре. Максимальная включенность зрителя в спектакль — это сегодня одна из главных задач театрального процесса. Востребованы интерактивные постановки. Актеры все чаще выходят в зрительный зал, который используется как всеохватная, тотальная сцена.

Интересно увидеть и «странную» логику истории: повлиявшая на Мейерхольда вагнеровская драма привела к созданию нового типа концертного зала в России. Вполне закономерно, если бы было не так трагично…

Башня

Упомянутая в статье М. Бархина и С. Вахтангова башня была чрезвычайно важна для режиссера, но именно она и стала «яблоком раздора». Получив в распоряжение помещение театра Зон, Мейерхольд решил не только кардинально изменить его внутреннее устройства, но расширить его объемы. Театру катастрофически не хватало производственных помещений, цехов. Он добился разрешения на то, чтобы включить в общую конструкцию театра еще и булочную, которая располагалась на углу площади и выходила фасадом на Тверскую (тогда ул. Горького).

В общей архитектуре здания ей отводилась важная роль, воплощающая концепцию уличного, всеобщего театра: у ее основания проектировались ступени-трибуны для выступления актеров на улице. Важно и то, что благодаря башне здание соединяло в себе элементы «театра массового действия» и культовое сооружение. Родные и друзья В. В. Маяковского (Л. Ю. Брик, Н. Н. Асеев) при поддержке В. Э. Мейерхольда предлагали замуровать урну с прахом поэта в стене здания или даже поместить ее в самом театре.

Но булочная затрагивала облик важнейшей жизненной артерии города, и отсюда возникли многие проблемы. По улице Горького проходили официальные парады, так что она являлась идеологическим и стратегическим центром города. Экспериментальный проект уже не мог быть утвержден без пристального внимания властей, особенно после смены идеологического курса — революционный конструктивизм в архитектуре сменился на сталинскую неоклассику.

Дальнейшую судьбу незавершенного проекта исследовал и восстанавливал по крупицам (по сохранившимся наброскам, раритетной периодике, профессиональным документам) в течение 15 лет кандидат архитектуры, профессор кафедры «Архитектура сельских населенных мест» МАРХИ, главный архитектор проектов проектной организации ООО «Фирма ГИПРОКОН» Александр Кожевников. С его разрешения, мы цитируем его статью (опубликована в электронном журнале МАРХИ) и дополняем его рассуждениями, которыми он поделился с «МО».

Конкурсная гонка

Как указывает А. Кожевников, строительные работы по реконструкции начались при Мейерхольде и по разработанному Бархиным и Вахтанговым плану. Сохранили наружные стены, таковы были условия ремонта, и полностью снесли все внутренние конструкции (портал, балконы, лестницы). Были сделаны железобетонные конструкции для зрительного зала, который имел форму «эллиптического цилиндра», прижатого к уже существующим, старым стенам. Этим решением архитекторы добились единого пространства сцены и зрительного зала. В центре этого необычного для театра зала находилась «игровая площадка» удлиненной эллиптической формы, которая решала задачу глубинного построения будущих спектаклей. С трех сторон ее «обнимали» зрительские места круто поднимавшегося амфитеатра, обеспечивавшего максимальную видимость. Такое построение зала создавало «массовый», по определению В. Э. Мейерхольда «безранговый» демократический театр. Новаторский замысел с верхним дневным светом был реализован посредством кровельных световых фонарей. Важнейший вопрос приточной вентиляции зала был решен путем устройства каналов подачи воздуха в спинках кресел зрительских мест. На тот период времени это было абсолютным техническим новшеством.

Сцена была решена в виде «игровой площадки», на которой находились два вращающихся круга разного диаметра. На потолке должен был крепиться монорельс с тележкой для перемещения «игровых площадок» на разную высоту и в разные места зрительного зала. Такое решение создавало возможность использовать в спектакле весь объем зала. Круги сцены имели возможность опускаться в трюм для «перезарядки» в антракте новыми декорациями. Фактически, театральное пространство Мейерхольда носило элементы того, что в современной сценографии называется «залом-трансформером».

Но в 1933 по настоянию Моссовета в основном из-за новаторской башни (названа «стеклобетонным небоскребом») проект был отвергнут как «формалистский» и отправлен на переработку. Дальше был фактически организован закрытый конкурс по созданию внешнего облика престижного, крупнейшего в Москве театра.

Три проекта

В конкурсе приняли участие архитекторы трех мастерских Моспроекта, которые в разной степени стремились реализовать реформаторские идеи Мейерхольда:

1) мастерская Г. П. Гольца при участии М. П. Парусникова и И. Н. Соболева предложили классицистский образ театра с монументальным фасадом, подчеркнутым десятиколонным портиком (выходил на площадь); фасад на ул. Горького оформлен в виде глубокой арки, которая являлась эстрадой для выступления артистов на улице (идея Мейерхольда) во время городских праздников и демонстраций;

2) мастерская А. К. Бурова при участии А. В. Власова и его соавторов: фасад со стороны Садово‑Триумфальной площади представлял собой плоскость, на которой было размещено углубление со сценой, обращённой на улицу. Предполагалось, что фасадная сцена трансформируется в экран и кино», как вариант, — в декоративное панно, изображающее внутренний мир театра (предположение Кожевникова). Круглые окна, освещающие помещения артистических уборных, составляют главный мотив фасада и обрамляют сцену. Вход в театр решен как «гипертрофированная дверь», что является приемом максимальной театрализации внешнего дизайна. Фасад вдоль ул. Горького решен в виде трехэтажных балконов, напоминающих шекспировский театр «Глобус». Между колонн расположены полихромные скульптуры (муляжи) персонажей Мейерхольдовских постановок. Этот вариант являлся действительно новым взглядом на подход к проектированию театра. Главная идея заключалась в желании авторов максимально показать во внешнем облике внутреннее содержание здания;

3) мастерская профессора И. А. Голосова: впервые заявлена идея об архитектурной организации всего пространства на Садово‑Триумфальной площади. Разрабатывая образ театра, И. А. Голосов одновременно решал проблему цельности ансамбля площади Маяковского за счет возможности усилить и связать композицию возведением башни в здании, расположенном по диагонали от проектируемого театра. Все авторы пытались воплотить идею театра-площади, ведь это был период создания театров массового действия. С точки зрения конструкций, все могло двигаться, трансформироваться, раздвигаться, то есть работать на «экстерьер», вовне.

Проекты театра Мейерхольда, представленные советскими архитекторами в 1930-е годы

В финале обсуждения на Архитектурнотехническом совете было решено отвергнуть все представленные варианты в связи с тем, «что ни один из них ни в какой мере не удовлетворяет требованиям архитектурного оформления Триумфальной площади, не обеспечивает создания единого архитектурного ансамбля».

Вне конкурса

После провала конкурса Моссовет «подключил» к проекту академика А. В. Щусева, который являлся Главным архитектором улицы Горького. Он предложил М. Г. Бархину и С. Е. Вахтангову свою опеку и авторство, но молодые архитекторы отказались завершать постройку, не желая поступиться своими «архитектурными принципами». И вскоре были забыты как авторы уникальной внутренней архитектуры «революционного театра».

Щусев не пытался передать концепцию новаторского театра Мейерхольда, воплотить его идеи, а формально связал оформление внешнего вида здания с его именем. Поверхности стен были обработаны барельефами, фриз на стене за колоннадой выполнялся в мозаике. Тематикой мозаичного фриза являлись сцены из спектакля В. Э. Мейерхольда «Ревизор». В элементы украшения фасада Щусев включил также маски античного театра, театра «Comedia del arte» и театра Мольера. Он сохранил угловой акцент в виде башни из проекта М. Г. Бархина и С. Е. Вахтангова. Важно то, что именно у Щусева впервые появилась статуя Маяковского на башне.

Итог — 1940

После ареста Мейерхольда театр был закрыт, а здание так и оставалось в недостроенном состоянии. Окончательного решения его архитектурного облика, как и возможности его дальнейшего использования не было, так как сама идея революционного театра была предана забвению. А для традиционного театра уже существующие отстроенные внутренние конструкции и проекты внешнего фасада не подходили. Напомним, что в нем отсутствовала обычная углубленная сцена, не было конструкций для подвесных декораций. Фактически он был не пригоден для советского театра. «Соломоново решение» было найдено абсолютно точно: в городе не хватало большого концертного зала. А филармония активно развивалась. Так, недостроенный Театр имени Мейерхольда стал Концертным залом им. Чайковского.

Посвящение П. И. Чайковскому возникло не случайно. В 1940 широко отмечалось 100‑летие композитора. Именно в это время образ композитора утверждался как «наше все», рождался миф о главном «народном» классике страны. Так что строящийся зал выполнял еще и важную идеологическую функцию. Окончательный облик зала придумал главный архитектор города Д. Н. Чечулин, ученик Щусева. Он решил сложную идеологическую задачу — нашел решение фасадов, выходящих на улицу Горького и на Садово‑Триумфальную площадь. Именно он разработал и сам облик площади, ее композиционное и ритмическое устройство, необходимое для магистральной площади советской столицы.

Чечулин фактически использовал все предыдущие проекты. Он «скрестил» их, основываясь на стилевом предпочтении времени. Получился неоклассицизм, который рождался из принципа «коллажирования» архитектурных идей прошлого. Итак, в основу фасада со стороны площади лег десятиколонный портик из проекта Г. П. Гольца, диагональный орнамент, напоминающее палаццо Дожей в Венеции — из проекта И. А. Голосова, лепнина и барельефы — из проекта Щусева. А внутренняя конструкция зала, уже сделанная в железобетоне, сохранилась из проекта Бархина — Вахтангова. Так что все архитекторы, причастные к этому зданию, являлись фактически соавторами КЗЧ.

Фасад на улицу Горького (эта «ахиллесова пята» проекта) он сделал под стать другим жилым домам, расположенным здесь в ряд, лишь украсив его лоджиями-балконами, так что фасад стал сливаться с общим рисунком. Чечулин, таким образом, соединил два характера, две типологии в одной постройке. Дизайн КЗЧ оказался поделен: со стороны площади соответствовал идеологическим задачам публичного, официозного пространства, а с другой — воспринимался как часть повседневности. И в этом смысле уникальность решения Чечулина очевидна: он смог воплотить в жизнь задачи своего времени, предъявляемые к этому зданию (хотя критики от профессионалов было предостаточно). Но вместо мейерхольдовского театра-площади, театра как значительного массового действа с трибунами под открытым небом получился внешний облик камерного зала. Сложно представить, что за ним «скрывается» огромная концертная площадка.

Параллельно Чечулин разрабатывал образ и конструкцию самой площади, решение которых долгое время он не мог найти. И здесь так же пригодились все отрабатываемые по отношению к ТиМ решения. Памятник Маяковскому (из проекта Щусева) в 1958 был перенесен с башни в центр площади, таким образом, визуальный акцент смещался с театра (как это было у предыдущих авторов) на саму площадь, городское пространство. Доминантой же площади, ее главной осью и вертикалью стала гостиница «Пекин», то же проектируемая Чечулиным.

Мейерхольд в КЗЧ

Итак, подведем итог. Что же осталось в КЗЧ от экспериментального первого проекта, разрабатываемого при участии Мейерхольда?

В результате в открытом в 1940 концертном зале сохранился конструктивизм внутреннего устройства, спроектированного Бархиным и Вахтанговым. А также внутренняя планировка — расположение зрительных мест, поднимающихся вверх в виде амфитеатра, так что даже сидящие предельно высоко в любой точке зала могут видеть происходящее на сцене. Большие проходы, связывающие фойе, зал и сцену в традициях средневекового площадного театра — также перешли из проекта Мейерхольда. По ним, как мы помним, должны были врываться грузовики. Сейчас благодаря им очень удобно, «без пробок» можно выйти из зала (особенно актуально после окончания представления, когда зрители торопятся в метро и на электрички). Уникальное верхнее дневное освещение через сложную систему дисперсионных стекол, расположенных по всему пространству зала в виде световых панелей — ноу-хау, которое нигде не встретить. Оно создавало возможность естественного освещения днем и искусственного освещения вечером. Новаторская система позволяла реализовывать красочные световые эффекты.

Впервые в СССР сделана система приточной вентиляции через каналы в спинках зрительских кресел. Свежий воздух подавался из отверстий кресел рядом с ногами зрителей со скоростью 0,2—0,3 м/сек. Были применены специальные системы, заглушающие шум вентиляторов.

Кардинальные изменения затронули строение сцены: решено было отказаться от трансформера и формы эллипсисиса с двумя кругами. Остал-ся вполне традиционный прямоугольник сцены. А на месте выдающегося в зал второго сценического круга (так называемый «просцениум») сейчас расположен партер. Ушли из проекта гримуборные, которые выходили на сцену, вагонетка, спускающаяся по воздуху.

На сцене был установлен орган, в последствие он был заменен новым, построенным специально для зала чехословацкой фирмой «Ригер-Клосс» (1958—1959).

История развития проекта театра Мейерхольда, трансформировавшегося в итоге в концертный зал, является ярким примером кардинальных изменений в мировоззрении и идеологии власти, которые были пройдены всего за 10 лет — с 1930 по 1940.

По непредсказуемому стечению обстоятельств город в результате получил большой концертный зал, а Филармония — главную концертную площадку, ставшую ее «визитной карточкой».

КЗЧ сегодня

Сегодня КЗЧ представляет собой просторный зал на 1505 мест. Здесь проходит около 300 концертов в год. Их посещают около 350 тысяч слушателей.

Параметры сцены: высота — 15 м, глубина — 20 м, ширина: у органа — 11 м, середина сцены — 20 м, авансцена — 23 м (информация с сайта meloman.ru).

Сохранен уникальный декор зала: лепное изображение Герба СССР — варианта с 16 ленточками (по числу союзных республик, входивших тогда в состав СССР), водруженное над сценой в 1950.

С 2003, с приходом нового руководства МГАФ (генеральный директор А. Шала шов, художественный руководитель А. Чайковский) идет реконструкция филармонического здания и КЗЧ.

В сезоне 2004–2005 в зале были проведены реставрационные работы, после чего изменилась пространственная концепция: теперь можно легко разобрать партер и разместить на этом месте оркестр, освободив сцену для оперных постановок. Таким образом, был дан старт «оперному движению» на обновленной сцене КЗЧ.

Концертный зал имени П.И. Чайковского, 2015

К 2008 были завершены основные работы по совершенствованию акустики зала, которые провела немецкая фирма Mueller BBM (установлены специальные акустические щиты). Недостатки акустики помещения, первоначально не предназначенного для концертов (Чечулин их пытался решить за счет специального покрытия стен, за счет тяжелого занавеса, ковровых дорожек и обивочного материала на сиденьях, но не довел до совершенства), были устранены.

Восстановлен исторический облик фойе (зеркальные шестигранные тумбы с банкетками), на первый этаж перенесен гардероб. В процессе реставрации был обнаружен и восстановлен мраморный пол, сохранившийся еще с 1930-х годов, а впоследствии «спрятанный» под перекрытиями более позднего времени.

В 2013 в фойе установлены электронные мониторы, позволяющие получить информацию о мероприятиях и увидеть прямые трансляции концертов.

В декабре 2007 в помещении Московской филармонии был открыт Камерный зал на 100 мест (первоначально вход в него был с улицы, а спустя год открылся вход из фойе КЗЧ).

Новоделы с «человеческим лицом»?

Но история здания КЗЧ на этом не закончилась. Как и Никитская, Мясницкая, Большая Ордынка, Кузнецкий мост и Рождественка, Триумфальная площадь, на которой расположен КЗЧ, попала в тренд модных реконструкций. Новый официальный курс в создании имиджа столицы — сделать ее городское пространство доступным простому жителю, показать, так сказать, «человеческое лицо» Москвы. Вот уже и катки заливают на Красной площади, чтобы забыть официоз торжественных парадов. Вот и на всех центральных площадях проходят народные гулянья, отвечающие вкусу потребителей «Русского радио»…

Но «новое» настолько агрессивно, что активно закрывает «старое», по сути, стирая историческую логику города, его атмосферу и «культурный код» (то что составляет «московский текст культуры», если воспользоваться теорией культуролога В. Топорова). Центр превращается в гламурный парк аттракционов и всевозможных ярмарок.

В соответствии с западной модой появились велодорожки, но сделанные как дань моде, а не как часть функциональной транспортной системы, — они ведут из ниоткуда и в никуда. А на Большой Никитской еще и «разбивают» пешеходный тротуар. Но пешеходы не теряются и, когда спешат на концерт в БЗК, смело используют велосипедный путь, радуясь расширению внеавтомобильного пространства. На новых широких пешеходных зонах забыли в спешке сделать ливневую канализацию, прибавив работы людям в оранжевой спецодежде. Критика говорит об экономической подоплеке повсеместного плиточного шика — «творческое освоение» бюджета (и это при тотальном сокращении госфинансирования на соцсферу).

Теперь история переделок КЗЧ затронула лицевую сторону его жизни. Опять идеология власти прикоснулись к нему. Концертный зал стал частью развлекательно-тусовочной жизни. Московский парад новых идей здесь простирается от зашитых в гранит кадок с туями (вроде посадок на кладбище?) до циклопических качелей на Триумфальной площади, появившихся после недавней реставрации. Так что ее главный визуальный центр — памятник Владимиру Маяковскому — становится практически не видимым. История забыта? Забыто то, что площадь имеет свой смысловой центр, свой организующий вектор в виде башни «Пекина»? Забыто, что это одна из лицевых витрин города, что это официальное пространство? Предполагается, видимо, что на концерт зритель будет приезжать на велосипеде, уставший, взмыленный, и отдыхать от физических перегрузок под звуки оркестра, а после «пищи духовной» веселиться на качелях?

Триумфальная площадь, декабрь 2015

.

При этом вокруг КЗЧ отсутствуют необходимые для функционирования концертной площадки автомобильные парковки. Может, это и плюс для пешеходных прогулок и экологии центра. Но как добираться симфоническому оркестру с инструментами до места выступления? Как подъехать съемочной группе с оборудованием? На метро? Благо выход практически вмонтирован в фасад здания. Потребности филармонии не учитывались во время нового «благоустройства».

Можно сказать, что ничего страшного в этом и нет. Абсурдность отечественной истории уже давно стала «притчей во языцех». Но если вникнуть в суть проблемы то, как пишет колумнист Forbes Сергей Медведев, «в Москве идет планомерное разрушение многовекового историко-культурного и природного ландшафта, убийство живой памяти города и создание на этом месте нового державного мифа: победно-глянцевого, гранит но-мраморного, чиновно-пустозвонного, выморочной городской утопии, авторитарного урбанизма. Точно то же самое происходит сейчас с российской историей, с праздником 9 мая и памятью великой войны, с российской культурой и православной церковью».

Эксперты начинают говорить о новом процессе в архитектурном облике города — о провинциализации исторического центра, то есть когда окраина колонизирует центр, делает доминирующей ментальность провинции. Вместо воспитания вкуса, идущего от центра к пригородам, происходит обратное: пригород диктует визуальную среду и повседневность. Да, мы далеки от Рима и Флоренции, где каждый кусочек города живет историей и облагораживает изяществом и эстетикой пропорций современность. Разрушается не только природно-архитектурный ландшафт, история города, но социальная, историческая и культурная память. Все затмевается «новым», которое воплощает вкусы и нравы «большинства». Вот оно, «восстание масс» Ортега и‑Гассета воочию.

Зал Чайковского — Мейерхольду

Музыка в творчестве великого режиссера

Редакция газеты «Музыкальное обозрение» обращается к руководству Московской филармонии с двумя предложениями об увековечении памяти великого режиссера Всеволода Мейерхольда в стенах здания, где он работал и создавал свой театр.

Сегодня здесь располагается Концертный зал имени П.И. Чайковского, главный зал Московской филармонии.

Предлагаем Московской филармонии проводить ежегодно в феврале (месяц рождения и гибели Мастера) проект «Мейерхольд». И проводить его в Концертном зале имени Чайковского, здание которого хранит память о Мейерхольде, основные его творческие идеи и замыслы. Оно стало своеобразным памятником режиссеру.

Тема «Мейерхольд и музыка» — неисчерпаема и заслуживает самого пристального внимания. В концертах может быть представлена симфоническая, вокальная и камерная музыка: из поставленных им оперных и драматических спектаклей, творчество композиторов его эпохи и композиторов, с которыми он работал, экспериментальные сочинения наших современников.

К проекту готов присоединиться Музей им. Бахрушина, филиалом которого является музейквартира В.Э. Мейерхольда.

Для нашей газеты и для меня Мейерхольд — особая страница в жизни. Моим другом, соратником и коллегой почти 40 лет был его внук Петр Меркурьев, один из основателей нашей газеты.

Я дружил с дочерями Мейерхольда, его внуками и правнуками. Общался с его учениками. Подробно изучал его жизнь и творчество.

В 1999 мы с П.В. Меркурьевым организовали и провели первый в истории фестиваль «Мир музыки Всеволода Мейерхольда» на его родине в Пензе.

Также вместе с архитектором Александром Кожевниковым мы предлагаем Московской филармонии создать в здании МГАФ музей Театра им. Мейерхольда и Концертного зала им. Чайковского.

Создание музея стало бы не только данью уважения Мастеру, но и восстановлением исторической справедливости. Важнейшим событием в воссоздании во всей правде и полноте одной из трагических и прекрасных страниц российской культуры.

Андрей УСТИНОВ

Всеволод Мейерхольд (9 февраля 1874, Пенза — 2 февраля 1940, Москва) — гениальный режиссер XX века, реформатор мирового драматического и музыкального театра. В детстве и юности Мейерхольд увлекался игрой на фортепиано и скрипке.

Будучи студентом юридического факультета Московского университета, играл в студенческом оркестре. В Мариинском театре он поставил оперы «Тристан и Изольда» Вагнера (1909), «Борис Годунов» Мусоргского (1911), «Орфей и Эвридика» Глюка (1911), «Электра» Р. Штрауса (1913), «Каменный гость» Даргомыжского (1917). В том же 1917, в дни февральской революции, он поставил «Соловья» Стравинского (премьера в зале Петровского училища в Петрограде). Последняя оперная постановка Мейерхольда — «Пиковая дама» Чайковского в МАЛЕГОТе (январь 1935). Постановки оперы «Семен Котко» и «Дон Жуан» на сцене театра им. Станиславского и Немировича-Данченко ему воплотить не удалось.

В гениальном спектакле «Маскарад» (поставлен в 1917 в Александринском театре, реконструирован в наши дни В. Фокиным) звучит музыка Глазунова.

В 1920–1930-х гг. Мейерхольд сотрудничал с ведущими советскими композиторами: Д. Шостаковичем (спектакль «Клоп» Маяковского), С. Прокофьевым (в частности, неосуществленные проекты постановок «Игрока» в Мариинском театре», «Семена Котко» в МАМТе, драматического спектакля «Борис Годунов»), В. Шебалиным (с 1929 по 1937 композитор написал музыку к пяти театральным и двум радиоспектаклям Мейерхольда). В. Мейерхольд был арестован 20 июня 1939 в Ленинграде. Вечером накануне ареста он встречался с Д. Шостаковичем. Вскоре после его ареста, 15 июля 1939, в московской квартире в Брюсовом пер., 11 (сейчас там мемориальный музей В. Мейерхольда) была зверски убита жена Мейерхольда Зинаида Райх. 2 февраля 1940 Мейерхольд был расстрелян. Реабилитирован в 1956.

В. Мейерхольд и З. Райх похоронены на Ваганьковском кладбище. В могилу захоронена земля из Бутырской тюрьмы — места гибели великого режиссера.

«МО»


Дорогие наши читатели, коллеги, друзья!
Времена изменились, но «Музыкальное обозрение» неизменно в своей сути: качественная аналитика, рецензии, статьи, книжные обзоры, исчерпывающая картина культурной жизни в столицах и регионах.
Подписывайтесь на газету «Музыкальное обозрение»!
Подписка на газету – это ваша поддержка сайта, концертов и фестивалей, образовательных, просветительских, издательских проектов «Музыкального обозрения».
Также вы можете поддержать наше издание финансово.
«Музыкальное обозрение» в социальных сетях

Большой театр изнутри: 4 февраля выходит документальный фильм «Большой Вавилон»

Документальный фильм о Большом театре «Большой Вавилон» выходит в прокат 4 февраля. Впервые руководители Большого театра дали доступ съемочной группе за кулисы. Будучи уверены в том, что череда последовавших месяцев после инцедента с худруком балета Сергеем Филиным, станет новой главой в жизни театра, они позволили запечатлеть сезон 2013/14 — и, таким образом, состоялось уникальное кинематографическое событие.

Докуменнтальный фильм «Большой Вавилон» (продолжительность 1 час 27 мин.) произведен английскими компаниями Red Velvet Films Ltd, Red Box Films. Продюсер — известный журналист Марк Франкетти, российский корреспондент английской газеты «Санди таймс», вот уже почти на протяжении двадцати лет живущий в Москве. Марк Франкетти дважды награжден Американской киноакадемией (за фильмы «Канатоходец» и «В поисках сахарного человека»). Он же выступил сорежиссером фильма — вместе с Ником Ридом. Фильм уже получил Гран-при на фестивале документального кино в Торонто, Канада.

В эфире телеканала «Дождь» Анна Монгайт обсудила документальный фильм «Большой Вавилон», который выходит в прокат 4 февраля, с его автором — Марком Франкетти и прима-балериной Большого театра Марией Александровой. Они рассказали, зачем понадобилось снимать фильм о темной стороне театра и жизни его балетной труппы после трагедии, произошедшей с худруком Сергеем Филиным.

В тюрьмах появятся специалисты по хоровому пению

Всероссийское хоровое общество (ВХО) планирует на регулярной основе оказывать помощь в организации работы хоровых коллективов в местах лишения свободы. Речь идет прежде всего о кадровой помощи — подготовке хормейстеров. Это направление будет включено в план работы ВХО в текущем году. По словам исполнительного директора Общества Павла Пожигайло, представители Федеральной службы исполнения наказаний (ФСИН) сами обратились в ВХО с просьбой помочь организовать культурный досуг заключенных.

— Изначально я предполагал, что Всероссийское хоровое общество будет не музыкальным, а социальным проектом. Понятно, что условия нахождения людей в местах лишения свободы особенные. И когда они совместно поют в хоре, формируется совершенно другая атмосфера в отношениях людей, — сказал Пожигайло. — Хоровое пение может решить большинство социальных проблем современного общества, что значительно менее затратно, чем лечить наркоманов, бороться с экстремистами, с ростом преступности. Для примера: затраты на содержание 60 заключенных в местах лишения свободы составляют 4,2 млн рублей в год. А затраты на содержание детского хора из 60 детей с учетом аренды зала, оплаты труда хормейстера и концертмейстера, оплаты коммунальных услуг и налогов составляют в три раза меньше — 1,4 млн рублей в год. По оценкам фонда «Наука и жизнь», привлечение к хоровым занятиям по стране 1 млн человек снизит количество преступлений, связанных с лишением свободы, на 10–12%. Это даст прямую экономию бюджетных средств 6,8 млрд рублей в год.

ВХО, для реализации программы потребуется расширение штата ВХО (сейчас в него входят всего шесть человек). Что касается материальной стороны дела, то, по его словам, на содержание хоров не требуется больших средств, поскольку «нужны только хормейстер и камертон». Поэтому для координации этого и всех других проектов Общества (включая несколько крупных хоровых фестивалей) будет достаточно финансирования в 10 млн рублей в год.

По мнению президента Межрегионального благотворительного фонда помощи заключенным при ФСИН РФ Марии Каннабих, общественность должна активнее участвовать в судьбе заключенных.

— В большинстве колоний, особенно в женских, уже существует довольно развитая художественная самодеятельность — центры досуга организует концерты, спектакли, танцевальные номера, акробатические этюды, кто хочет — поет, в одиночку или хором. Я помню, например, лет 15 лет назад был прекрасный хор в одной женской колонии в Нижнем Тагиле. Конечно, если этому движению помочь, если придут новые люди и научат заключенных нотной грамоте или профессиональному вокалу, это полезно и похвально. Мы давно говорим, что общественность должна активнее участвовать в этих процессах, — рассказал она.

Начальник пресс-службы УФСИН России по Республике Карелия Виталий Фефелов сообщил, что у заключенных есть запрос на творчество.

— Если поступит указания с главка о сотрудничестве с ВХО — будем исполнять. Мы уже ведем активную воспитательную работу, у нас часто проводятся вокальные конкурсы — «Калина красная» или, например, ко Дню Победы или Рождеству. Заключенные активно участвуют в самодеятельности, почти в каждой колонии есть свой вокально-инструментальный ансамбль или хор, — отметил он.

Источник публикации Известия, 20.10.2015, Ольга Завьялова, Николай Корнацкий

За 2015 год в России резко возрос интерес к хоровому пению. По данным Всероссийского хорового общества, количество россиян, поющих в хорах, выросло на 20%. Если в 2014 году в России насчитывалось 4,5 тыс. хоров и 120 тыс. участников, то в 2015-м их число возросло до 5,3 тыс. и 147 тыс. соответственно. Самая высокая динамика регистрации хоров наблюдается в Чувашии, Крыму, Пензенской, Магаданской и Курской областях, а также в Москве и Подмосковье.

ВХО было возрождено в 2012–2013 годах. Вопрос об этом был поднят на заседании Совета по культуре и искусству при президенте в присутствии Владимира Путина в сентябре 2012 года. Вице-премьер Голодец провела в январе 2012 года рабочее совещание с деятелями культуры, где учредительный съезд ВХО был назначен на февраль 2013 года. Председателем общества был избран директор-худрук Мариинского театра Валерий Гергиев.

Джон Ноймайер о своем спектакле «Пер Гюнт»

Сегодня на Исторической сцене Большого театра начинаются пятидневные гастроли Гамбургского балета: труппа привезла в Москву трехчасовой спектакль “Пер Гюнт” в постановке своего руководителя Джона Ноймайера. ТАТЬЯНА КУЗНЕЦОВА расспросила ДЖОНА НОЙМАЙЕРА об обстоятельствах рождения этого балета, о его новой редакции и московских планах знаменитого хореографа.

— Вы показываете на гастролях единственный балет — “Пер Гюнт”. Это выбор ваш или Большого театра?

— Мой. И это большой сюрприз для всех. Большой театр и администрация Гамбургского балета планировали представить в Москве “Ромео и Джульетту” и “Золушку” — ведь это сезон Прокофьева. Но после премьеры новой редакции “Пера Гюнта” я испытал сильнейшее желание представить в Москве именно этот балет. Убедил в этом и Большой театр, и собственную компанию. А так как из-за технических сложностей сценографии невозможно привезти на гастроли еще один спектакль, то мы показываем только “Пера Гюнта”. Для меня он тесно связан именно с Москвой, с великим композитором Альфредом Шнитке, с той работой, которую мы вместе проделали.

— Вы заказали ему балет во времена СССР — ситуация из ряда вон выходящая. Как это произошло? И как вы сотрудничали — как Петипа с Чайковским, детально контролируя сочинение музыки, или предоставили Шнитке карт-бланш?

— О нет, в наше время нельзя быть диктатором, как Петипа. Работать с композитором, особенно таким, как Шнитке,— это акт большого доверия и особая честь. Я к этому времени уже работал с его музыкой — в “Отелло” и в “Трамвае желания”, где использовал фантастическую Первую симфонию. Просто поразительно, как русский композитор мог так исчерпывающе выразить суть и смысл американской классической пьесы. Я очень хотел с ним работать, и по моей просьбе берлинская Академия искусств пригласила его на какой-то концерт или лекцию. В Берлине мы и встретились. Знаете, тогда, в 1980-е, Шнитке был самым популярным в мире среди современных композиторов. Его диски издавались на Западе огромными тиражами, но сам он был исключительно, невероятно скромным — считал честью, что я заказал ему балет.

— Вы сами предложили сюжет?

— Я назвал две пьесы: “Три сестры” и “Пер Гюнт”. Альфред выбрал Ибсена. Думаю, потому, что в СССР уже был балет по пьесе Чехова — “Чайка” Щедрина, а он не хотел никаких сложностей внутри советской музыкальной организации (в Союзе композиторов.— “Ъ”). И еще мне кажется, что в истории Пера Гюнта Альфред увидел сходство с Фаустом. А этот сюжет его всегда интересовал. Я написал линейную, четкую первую часть либретто, отдал ему. А вторую часть не мог сформулировать внятно, изложил только идею. В пьесе Ибсена очень важна тема обманчивости славы, иллюзорности жизненного успеха. Пер хочет стать “императором мира”, а в моем распоряжении только визуальные средства — как это показать? И я придумал, как он из своей Норвегии, страны естественных чувств и подлинных ценностей, попадает в совершенно другой мир. Пробивается по кастингу в низкопробный мюзикл, продвигается выше и выше и в конце концов становится тем самым “императором” — голливудской звездой, играет главную роль в блокбастере из истории Древнего мира. Я хотел провести параллель с Майклом Джексоном, таким очаровательным, живым, естественным мальчиком, который по мере достижения успеха изменял своей природе, превращаясь в нечто искусственно сконструированное, вымороченное. Жажда успеха приводит к сумасшествию, к разрушению личности — вот такая была идея. И эта часть балета — открытая структура, как коллаж в кино. Наша работа шла трудно и медленно. А ведь была еще третья часть — возвращение Пера домой, к истокам. Еще менее структурированная, и в либретто еще меньше слов. Там была кульминация — встреча Пера с Сольвейг. Я написал: “Бесконечное адажио”. Альфред спросил: “Бесконечное — это сколько минут?” Я сказал: “Сколько захочешь”.

— Получилось, если не ошибаюсь, 18 минут?

Во время работы Альфред получил инсульт. Месяц провел между жизнью и смертью. А потом вернулся и дописал виолончельный концерт для Натальи Гутман. Я услышал эту музыку, совершенно неземную, невероятную, и понял, что третий акт у меня в любом случае есть — я могу поставить его на последнюю часть этого концерта. В это же время в течение шести недель ушли из жизни мои родители. У меня началась глубочайшая депрессия. И все-таки с помощью Рождественского, своего хорошего друга, Шнитке дописал “Пера Гюнта”. Вот так мучительно рождался этот балет.

— Вы уже показывали балет “Пер Гюнт” в Большом в 1990-м. Для москвичей это стало настоящим потрясением.

— Была перестройка. Все менялось. В России состоялся фестиваль современной немецкой музыки — написанной с 1945 года. Мы были приглашены — Гамбургский оркестр и Гамбургский балет. Но у нас было только одно современное произведение — “Пер Гюнт” Шнитке. Я умолял, чтобы для нас сделали исключение, чтобы нам разрешили привезти этот балет. И мы его показали — в Ленинграде и Москве. Это был пронзительный момент, потому что Шнитке тоже был на премьере.

— Зачем же вы переделывали “Пера Гюнта”?

— Лет шестнадцать мы его не возобновляли. А не так давно я был приглашен Фондом Шнитке рассказать о “Пере Гюнте”. Мы показали видеофрагменты спектакля, и я услышал музыку по-новому. Она меня настолько тронула, что я сделал то, чего не делал никогда: заново поставил балет. В июне была премьера.

— То есть это совершенно новая постановка?

— Я бы сказал, там половина нового. Концепция в целом не изменилась, роли и характеры остались теми же, разве что партия Сольвейг стала сильнее. Но все движения пересмотрены заново. Думаю, как хореограф я сейчас лучше, чем был в 1989 году. Во всяком случае жизненного опыта у меня точно больше.

— Вы являете невероятный пример творческой интенсивности и долголетия: уже больше 45 лет вы ставите один, а то и несколько спектаклей в год. Что вас мотивирует, откуда черпаете творческую энергию?

— Знаете, в Германии жил очень известный актер, у него была невероятная память — он мог читать стихи ночами напролет, знал всего Рильке. И когда его спрашивали, как он запоминает стихи, он отвечал: “Не знаю, не спрашивайте, боюсь все забыть”. Вот и я не задумываюсь, просто смотрю вперед. Самое мучительное — подготовка к постановке, сомнения меня грызут и мучают. Но когда я вхожу в зал к артистам, все отступает. Работа с артистами в зале, поиск неожиданного в них, в себе, открытие того, о чем не подозревали ни они, ни ты сам,— это самый важный, самый интенсивный момент проживания жизни.

— Вы любите танцовщиков из стран СНГ. В Гамбургском балете ведущие партии танцевали Анна Поликарпова, сейчас — Иван Урбан, Александр Рябко, Эдвин Ревазов. Чем они вас привлекают?

— Вообще-то новая редакция “Пера Гюнта” была сделана для Карстена Юнга, а он немец. И для Алины Кожокару — она румынка. В этом балете различные ипостаси Пера воплощают француз, испанец, украинец — все смешано. К сожалению, у Алины травма, и это очень грустно: ее работа в возобновлении “Пера Гюнта” и изменении образа Сольвейг была чрезвычайно важна. Из-за травмы Алины первый спектакль в Москве будут исполнять Эдвин Ревазов (он из Севастополя) с Анной Лаудере, которая из Риги. А во втором составе — Карстен Юнг и 20-летняя Эмили Мазон. Эта девочка, несмотря на молодость, обладает какой-то невероятной внутренней силой. Ведь партия Сольвейг — это не просто техника, здесь должна быть мощная актерская индивидуальность. Кстати, мама этой девочки, Жижи Хайатт, в первом “Пере Гюнте” танцевала роль Сольвейг. Вот такая история поколений.

— Генеральный директор Большого театра Владимир Урин и руководитель отдела спецпроектов Ирина Черномурова — ваши горячие поклонники. Когда они работали в Музтеатре Станиславского, там шли три ваших балета, один из них — копродукция. В Большом тоже были поставлены два ваших хита, но они более традиционные. Следует ли полагать, что теперь, с приходом в Большой театр Урина и Черномуровой, вы продолжите сотрудничество с театром в этаком экспериментальном ключе?

— Наверное, надо подождать ответа на этот вопрос до сентября, когда на предсезонной пресс-конференции Большого господин Урин огласит планы театра. Но действительно — у нас с ним прекрасные отношения. И с труппой Большого теперь тоже. Артисты отлично работают в “Даме с камелиями”: я видел прямую трансляцию спектакля и очень рад, что они сохранили стиль.

— Мы разговариваем в кабинете ректора Московской академии хореографии. Что за проект вы готовите в этой весьма консервативной балетной школе?

— В мае в Большом театре будут праздновать юбилей Геннадия Рождественского, и маэстро сам встанет за пульт. Вечер будет в трех частях: хор, симфоническая музыка и балет — “Времена года” Глазунова в исполнении учеников Московской академии. 15 лет назад я в своей школе в Гамбурге поставил балет именно на эту музыку, назвав его “Путешествие через времена года” и заняв детей от мала до велика. Сейчас проводил кастинг в московской школе. Просмотрел за день 17 классов! Минут по 15 в каждом провел. Не могу быть на 100% уверенным, но записал кое-что; мне кажется, было несколько интересных юных артистов. В Москве останется мой ассистент Радик Зарипов со своей женой, за несколько недель они проведут более тщательный отбор, выучат с детьми хореографию. Потом балет будут репетировать местные педагоги. А в апреле приеду я для окончательной отделки.

— И много детей занято в постановке?

— Ха! Сотни! Ну по крайней мере сотня.

Источник публикации Коммерсантъ газета, 20.01.2015, Татьяна Кузнецова

 

Мировая премьера сочинения “Песня Лукерьи” Александра Вустина пройдет в Москве

Мировая премьера сочинения “Песня Лукерьи” московского композитора Александра Вустина, с 1 января ставшего “композитором в резиденции” Государственного академического симфонического оркестра имени Светланова (ГАСО), пройдет в среду в Концертном зале имени Чайковского. Об этом ТАСС рассказал художественный руководитель ГАСО, дирижер Владимир Юровский. Также в программе вечера – Сюита для оркестра № 2 Чайковского и музыка из балета “Поцелуй феи” Стравинского.

По словам Юровского, концерт станет началом практического сотрудничества ГАСО с Вустиным в почетном качестве “композитора в резиденции”. “Мы создаем новую традицию. Хотя название “композитор в резиденции” немножко неловкое, но лучшего пока никто не придумал. Такая традиция существует на Западе в оркестрах, на фестивалях. Но в Москве мы – пионеры”, – сказал Юровский.

В течение года Александр Вустин будет писать музыку исключительно по заказу оркестра, однако коллектив планирует исполнять как новые, так и уже существующие сочинения композитора. “С творчеством Вустина я знаком давно, хотя мне раньше не доводилось играть его музыку. Это один из самых ярких и глубоких композиторов России среднего, а теперь и старшего поколения. Мне всегда казалось очень несправедливым, что его музыку игнорируют симфонические оркестры. А сам Александр Кузьмич при этом умеет сочинять музыку для больших составов, не теряя камерности”, – уверен маэстро.

По его мнению, музыка Вустина – “плоть от плоти” Мусоргского, Стравинского, Чайковского, и, в то же время, в ней проявляются черты французских импрессионистов, Новой венской школы. “Это как раз то направление на стыке русского и европейского, в котором мне видится движение нашего оркестра. Но главная цель нашего сотрудничества – популяризация творчества Вустина. К тому же со временем мы научимся читать его коды, а он научится распознавать слабые и сильные стороны нашего коллектива и будет писать уже для конкретных людей”, – сказал дирижер.

Как отметил маэстро, “композитор в резиденции” – почетная позиция, однако за каждое сочинение оркестр платит композитору гонорар. В частности, одна из премьер Вустина прозвучит на юбилейном вечере 5 октября, посвященном 80-летию оркестра. Однако пока это сочинение не существует.

В 2017 году коллектив может как продлить резидентство Вустина, так и выбрать нового композитора. Как обещает маэстро Юровский, часть из сочинений этого года, которые оркестр сыграть не успеет, перенесутся на следующие сезоны. Таким образом, почти на каждом концерте оркестра под управлением Юровского обещает быть премьера: еще в начале сезона во время одного из выступлений маэстро пообещал сыграть к 80-летию оркестра ровно 80 премьер.

“Когда я об этом говорил, это был некий эмоциональный лозунг. Скорее всего, 80 премьер все-таки не получится. Но мы исполним гораздо больше, чем было в прошлом сезоне, и уж в разы больше премьер, чем играют другие коллективы. Мы сделаем все возможное, чтобы выполнить это творческое обязательство”, – заключил Владимир Юровский.

Источник публикации ТАСС, 20.01.2015, Виктория Иванова

Мариинский театр и «Газпром-медиа» подписали соглашение о сотрудничестве

Мариинский театр и «Газпром-медиа» подписали соглашение о сотрудничестве, направленное на расширение аудитории театра в России и зарубежом. Соглашение предусматривает

съемку постановок и организацию прямых трансляций в кинотеатрах и онлайн-трансляций;
создание контента на основе медиатеки Мариинского театра;
дистрибуцию различных типов прав на международных рынках.

В реализации программы сотрудничества будут задействованы телеканал «Матч ТВ», кинокомпания «Централ Партнершип», видеохостинг Rutube и радиостанция «Детское радио».

Для реализации первого этапа сотрудничества крупнейший российский видеосервис Rutube стал технологическим партнером Мариинского театра, обеспечив интернет-вещание и техническую поддержку его интернет-сайту. За последнее десятилетие Мариинским театром собрано большое количество уникального видеоматериала концертных, театральных и балетных постановок, основанных на русской классической музыке, все они доступны на официальном канале театра на Rutube.

АО «Газпром-Медиа Холдинг» проведет съемку премьер и наиболее популярных постановок Мариинского театра в сверхвысоком разрешении 4K. Материалы съемок будут использоваться для показа в кинотеатрах России и в других странах мира, а также для выпуска и трансляции в разных медиасредах. «Газпром-медиа» получит эксклюзивные права на дистрибуцию созданного контента.

Первая съемка в формате 4K Ultra HD состоялась по премьерной постановке оперы Родиона Щедрина «Рождественская сказка», которую известный композитор создал специально для Мариинского театра. Опера выйдет в прокат в российских кинотеатрах в ноябре 2016 года.

«При просмотре на большом экране видео, снятого в формате 4K, у зрителя возникает эффект полного погружения и присутствия на самом событии, поэтому эта технология очень перспективна для следующего поколения медиа. — отметил генеральный директор АО «Газпром-медиа холдинг» Дмитрий Чернышенко. — Параллельно со съемками была проведена тестовая прямая трансляция через сеть спутникового оператора «НТВ-Плюс». В дальнейшем это позволит организовывать прямые трансляции с крупных и значимых событий, включая программу празднования 125-летнего юбилея Сергея Прокофьева».

Валерий Гергиев объявил дирижеров Приморской сцены Мариинского театра

Художественный руководитель-директор Мариинского театра Валерий Гергиев объявил имя главного дирижера Приморской сцены Мариинского театра во Владивостоке, им назначен дирижер Мариинского театра Павел Смелков. Главным приглашенным дирижером Приморской сцены стал приглашенный дирижер Мариинского театра Владислав Карклин.

Павел Смелков хорошо знаком артистам и зрителям Владивостока. Ранее он дирижировал там оперой «Евгений Онегин», работал над переносом оперы «Пиковая дама» в постановке Юрия Темирканова из Мариинского театра на Приморскую сцену в декабре 2015 года. Смелков окончил Санкт-Петербургскую государственную консерваторию им. Н.А. Римского-Корсакова по классу оперно-симфонического дирижирования (класс профессоров И.А. Мусина и М.Г. Кукушкина) и композиции (класс профессора А.Д. Мнацаканяна). Работает в Мариинском театре с 2000 года. Неоднократно гастролировал с труппой театра во Франции, Финляндии, Австрии, Германии, Израиле, США.

Владислав Карклин начинал свою музыкальную карьеру как кларнетист. Окончив Санкт-Петербургскую консерваторию, где помимо основной специальности посещал класс И.А. Мусина, и аспирантуру Дюссельдорфской консерватории им. Р. Шумана, продолжил обучение там по специальности фортепиано и симфоническое дирижирование. В качестве дирижера сотрудничал с музыкальными театрами Германии, а затем как приглашенный дирижер с Санкт-Петербургским государственным академическим симфоническим оркестром, Краснодарским музыкальным театром, Санкт-Петербургской филармонией и Московским театром «Геликон-опера». С 2011 года Владислав Карклин – приглашенный дирижер Мариинского театра.

Пешков – это вам не Горький, а Вера – не Арина: министр культуры Крыма потеряла память

Министр культуры Крыма заявила, что скандал, разгорающийся вокруг оркестра «Камерата Крым» не стоит выеденного яйца, так как такого оркестра никогда не существовало. В связи с этим возникает вопрос: а существует ли сама Арина Новосельская? Тем более, что руководитель оркестра, с легкой руки министра, превратившегося в фантом, заявляет: «Камерата Крым» не только существует, но и собирается на гастроли.

Как уже сообщал NDNews, лауреат международных конкурсов Александр Юц и ряд артистов крымской филармонии опубликовал открытое письмо с обращением к надзорным и контролирующим ведомствам, а также к общественности с просьбой поддержать оркестр «Камерата Крым» и разобраться в ситуации: по их словам оркестр расформирован, а они уволены.

Пикантность ситуации придает тот факт, что «Камерата Крым» играла на торжественном ужине в Крыму у президента России Владимира Путина и итальянского экс-премьер-министра Сильвио Берлускони. Оба политика лично поблагодарили музыкантов и вместе с комплиментами озвучили идею о гастролях оркестра в Италии.

13 января министр культуры Крыма Арина Новосельская выступила с опровержением, заявив что распространявшаяся в СМИ информация о «ликвидации оркестра «Камерата Крым» не соответствует действительности: оркестра с таким названием никогда не существовало, а Путина и Берлускони во время визита экс-премьера Италии в Крым, очаровывала вовсе не «Камерата», камерный оркестр Крымской государственной филармонии: «Уровень оркестра, который так понравился Владимиру Путину и Сильвио Берлускони, – заслуга артистов и народного артиста Украины Николая Антоненко, который возглавлял театр 23 года, а не молодого скрипача Александра Юца, который на тот момент работал в филармонии на постоянной основе не полных 3 месяца (принят 16.07. 2015, концерт состоялся 11.09.2015)», – говорится в официальном заявлении минкульта. «Камерный оркестр существует и работает. Он никогда не был расформирован»,– подчеркнула Арина Новосельская.

Пикантность ситуации придает тот факт, что «Камерата Крым» играла на торжественном ужине в Крыму у президента России Владимира Путина и итальянского экс-премьер-министра Сильвио Берлускони. Оба политика лично поблагодарили музыкантов и вместе с комплиментами озвучили идею о гастролях оркестра в Италии.

13 января министр культуры Крыма Арина Новосельская выступила с опровержением, заявив что распространявшаяся в СМИ информация о «ликвидации оркестра «Камерата Крым» не соответствует действительности: оркестра с таким названием никогда не существовало, а Путина и Берлускони во время визита экс-премьера Италии в Крым, очаровывала вовсе не «Камерата», камерный оркестр Крымской государственной филармонии: «Уровень оркестра, который так понравился Владимиру Путину и Сильвио Берлускони, – заслуга артистов и народного артиста Украины Николая Антоненко, который возглавлял театр 23 года, а не молодого скрипача Александра Юца, который на тот момент работал в филармонии на постоянной основе не полных 3 месяца (принят 16.07. 2015, концерт состоялся 11.09.2015)», – говорится в официальном заявлении минкульта. «Камерный оркестр существует и работает. Он никогда не был расформирован»,– подчеркнула Арина Новосельская.

Ситуация вызвала бурное обсуждение музыкальных кругах – как крымских, так и московских, а также в социальных сетях. В качестве причины выдвигается версия конфликта между руководителем оркестра и министром культуры Крыма. Якобы, во время визита Берлускони в Крым было некое распоряжение сверху пригласить хорошо известного «кому-то из важных» именно Юца с командой музыкантов, которых знали как «Камерата Крым»: статус и принадлежность труппы в тот момент вроде бы никого не интересовала. В Крыму, да, кстати, и за его пределами прекрасно знали, что под творческим псевдонимом «Камерата Крым» гастролирует камерный оркестр Крымской государственной филармонии. Руководство Крыма издало распоряжение задействовать оркестр в культурных мероприятиях, сопровождавших визит высокого итальянского гостя. Но письмо с распоряжением не успело дойти до минкульта Крыма («где-то застряло в документообороте», уточняют инсайдеры)и подведомственная минкульту труппа уехала развлекать президента России и экс-премьера Италии без последней, предусмотренной бюрократической процедурой официальной «отмашки» непосредственного начальства. И поехала, естественно, как «Камерата Крым», утверждают инсайдеры. В итоге возник конфликт между министром и руководителем оркестра.

Справедливости ради стоит сказать, что оркестр не скрывал своей государственной принадлежности (может, не сам, и может, только иногда), поскольку в Интернете можно найти афиши с оркестром, где слова «Камерата Крым» отсутствуют, но есть и анонсы на сайтах, публикующих репертуары, где указано только «Камерата Крым».

В любом случае, как заявляют заинтересованные наблюдатели, наличие творческого псевдонима или звучного и короткого, хорошо запоминающегося бренда-псевдонима у государственного ансамбля с длинным «рутинным» официальным названием, – это хорошо: повышает узнаваемость у публики, тем более зарубежной, которой все эти одинаковые официальные названия российских музыкальных коллективов ни о чём не говорят, кроме указываемой в длинном названии географической принадлежности коллектива.

«Камерата Крым» – это удачный маркетинговый ход молодого руководителя», – пишут блогеры. Тем более, рассуждает музыкальная публика, это никак не может являться основанием для «лукавого утверждения», что Камерата Крым никогда не существовала. Да, официально не существовала, но все прекрасно знали оркестр, в том числе и благодаря такому названию, и любили творчество труппы именно под таким названием. При этом блогеры отмечают, что и сама министр культуры пользуется псевдонимом Арина вместо своего настоящего имени Вера. Причём, как Арина Новосельская министр фигурирует не только в прессе, но и в официальных сводках и даже на официальном сайте минкульта Крыма.

А вот в указе президента РФ от 22 декабря 2015 года и присвоении Новосельской звания «Заслуженный работник культуры» нет никакой Арины: в правительственном документе указано только официальное имя министра – Вера Вадимовна.

«Получается, что и Арины никакой не существует? – иронизируют пользователи соцсетей. – И Горького никакого не было, а был только Пешков! И Ленина не было, а был только Ульянов. Следуя логике министра, и Сталин – бессовестный самозванец».

Возникает и другой вопрос: если госпоже министру настолько не нравится имя, данное ей при рождении, что она, даже занимая высокий государственный пост, предпочитает использовать псевдоним, то почему отказывает в этом праве творческому коллективу? Или она просто забыла, что у нее самой два имени – официальное и то, которое больше нравится?

Кстати, о коллективе: в соцсетях отмечают, что труппа очень уважала и ценила молодого руководителя, но теперь их заставляют публично от него отречься. Девять человек из девятнадцати якобы уже не выдержали давления и подписали письмо с «осуждением» маэстро. «Я не хочу давать личных оценок кому бы то ни было, скажу только о фактах. Однозначно, те из членов коллектива, кто согласился выступить против меня, сделали это под давлением – здесь даже нет смысла говорить о каких-то других вариантах. Я считаю, каждый имеет право выбирать свою гражданскую позицию. Я постараюсь это принять, – заявил корреспонденту NDNewsАлександр Юц. – Министр утверждает, что уволен только я – за несоответствие каким-то профессиональным качествам (этот момент я не хочу комментировать). Но есть еще ряд людей, лишившихся работы: в частности высококвалифицированный специалист из Одесской консерватории, музыковед – её взяли два месяца назад, и теперь она уволена без объяснения причин (у неё уже есть в трудовой книжке соответствующая запись). А она, кроме всего прочего, мать-одиночка, что должно очень усложнять процесс увольнения сотрудника. Есть сотрудница с красным дипломом Киевской консерватории – прекрасная скрипачка. Когда мне уже дали понять, что со мной не будут продлевать контракт, что я уволен, я объяснял, что она соответствует высоким стандартам консерватории. Я делал всё, чтобы всех вернули в проект, чтобы независимо от конфликта со мной все сохранили свои рабочие места.

Они уволили очень квалифицированных специалистов. Не знаю, в пику ли мне или по своей профессиональной неграмотности, или по своей политической недальновидности. В общем, я считаю, что имело место серьёзное административное нарушение, и буду оспаривать эти решения минкульта в судах.

Как известно, Госдумой приняты уточнения, касающиеся трудовых договоров именно с творческими работниками. Там прописано, что руководитель не может прекратить контракт с работником без определённых законом условий.

И что ещё важно сказать: половина оркестра в подвешенном состоянии, их работа в филармонии зависит теперь от того, подпишутся они против меня или нет. Они ещё не уволены, но могут быть уволены в любой момент. Плюс те, кто уже подписался против меня. Представьте теперь моральную и человеческую атмосферу в коллективе. И делая официальный вывод о том, пострадал коллектив или нет, мы должны исходить из этих грустных фактов.

Что же касается «Камераты Крым», она продолжает существовать и будет гастролировать – обязательно и совсем скоро. Я буду продолжать работать с оркестром, с командой единомышленников – вместе с филармонией или без филармонии». Подробно ситуацию Александр Юц пообещал изложить в ближайшие дни, организовав пресс-конференцию.

Воронежский театр оперы и балета: завершён ли скандал?

Вяловато текущую после новогодних премьер, ёлок, концертов и других праздничных мероприятий культурную жизнь города взорвала информация о том, что 9 солистов оперы Воронежского театра оперы и балета написали коллективное заявление об уходе.

СМИ превратили это в настоящую сенсацию: в деньгах ущемляют, берут в репертуар малопопулярную оперу, на постановку приглашают драматического режиссёра, а худрук все решения принимает единолично. Об этом участники восьмёрки (один из подписантов группу быстро покинул) активно информировали журналистское сообщество и даже устроили пресс-конференцию на одной из квартир.

Журналисты, в свою очередь, обратились за разъяснениями к художественному руководителю театра. Видимо, просьб было так много, что господин Огиевский решил устроить собственную пресс-конференцию.

Сначала речь пошла об итогах работы театра в прошедшем году, о репертуарных планах, прозвучали цифры. В марте состоится премьера «Дон Жуана» Моцарта. В ближайших планах: балет Шостаковича «Светлый ручей», балет «Руслан и Людмила» на музыку Глинки в транскрипции Агафонникова. В перспективе: опера Чайковского «Черевички» и «Граф Калиостро» Таривердиева.

Кроме Андрея Огиевского в пресс-конференции приняли участие и ведущие солисты оперы. Они высказали своё мнение и об опере Моцарта, и о работе над ней драматического режиссёра Михаила Бычкова, и о камне преткновения – ППК, пресловутом персональном повышающем коэффициенте.

Наверное, самая продолжительная (около трёх часов) и эмоциональная (высказались, что называется, от души), пресс-конференция оставила очень грустное чувство.

А чего, собственно, добивались артисты, написавшие коллективное заявление об уходе? Понятно, что увольняться по собственному желанию никто из них не собирался. Пытались привлечь внимание общественности, устроить скандал? Устроили, привлекли. А ради чего? Цель-то какая? Чёткого ответа на этот вопрос всё же не прозвучало. Либо всё произошло в эмоциональном порыве, либо настоящую цель по каким-то причинам решили не озвучивать.

Что ещё печально. Скандал для театрального закулисья вещь естественная, можно даже сказать, органичная. Но всё ли следует выносить на публику? ППК, вводы, распределения ролей – абсолютно внутритеатральное дело. Ну не журналистам, согласитесь, решать, сколько спектаклей спел Дмитрий Башкиров, сколько дней он болел и правильно ли оценил свои вокальные данные Назарий Немченко, отказавшись от партии?

Концерт «Великие московские композиторы. К 100-летию со дня смерти» в Камерном зале Московской филармонии

14 января в Камерном зале Московской филармонии состоялся концерт «Великие московские композиторы. К 100-летию со дня смерти». Вечер был посвящен 100-летию кончины Александра Скрябина и Сергея Танеева, чьи памятные даты отмечались в 2015 году.

Программу представил главный редактор «МО» Андрей Устинов.

В первом отделении концерта пианист Алексей Чернов исполнил произведения А.Н. Скрябина: Мазурку си минор соч. 3 № 1, Два экспромта соч. 14, Пять прелюдий соч. 74, Сонату № 3 («Состояния души»).

Главный редактор издательства «Музыка», доктор искусствоведения Валентина Рубцова представила два очередных тома Полного собрания сочинений А.Н. Скрябина. Издание ПСС А.Н. Скрябина в 12 томах началось в 2012 году и рассчитано до 2018 года. В беседе А. Устинова, В. Рубцовой и А. Чернова были приведены любопытные, малоизвестные факты из биографии композитора.

Во втором отделении А. Чернов и «Академ-квартет» в составе: Леонид Поляков (скрипка), Анна Яновская (скрипка), Василий Данилец (альт), Михаил Лебедев (виолончель) исполнили Фортепианный квинтет С.И. Танеева.

Видеозапись концерта на сайте Московской филармонии 

Программа

14 января 2016
Камерный зал Московской филармонии
«Великие московские композиторы»
Программу представляет Андрей Устинов
Участвует доктор искусствоведения Валентина Рубцова

Александр Скрябин
Мазурка си минор соч. 3 № 1
Два экспромта соч. 14
Пять прелюдий соч. 74
Соната № 3 («Состояния души»)

Сергей Танеев
Фортепианный квинтет соль минор

Алексей Чернов (фортепиано)

«Академ-квартет»: Леонид Поляков (скрипка), Анна Яновская (скрипка), Василий Данилец (альт), Михаил Лебедев (виолончель)

Посредственность как социальная опасность

Публичная лекция «Посредственность как социальная опасность» была прочитана известным российским поэтом, прозаиком, переводчиком Ольгой Седаковой (http://olgasedakova.com/) в Добролюбовской библиотеке г. Архангельска ровно 10 лет назад, 28 ноября 2005. Текст лекции не раз публиковался, в т. ч. на многих сайтах, был издан отдельной брошюрой. По словам философа Натальи Рябчун, «Седакова утверждает, что быть посредственным — это не фатальная неизбежность, не приговор судьбы, а нравственный выбор каждого человека. Человек посредственный — это “человек с отсеченной духовно-нравственной сферой”, “освобожденный от душевного труда”. Посредственным становится тот, чьи действия обусловлены внешней средой, внешним принуждением, т.е. опосредованы». За прошедшие годы мир стремительно менялся. Но рассуждения Ольги Седаковой сегодня не менее, а может быть, более актуальны, чем 10 лет назад. С разрешения автора публикуем текст лекции.

Ольга Седакова родилась в Москве 26 декабря 1949 в семье военного инженера. С детства сочиняла стихи. В 1973 окончила филологический факультет МГУ с дипломной работой по древнеславянской филологии. Среди ее учителей — С. С. Аверинцев, М. В. Панов, Ю. М. Лотман, Н. И. Толстой. Круг интересов — история русского и старославянского языков, традиционная культура и мифология, литургическая поэзия, общая герменевтика поэтического текста. В 1983 окончила аспирантуру Института славяноведения и балканистики АН СССР, защитила кандидатскую диссертацию на тему «Погребальная обрядность восточных и южных славян». В 1980‑е годы Ольга Седакова работала в ИНИОН (Институт научной информации по общественным наукам). Делала обзоры новейшей гуманитарной литературы, занималась переводами. С 1991 — преподаватель и старший научный сотрудник Института истории и теории мировой культуры (философский факультет МГУ). Первая книга стихов «Ворота, окна, арки» вышла в издательстве YMCA-Press в Париже, где печатались сочинения И. Шмелева, Н. Бердяева, И. Бунина, Б. Зайцева, М. Цветаевой, «Архипелаг ГУЛАГ» А. Солженицына.

В СССР тексты О. Седаковой распространялись в «самиздате», первое издание (книга стихов «Китайское путешествие» Стелы и надписи. Старые песни») выпущено в 1991 в издательстве Carte Blanche. Издано 55 книг стихов, прозы, переводов и филологических исследований (на русском, английском, итальянском, французском, немецком, иврите, датском, шведском языках). Начиная с 1989, Ольга Седакова постоянно участвует в фестивалях поэзии, конференциях, книжных салонах, читает лекции, преподает в университетах Европы и США.

Доктор богословия honoris causa (Минский Европейский Гуманитарный Университет, факультет богословия, 2003). Офицер Ордена Искусств и словесности Франции (2012). Академик Академии «Sapientia et Scientia» (Рим, 2013). Академик Амвросианской академии (Милан, 2014). Член попечительского совета Свято-Филаретовского православно-христианского института. Литературные награды: Премия Андрея Белого (1983), Парижская премия русскому поэту (1991), Премия Альфреда Тепфера (1994), Европейская премия за поэзию (Рим, 1995), «Христианские корни Европы», премия имени Владимира Соловьева (Ватикан, 1998), Премия Александра Солженицына (2003, «за отважное устремление простым лирическим словом передать таинственность бытия; за тонкость и глубину филологических и религиозно-философских эссе»), Премия Данте Алигьери (2011), Мастер гильдии «Мастера литературного перевода (2011), премия «Глобус» журнала «Знамя» и Всероссийской государственной библиотеки имени М. И. Рудомино (2011).

Автор «Словаря трудных слов из богослужения: Церковнославяно-русские паронимы» (Москва, 2008). Автор переводов (Франциск Ассизский, Данте, П. де Ронсар, Дж. Донн, С. Малларме, Э. Дикинсон, Р. М. Рильке, М. Хайдеггер, П. Клодель, П. Целан, Т. С. Элиот, Э. Паунд, Ф. Жакоте), статей о творчестве Пушкина, Некрасова, Хлебникова, Ахматовой, Пастернака, Цветаевой, Мандельштама, мемуаров о С. Аверинцеве, Г. Айги, И. Бродском, М. Гаспарове, Л. Губанове, В. Ерофееве…). Книги О. Седаковой выходили в Париже, Лондоне, Копенгагене, Иерусалиме, Вене, Копенгагене и др. Наиболее полные издания — двухтомник «Стихи. Проза» (Москва, 2001) и 4‑томник «Стихи. Переводы. Poetica. Moralia» (Москва, 2010). На тексты О. Седаковой писали музыку А. Вустин, В. Сильвестров.

.

С самого начала я хочу, чтобы меня не поняли неправильно, не поняли так, как, к сожалению, наши привычки словоупотребления заставляют понимать. Прежде всего, я совсем не предлагаю делить людей на каких-то «значительных» и «посредственных», «великих» и «маленьких», «одаренных» и «бездарных». Я попытаюсь объяснить, что имеется в виду под посредственностью, в дальнейшем, по ходу изложения. Пока же замечу, что это вовсе не противопоставление каких-то «обычных» и «необычных», наделенных особыми способностями людей. «Посредственность» — это отнюдь не «обыкновенный человек», «рядовой человек», как еще его называют, то есть тот, кто не отмечен какой-то исключительностью. Привычка думать именно так заставляет многих мучиться и сомневаться на собственный счет: не посредственность ли я? Мы затрагиваем одну из самых больных точек «современного человека». Я знаю немало людей, которые скорее согласились бы считаться дурными, чем посредственными. Всю жизнь длится у многих этот несчастный роман с самим собой: серость я или не серость, Наполеон или тварь дрожащая? Так вот, мало того, что человек и без того страдает от своей «неисключительности», «серости», как у нас говорят: тут еще ему говорят, что он представляет собой социальную опасность, поскольку он не гений. Заверяю вас, что ничего подобного я в виду не имею.

С радостью я прочла рассуждения Бориса Пастернака на нашу тему: «Под посредственностью обычно понимают людей рядовых и обыкновенных. Между тем обыкновенность есть живое качество, идущее изнутри… Всего обыкновеннее люди гениальные …Необыкновенна только посредственность». Посредственность паразитирует на гениальности, извращая ее и сводя к необыкновенности; культ необыкновенности, «интересности» — это ей созданный культ. Одна из ее характерных черт, — отмечает Пастернак, — в том, что «она гнушается рядовым делом» (Лили Харазова // Б.Пастернак. ПСС в 11 т. М.: Слово/Slovo, 2004. Т. V. С. 32.).

Итак, для начала я отвожу это привычное понимание «обыкновенных людей» как «посредственных». Русское слово «посредственность» можно трактовать по разному: как «нечто посредине между плохим и хорошим, ни то ни сё». Но интереснее, мне кажется, соотнести его со словом «непосредственность» — и тем самым увидеть в нем «опосредованное», не прямое, не простое, не «первое», не совсем «настоящее». Прямота и простота отношений — вот чего не знает посредственность. Вот здесь мы и поймем мысль Пастернака о том, что обыкновенный человек — как и гениальный — не может быть «посредственным», как не может быть «посредственной» природа. Никакой «посредственности», допустим, в домашнем коте или в дереве вы никогда не найдете. Не найдете вы ничего «посредственного» в ребенке, любом ребенке дошкольного возраста. При том, что ничего «необыкновенного» вы там также не найдете! Посредственность – не врожденное свойство человека, это его выбор. О таком выборе я и собираюсь говорить.

Д.Бонхеффер, анализируя германское общество времен нацизма, обнаружил, что глупость – свойство или недостаток, который принято считать врожденным, — в действительность является результатом личного выбора, причем выбора, политически мотивированного. В определенных условиях общество поголовно «глупеет»: оно всей душой начинает «не понимать», «верить » совершенно невероятному (например, «убийцам в белых халатах») и т. п. Мы оказались свидетелями какого-то тропического поумнения общества: как только в годы гласности запреты были сняты, оказалось, что люди куда умнее, чем представлялись прежде. Что они прекрасно понимают то, что раньше, как они уверяли, было им совершенно непонятно. «Среди одураченных нет невинных, – независимо от Бонхеффера к тому же социальному диагнозу глупости приходит Ж.Бернанос, – одураченный обыкновенно паразитирует на том, кто его дурачит» // George Bernanos. La liberté, pour quoi faire? Gallimard, 1995, p. 54.

Мои размышления о зле посредственности связаны, прежде всего, с искусством — поскольку больше всего я думаю об искусстве и, в частности, о том уроке, который несет в себе искусство. О том, что такое весть искусства — нравственная весть:

Не бумажные дести, а вести спасают людей.

Впервые я пыталась описать этот урок в статье «Морализм искусства». Как известно, мораль и искусство — вещи как будто бы противоположные. Во всяком случае, в Новое время так принято считать. В Новейшее тем более. Стоит открыть знаменитую книгу Жоржа Батая «Литература и зло». Французский мыслитель излагает в ней свою гипотезу: искусство в своей сути — это не что иное, как опыт общения со злом, с тем злом, которое общественная мораль и обыденная жизнь категорически запрещают. И в самом деле, в литературе Нового времени мы обыкновенно не встретим, как в средневековой житийной литературе, «идеальных» героев, «положительных» примеров, примеров для подражания. Было бы странно таким образом прочитать, например, классические романы: ведите себя, как Анна Каренина — или как Раскольников! Или как Гамлет! Не только герои прозы и драмы — отнюдь не образцы для подражания. Поэт (или его лирический герой) — тоже никак не праведник, и «подражать» Блоку или Бодлеру, как святым подвижникам, вряд ли уместно. Но в чем-то — мы непосредственно чувствуем это — и «проклятый поэт» превосходит «доброго обывателя». И, как ни странно это звучит, это превосходство я понимаю как нравственное — при этом ни в малейшей мере не солидаризуясь с романтической схемой.

Художник обращает внимание на то невидимое зло, о котором повседневная мораль забывает или даже, вообще говоря, способствует тому, чтобы этот неведомый порок — порок посредственности — развивался и чувствовал себя хозяином положения.

В отличие от Батая, я думаю, что дело искусства — вовсе не заглядывание в бездны зла ради самой этой авантюры, «нарушения границ дозволенного»: это усилие расширить мир, усилие вырваться из замкнутого пространства «данности», как из бочки в сказке Пушкина:

Вышиб дно и вышел вон.

То, чем занимается искусство, можно назвать расширением сердца. Превосхождением собственной данности. У Данте во второй Кантике, в «Чистилище» есть замечательное трехстишие (привожу в дословном переводе):

Вы не замечали,
что мы (т. е. род людской) — гусеницы,
Рожденные для того,
чтобы сделаться ангельской бабочкой,
Которая летит к ничем не заслоненному
огню справедливости? (Purg. X, 124—126)

Последняя картина — бабочки, летящей на огонь, «блаженной тоски по огненной смерти» как образа истинного существования человека — является у Гете и завершается знаменитой строфой:

И пока у тебя нет этого,
Вот этого: Умри и стань! —
Ты только унылый гость
На тусклой земле.

Вот что искусство помнит и напоминает, и в этом его нравственный урок: императив «умереть и стать». Это именно то, чего не допускает посредственность. Так что дело совсем не в исключительных дарованиях или их отсутствии, не в «своеобразии» или похожести на всех, не в романтизме и реализме. Почему для европейского человека такое «прощание с собой» может представиться выходом в зло, это отдельный разговор, и теперь я его не буду начинать. Я хотела только объяснить свою исходную точку. Искусство, творчество я вижу не как какой-то чрезвычайный опыт, но наоборот: как восстановление человеческой нормы, которая искажена тем, что называется «обыденностью».

Итак, не будучи ни социологом, ни политологом, ни экономистом (от людей этих профессий ожидают авторитетных высказываний об актуальности), я собираюсь говорить о посредственности как о реальности политической, исходя из того аспекта внутренней жизни, которым занято искусство.

То, что называют внутренней жизнью, казалось бы, с политикой не слишком связано — если вообще, как многие думают, оно не прямо противоположно политике. Ведь именно отрешившись от всей этой суеты, от всей этой мышиной возни и мелких интриг (так представляется поле политики) человек и оказывается в области внутренней жизни.

Да, внутренняя жизнь обладает большой автономностью от внешних обстоятельств, а порой эта автономность становится абсолютной. Эти моменты абсолютной свободы души от происходящего умеют улавливать художники. Лев Толстой особенно. В «Войне и мире» есть эпизод, когда Пьер Безухов оказывается в плену у французов. Его положение безнадежно, его ведут расстреливать — и в этот момент он вдруг переживает чувство абсолютной свободы от всего происходящего, ему открывается некое неопровержимое знание, даже не знание, а опытное переживание того, что он обладает бессмертной душой. И он смеется. Вся ситуация представляется ему смехотворной. «Это меня хотят убить? Мою бессмертную душу?» — думает Пьер.

Такие моменты абсолютной автономности внутренней жизни случаются не только в так называемых пограничных ситуациях: сверхтяжелых, смертельно опасных. Они могут случиться совсем в других местах. Один знакомый рассказывал мне, как однажды он услышал старую запись Шаляпина: нереставрированную запись, где сквозь шумы звучал этот живой неповторимый голос. И он — мой знакомый — пережил именно это: шок непосредственного присутствия полной свободы. Он пережил встречу с реальным бессмертием. С умершим — и живым, и бессмертным — Шаляпиным, как он говорил, вдруг встретилось бессмертное в его душе. Это вызвало у него не взрыв смеха, как у Пьера, — а слезы, счастливые слезы.

По разным причинам — или без видимых причин мы оказываемся в пространстве другого измерения: можно назвать его «первым» или «последним». Все другое представляется в сравнении с ним иллюзорным. Есть, кроме Толстого, еще один мастер регистрации таких моментов «сокрушенного сердца» — Марсель Пруст.

В такие моменты мы встречаемся с тем, что Гете назвал «старой правдой», которая всегда та же. Я не буду читать по-немецки, а сразу приведу подстрочный перевод:

Правда давным-давно найдена
И связала союзом благородные души.
Крепко держись ее, этой старой правды.

Эта старая правда, где мы всё знаем, ничего не спрашивая и ничего не объясняя себе, не изменяется не только от смены политических режимов, но и от космических катаклизмов. Как известно, по евангельским словам: «Небо и земля прейдут, но слова Мои не прейдут» (Мк. 13:31; Лк. 21:33). Естественно, тем более они не прейдут со сменой политических режимов.

В гетевском высказывании важно для меня то, что саму эту старую правду не надо искать. Она давно найдена. Привычная тема поисков, духовных поисков тем самым отменяется. Она открыта давным-давно, как говорит Гете, она связала между собой благородные души — те, которые согласились ей верить. Если что приходится искать, то этo себя — того себя, который может войти в этот благородный союз. И это совсем непросто. Именно на этом пути, на пути поисков себяблагородного, продолжая говорить гетевскими словами, мы и сталкиваемся с тем, что я называю политикой.

Казалось бы, такие ситуации, как происшедшее с Пьером Безуховым, не репетируются, не подготавливаются, происходят вопреки всему: они как будто падают с небес. Но в действительности с небес падает куда больше, чем мы можем принять. Должно еще найтись место во внутреннем мире для этого состояния. Должна быть какая-то готовность — может быть, до поры не известная самому человеку — готовность согласиться на эту старую правду. Наше сопротивление этой правде необычайно.

Одна моя знакомая немецкая современная художница рассказывала мне, что до какого-то времени она ненавидела правду. Естественно, назвать свое настроение таким образом она смогла только тогда, когда пережила радикальный душевный переворот. До этого она так свою неприязнь не могла бы назвать. Но она замечала, что настоящая живопись, и современная, и классическая, вызывает у нее острую личную ненависть, что она ненавидит, допустим, Рембрандта. Она охотно признавала при этом средние вещи. Все, что противоречило этому среднему уровню, вызывало у нее непонятную ей самой ненависть. Этого не должно быть, это меняет все карты, это рушит мой мир!

Только после внутреннего переворота она осознала, насколько она была скована своего рода союзом с полуправдой. Это не была какая-то вопиющая ложь, нет: это была полуправда. И все, что выходило за границы полуправды, для нее было абсолютно неприемлемо. Ей необходимо было оправдать положение «унылого гостя на тусклой земле» как единственно возможноe.

Интересно, что об этом феномене свидетельствует и православный подвижник XX века, архимандрит Софроний (Сахаров): «Люди странным образом избирают не лучшее, а нечто среднее. Не говорю – худшее, но среднее. Однако это среднее, когда каждый цепляется за него и не хочет расширить, это среднее все же становится тесным. Так, вся наша жизнь проходит в борьбе с теснотою сердца людей. И скажу правду, нередко я стою на грани отчаяния» // Архимандрит Софроний (Сахаров). Письма близким людям. М.: Отчий дом, 1997. С. 54.

Я предполагаю, очень многие удивятся, почему на пути к внутреннему, к «старой правде» мы, как я сказала, встречаемся с политикой. Разве не должны мы просто бежать от политики, от всей ее суеты и лжи, от ее насквозь разыгранной, насквозь сценарной реальности, как мы знаем теперь особенно ясно, со всеми этими пиаровскими кампаниями, которые описал В. Пелевин? Очень часто путь побега от всего этого — да и вообще от всего «внешнего», самым внешним из которого видится политика, — и почитается духовным. По моему убеждению, если это путь духовности, то духовности гностического типа, духовности, которая вообще не признает ни реальности, ни ценности здешнего мира.

Политизирующая суета может быть действительно большой помехой, как писал измученный поздний Пушкин:

И мало горя мне, свободно ли печать
Морочит олухов, иль чуткая цензура
В журнальных замыслах стесняет балагура.

(Как хорошо слышно из этих стихов, Пушкин вовсе не сочувствует «балагуру», которого стесняют в замыслах, и за его права, за его свободу «морочить олухов» бороться не намерен.)

Но совсем другое дело отношение с политикой в ее исходном смысле (я напомню, что политика — это аристотелевское слово, это слово классической античной мысли), политикой как законами общежития, законами гражданства. То, что такая идея гражданства не чужда христианской православной мысли, мы видим в таких выражениях литургических текстов, как «небесное жительство», «рая житель» (так именуется святой) и подобных.

«Жительство» в церковно-славянском языке передает греческое „политейя“, гражданство, участие в жизни полиса. «Житель» же по-славянски — не просто обитатель, как это в русском языке, но гражданин, то есть тот, кто несет ответственность за политейю, за город, за свое общество. И поэтому если пойти путем уклонения от жительства, от позиции жителя и смотреть на все происходящее с пресловутой точки зрения вечности, sub specie aeternitatis, это будет очень ложный, кривой путь.

Посмотреть на все «с точки зрения вечности» почему-то кажется обывателю чрезвычайно легким делом. Однако эта «точка зрения вечности» подозрительно напоминает обыкновенное наплевательство.

Вот образец такого взгляда «глазами вечности». Мои итальянские знакомые совершали паломничество на Соловки: они хотели поклониться месту человеческих страданий, и в том числе, месту страдания людей, которые были христианскими исповедниками. Для них проводили экскурсию по острову и монастырю, показали все что угодно, но не это. Когда они спросили, почему на Соловках так мало памяти о лагерях, о погибших, о том, что там происходило совсем недавно, проводник сказал им: «Но ведь это было такое короткое время по сравнению с вечностью!»

Вот это та самая точка зрения вечности, которую, мне кажется, можно назвать точкой зрения свинства: «Это продолжалось всего десять — пятнадцать лет». Мои итальянские знакомые, люди верующие, не побоялись заметить, что и 33 года земной жизни Господа нашего с точки зрения такой вечности — тоже совсем короткое время!

Вспоминая Томаса Манна, последнего европейского классика, писателя-гуманиста, который в ХХ страшном веке нашел достойную позицию и оставался ей верен, можно привести его слова о том, что политика — это здоровье духа, который вне политического самосознания и действия гниет. В его случае политический выбор состоял в определении личной позиции по отношению к германскому нацизму. Какая «внутренняя жизнь» осталась бы целой в эту эпоху, не совершив такого выбора? Несомненно, это случай незаурядный — посетить мир «в его минуты роковые», во время неприкрытого действия зла. Но слова о «здоровье духа» мне представляются действительными для любой эпохи.

На парижском Книжном Салоне этого, 2005 года, где Россия была почетным гостем, тема устранения от политики звучала не однажды. Поэт Александр Кушнер говорил, что не стоило бы Мандельштаму писать «Мы живем, под собою не чуя страны», чтобы заплатить за эти – не лучшие в поэтическом смысле десять строк – жизнью. Нужно было не удаляться от великих метафизических «Восьмистиший». Такого же рода роковой ошибкой была названа политическая ангажированность философа Мераба Мамардашвили, которая также стоила ему жизни. Почему бы ему было не продолжать что-то вроде «Лекций о Прусте»? Так говорил замечательный грузинский режиссер Иоселиани. Боюсь, что оба защитника «чистой поэзии» и «чистой мысли» не представляют себе, до какой степени безумный по их мнению шаг обусловлен самой этой поэзией и мыслью и не является внешним по отношению к ним – но их прямым продолжением, и продолжением «вверх».

Что же такое, в конце концов, это гражданство, эта политика? Это, как мне представляется, с одной стороны — опыт существования в виду зла и с другой стороны — в виду страдания, чужого страдания. Вот что я имею в виду прежде всего, когда говорю о политике. Здесь каждый человек оказывается свидетелем. Свидетелем того, что творится зло и насилие, свидетелем того, что какие-то невинные люди его на себе испытывают. Он не может сказать, что с точки зрения вечности это почти ничего не значит. (Откуда, между прочим, у всех такое близкое знакомство с вечностью?). Так что каждый человек оказывается или участником истории — или ее жертвой. Участником, если он принимает происходящее всерьез и как-то на это отвечает — или же, как прекрасно сказал в своей нобелевской речи Иосиф Бродский, «жертвой истории». Тот, кто для облегчения дела решит посмотреть на все с этой злосчастной точки зрения вечности, и оказывается жертвой истории: то есть, не тем, кого убили, а тем, кто соучаствовал в зле как в некоей необходимости, единственной возможности («а что я мог делать?», «а нас так учили» и т. п.). Те, кто «ничего не знали» или «ничего не понимали». Так, немецкие обыватели «не знали» и «не понимали», что их соседей увозят в лагеря. «Не знали» и «не понимали» этого и наши люди. «Не подумали» они и о том, что происходит с теми, кого они обсуждали на общих собраниях и кричали: «Вон Пастернака из нашей страны! Вон Солженицына из нашей страны!». «Не подумали», «не понимали» — и соучаствовали в этом позоре. Вот кто настоящие жертвы истории. И в другой разряд их уже никто не переведет. С этим итогом они и приходят к концу своей жизни.

Так вот, когда зло — как в те времена, о которых мы говорили — принимает откровенно инфернальные формы, а страдания превосходят все меры (при Гитлере в Германии, при Сталине у нас), тогда союз со злом или даже мирное с ним сосуществование определенно делают для человека невозможной встречу со своим внутренним миром, с его «старой правдой». Доступ к ней оказывается блокирован. Мы это знаем по судьбе многих художников и мыслителей, которые выбрали конформистскую позицию, и плод ее был сразу же очевиден: они утратили творческий дар, они ничего общезначимого сказать уже не могли. Выбор в ситуациях такого рода труден по-человечески (жалко себя, страшно за ближних и т. п.), но эвристически он не труден. Здесь, пожалуй, слишком ясно, где зло, а где добро. Во всяком случае, мыслящему и чувствующему человеку это несомненно ясно.

Но наша нынешняя ситуация гораздо сложнее. Она пестрая и мутная. Времена открытого, инфернального зла как будто бы прошли. Те времена, которые без стыда утверждали целесообразность зла любого масштаба, исходя единственно из того, чему оно «служит»: если нечто служит «немецкой верности» или «торжеству коммунизма», то оно не просто необходимо, а прекрасно. Не согласится с этим только «несознательный» человек.

Теперешнее время как будто ничего такого вопиющего не говорит. Скорее уж оно говорит, что само различение добра и зла устарело, что все и не добро, и не зло, а чтото такое среднее, смешанное, невнятное, отчасти хорошее, отчасти дурное — как мы все, как весь этот грешный мир. Нет худа без добра. В этой немудрящей пословице, «нет худа без добра», Бродский увидел некую великую философию и предположил, что это и есть та новость, которую Россия несет Западу, тот «свет с Востока», которого Запад ждал и наконец созрел для этой мудрости.

Однако, до чего же тогда созрел мир, который до сих пор не знал, что нет худа без добра, что вообще не стоит слишком решительно различать худо и добро? Он созрел до цинизма, потому что такое неразличение — не что иное как цинизм. Ничего особенно нового, замечу, в этом цинизме нет. Его прекрасно знали софисты, противники Сократа. Большими мудрецами при этом софистов считали только профаны. Но теперь влиятельные философы солидаризуются с такой мудростью!

Не нам рассудить, что зло, что добро, а всякая попытка слишком резко провести эту черту грозит фундаментализмом.

Фундаментализм же для современности — это, несомненно, самое страшное зло, главная форма зла, которой боится просвещенный либеральный мир. Ради спасения от фундаментализма он готов примириться со многим, почти со всем. Современное либеральное общество называют иначе «терапевтическим» (то есть, относящимся к каждому человеку как к пациенту, носителю фрейдовской «ранней травмы») и «пермессивным» (позволяющим, снисходительным). В такой ситуации насилие (если оно вообще есть, с чем многие не согласятся) становится совершенно неприметным, носители его — анонимными. И кто, собственно говоря, тиран, репрессивная инстанция либерального общества? А жертв как будто и вовсе не видно. Где же здесь место «политики», политической ответственности — в том смысле, о котором я говорила?

Очевидно, что ситуация, которую я описываю, — совсем не та, в которой мы с вами живем. Это ситуация «дальнего зарубежья», того мира, который у нас называют «цивилизованным» или «свободным», — авангарда истории, который нам еще как будто предстоит догонять. Наши непосредственные политические заботы — явно другие. Ни пермессивностью, ни терапевтичностью у нас еще не пахнет. Мы совсем недалеко ушли от тех самых, грубейших форм насилия и страдания, и презрения к человеку, и они на наших пространствах как будто всегда рядом, всегда наготове. Так что не впасть в них снова — наша актуальная задача, и дальше нее ничего не видно. Тем не менее, я убеждена, что мы живем в общем, планетарном времени, что наша ситуация не отделена от общего положения цивилизации, ключевое слово которой — либерализм. Мы еще не осознали этого в наших дискуссиях и продолжаем выглядывать в «мир», как из-за железного занавеса или китайской стены: что там «у них». Повторю: мы живем в планетарном времени. Движение истории захватывает всех. Наша изоляция в мире кончилась. Ее на самом деле-то никогда и не было. Знали это насельники нашей страны или нет, Советский Союз входил в игру общемировых сил.

Обыкновенно наше вхождение в европейскую цивилизацию понимают как преодоление нашего «отставания». «Мы» должны догонять «их». Кто-то этому рад и хотел бы «догнать» как можно скорее. Кто-то в ужасе от предстоящей перспективы: оттуда, из будущего «на нас» валится сор «их» масс-культуры, крушения ценностей и т. п. Однако, как ни странно это звучит, в некоторых отношениях хронологическая последовательность выглядит прямо противоположным образом — я не раз встречалась с этой поразительной догадкой во время путешествий по Западу. Нельзя не заметить, что во многом «мы» «их» обогнали, и теперь «они» нас нагоняют. Это очень странно, но я попытаюсь объяснить, что я имею в виду. В каком-то смысле мы уже были в будущем либерального общества.

Естественно, ничто не повторяется целиком, и их будущее может принять какие-то другие оттенки. Но, тем не менее, я действительно видела, что в некоторых вещах мы на самом деле были, как пелось в советской песне, «впереди планеты всей». И вещи это не второстепенные, а может быть, самые существенные.

Я расскажу одну историю, которая сразу же поможет уточнить, что я имею в виду. Однажды в Хельсинки, в университете меня попросили рассказать вкратце, в течение одной лекции, одного академического часа, историю подсоветской культуры и искусства. И поскольку за час многого не расскажешь, я свела эту историю к очень краткой схеме. Главным героем ее у меня был так называемый «простой человек ». (Опять же, прошу не заподозрить меня в высокомерии: саму себя я всегда считала именно таким простым человеком — так и отвечала это редакторам, которые утверждали, что «простой человек» этого не поймет: «Но я сама простой человек!») «Простой человек» в кавычках. Тот самый «простой человек», которым постоянно оперировала пропаганда. От художников требовалось писать так, чтобы его понял «простой человек». От музыкантов требовалось сочинять такие мелодии, которые «простой человек» (то есть не получивший музыкального образования и, вероятно, не отягченный ни слухом, ни привязанностью к музыке — иначе он уже не «простой» в этом смысле) мог бы запомнить с первого раза и спеть. Так Жданов учил Шостаковича и Прокофьева, какими должны быть мелодии: чтобы их сразу можно было запомнить и спеть. Остальное называлось «сумбур вместо музыки». Философ не должен был говорить ничего «заумного», «сумбурного», «непонятного» — как это делали Гераклит, Гегель и другие несознательные и буржуазные мыслители, классовые враги «простого человека». И т. д., и т. д.

Был ли этот «простой человек» реальностью или он был конструкцией? Это вопрос. Я думаю, изначально он был конструкцией, проектом. Изначально его придумали, этого «нового человека», которого и принялись воспитывать: внушать людям, что они имеют право требовать, чтобы угождали их невежеству и лени. «Искусство принадлежит народу». И стали размахивать этим «народом» и «простым человеком» во все стороны, как какой-нибудь Илья Муромец своей булавой, и крушить головы тех, кто не «простые». Постепенно эта официальная болванка наполнилась содержанием. И «простой человек» явился миру.

Сколько раз я видела его, этого «простого человека» в действии! Как точно исполнял он свою роль, скажем, на выставках прекрасных художников, которым только иногда, в маленьком зале, разрешали выставить свои работы. У меня была старшая подруга Татьяна Александровна Шевченко, замечательная художница, дочь Александра Шевченко, которого называли «русским Сезанном». Однажды — ей было уже за 70 — состоялась одна из первых ее выставок, на окраине Москвы. Татьяна Александровна была человеком ангельской души. Она писала нежнейшие портреты, нежнейшие натюрморты, составленные исключительно из красивых вещей: из цветов, из ракушек — из того, на что нельзя смотреть иначе, как любуясь. Она сама говорила, что ей хочется рисовать человека таким, каким его видят, когда глядят на него любуясь. В результате все у нее получались на портретах немножко лучше, чем это видно невооруженным взглядом — взглядом, не вооруженным очарованием. Это было не приукрашивание, а высматривание в человеке его лучшего. Она написала и два моих портрета, на которых я несравненно лучше, чем, я бы сказала, на самом деле. Так она видела. Одним словом, упрекнуть ее — с точки зрения «современного» искусства — можно было бы разве что в «украшении действительности», в смягчении ее драматизма, в странной безмятежности.

И вот мы открыли альбом для отзывов. Я глазам своим не поверила. Страница за страницей — все то же: «Для кого это все выставлено? Простой человек этого понять не может. Почему все такое мрачное? Почему все в мрачных тонах?» И ведь это были не какие-то агенты, не какие-то инспекторы из ЦК КПСС. Это были обычные люди, которые писали то, что думали.

Что касается тонов… У «простого человека» явно что-то случилось с восприятием цвета, если эти мягкие пастельные тона ему казались мрачными и угрожающими. Какие же он считал веселыми? Вероятно, такие, как на плакатах. Зрители не просто возмущались, они требовали запретить эту выставку и впредь ничего подобного не выставлять. Можете себе представить, как переживала все это старая Татьяна Александровна. Она думала, что дело в идеологах, в комиссиях, инстанциях… Оказалось, что осуждает ее сам «простой народ». Он не хочет смотреть на эту заумную и мрачную живопись. Это было самое страшное. Для нее, для меня, для многих из тех, кого тогда «запрещали», — вот это и было самым страшным. Осуждение идеологических инстанций нас нисколько не удручало. Что еще они могли делать? Но когда простые люди, твои соседи от себя лично выражали те же мнения — вот это действительно сражало!

Итак, «простой человек», который твердо знал, как должен писать художник, как должен сочинять мелодии и подбирать гармонии музыкант, строчил в редакции, выражал свои возмущения по поводу любой нетривиальной вещи, напечатанной в журнале. Зачем такое печатают? Такое печатать нельзя. Народу такое не нужно. Некогда воспитанный, он сам стал воспитателем. Он стал воспитывать других. К какому-то времени, видимо, «простой человек» составлял уже статистическое большинство нашего общества. Примыкать к «простым» было выгодно и удобно.

Когда обсуждают «реальный социализм», редко задумываются над тем, чем он соблазнял человека тогда — и чем он продолжает соблазнять, откуда возникает ностальгия по нему? Ради чего человек соглашается на безвыходную тюрьму и вечный надзор? От чего освобождала его эта тюрьма? От чувства метафизической личной вины — предположил Пауль Тиллих в своем анализе тоталитаризма. А это не шутка, это одно из труднейших обстоятельств человеческой жизни. Режим предлагал каждому своему участнику удобства, которых в предыдущей истории человек еще не знал — или не знал в такой мере. Он предлагал ему возможность стать «простым человеком», у которого нет никакого спроса с себя, над которым совесть не стоит, «как зверь когтистый». Иначе говоря, он предлагал возможность свободы от личной вины, свободы от «комплекса неполноценности». Зачем, скажем, спрашивать себя: да кто я такой, чтобы судить о живописи? видел ли я еще какие-нибудь десять картин — или вижу эту первую, но уже знаю, что в ней неправильно? Зачем «комплексовать» перед тем, что превышает твое понимание и опыт? Без согласия вот этого «среднего» человека, посредственного человека, на режим, без того, что в определенном смысле в этот режим ему выгоден — и не в смысле материальной социальной опеки, а вот в этом, метафизическом, если угодно, духовном отношении — мы мало что поймем в том, что у нас происходило. И в том, что опять стоит в дверях, к чему опять люди склоняются: снимите с нас ответственность, мы не хотим быть виноватыми, пусть все опять будет «просто» и «понятно».

Так вот, я рассказываю в Хельсинки историю о том, как проектируется, воспитывается и становится главным судьей всего происходящего этот, так называемый «простой человек», и говорю: на могилах многих наших художников, которых или убили, или довели, или свели со света, можно было бы написать: «Их убил „простой человек“». Партия не говорила, что это она расправляется с ними. Она утверждала, что всего лишь выполняет волю народа, что ради «простого человека» расправляются с Шостаковичем или с кем-то еще.

Так вот, пока я все это говорю, я вижу, что студенты в большой университетской аудитории — такой же наверно, большой, как эта — как-то ежатся, смущаются и чтото им неловко. Потом ко мне подошли преподаватели и стали благодарить: «Спасибо вам!Вот теперь они узнали, что они делают». «Они» — это студенты. Как выяснилось, хельсинские студенты подходят к своим профессорам с таким же требованием. Они говорят: «Не завышайте задач. Не требуйте от нас слишком многого. Не говорите нам слишком сложного и заумного. Мы простые люди. Не требуйте от нас невозможного. Все должно быть для простых людей». И Финляндия здесь совершенно не исключение. Это, к сожалению, типичная картина. Я встречала уже немало европейских редакторов, издателей, устроителей поэтических фестивалей, которые говорили то, что мы в прежние времена слышали постоянно — и надеялись, что это навсегда исчезнет вместе с нашим специфическим режимом: «Наш читатель этого не поймет. Мы не должны угнетать читателя, репрессировать его завышенной эрудицией, сложностью и т. д.»

Часто в таком разговоре мне приходилось слышать и наше родное раздвоение говорящего, раздвоение, которое младшее поколение, я думаю, уже не встречало. Раздвоение каждого человека на «я» и «мы». Редактор спокойно говорил: «Я лично этого не люблю, но нам это нужно». Или наоборот: «Мне это нравится, но мы этого принять не можем». У человека, как будто облаченного властью и правом принимать решения, внутри было два существа: «я» и «мы». Эту шизофреническую ситуацию он считал совершенно естественной. И что же — теперь мы встречаем то же самое на свободном Западе, то же раздвоение вкуса и убеждений на «личные» и «публичные». Происходит это, разумеется, по совершенно другим причинам. Однако нетрудно разглядеть, что в итоге появляется: тот же самый «маленький человек», «простой человек» с его характерными свойствами: он какой-то чрезвычайно обидчивый и ранимый, этот «простой человек». Если он встретит что-то, что его превышает, он страшно обидится, почувствует себя репрессированным, потеряет уверенность в себе навсегда. «Нельзя подрывать уверенность в себе», один из законов политкорректности. Поэтому никак нельзя его трогать и ставить в затруднительное положение. (Почему-то не обсуждается другая, и вполне возможная реакция: от встречи с высоким человек может порадоваться и даже испытать гордость — не за себя, так за «нас», за род человеческий; он может захотеть присоединиться к тому, что его превышает…).

Я думаю, что не буду пересказывать многочисленные истории в этом роде, которые я видела в последние годы в самых разных местах, вплоть до радио Ватикана, и которые меня поражали. Достаточно одной иллюстрации того, что мы и в самом деле были впереди планеты всей: вот в этом проекте «простого человека».

Теперь он явно становится главным героем цивилизации. Для него работает могучая индустрия развлечений, его надо защищать от «непростых». Поэтому я и назвала ту опасность и ту тираническую силу, которая угрожает современности, посредственностью.

Это положение уже давно предсказывали многие европейские мыслители, говоря об «обществе масс», или о «бунте посредственности», как Дитрих Бонхеффер

«С социологической точки зрения речь идет о революции снизу, о бунте посредственности». И далее: «Недоверие и подозрительность как доминанты поведения есть не что иное, как бунт посредственности» // Д. Бонхеффер. Сопротивление и покорность. М.: Прогресс, 1994. С. 256–257. Похожим образом видел ситуацию русский мыслитель И. Ильин

или о «цивилизации малодушных», как Бернанос

В цикле своих последних, послевоенных политических лекций (к сожалению, еще не переведенных на русский) «Свобода, а на что она?» Ж.Бернанос, христианский мыслитель, со всей страстью пытается предупредить «победившее фашизм» общество об опасности «цивилизации малодушия», возникновение которой он видит в Европе (Bernanos. Op. cit.).

. Повторю еще раз, что дело не в том, получил или не получил человек какое-то образование. Мы все встречали людей, не получавших никакого образования — и никогда не позволивших бы себе отзыв типа: «Это заумь!». Совесть и такт не позволили бы им сказать так. Они бы сказали, допустим: «Что-то этого я не пойму!» — без малейшего осуждения, без требования делать все так, чтобы он непременно понял:

А ну, изобрази нам Марьиванну!

Так что речь идет не о наличных знаниях, отнюдь: речь идет о человеке, который уверен в своем праве судить с точки зрения заниженных критериев, требовать легализации этих заниженных критериев — и более того: их принудительного для всех статуса.

Я предлагаю вспомнить, как был осмыслен наш радикальный поворот от общества тоталитарного типа к какому-то другому. К какому другому — выяснить, собственно, до сих пор не удалось. Не больше удалось разобраться и с тем, от чего предполагается освобождаться. В какую сторону — вроде бы сначала было ясно как день. В сторону модернизации, в сторону приобщения к «общечеловеческим ценностям», в сторону достижения того, чем располагает, как тогда говорили, весь цивилизованный мир. Как при этом представлялся цивилизованный мир? Как мир рациональный, прагматичный, коммерческий, демифологизированный, в котором никакой пресловутой «духовности» уже нет. Итак, следовало идти туда и освобождаться от иллюзий. Тоталитаризм был описан как царство мифов и высоких иллюзий, как торжество «поэзии» над «прозой». В этом и заключалась беда. Нужно было как можно решительнее двинуться к смиренной прозе.

В течение всех этих освободительных лет из уст в уста переходило несколько лозунгов, несколько идей, которые повторялись повсюду и, наконец, от повторений приобрели статус неоспоримых истин. Одна из таких истин была самой ходовой. Это строчка Бродского: «Но ворюга мне милей, чем кровопийца». Это сравнение позволяло примириться с неминуемой якобы уголовщиной как первым шагом к свободе: все-таки ворюга уже лучше, чем кровопийца, чем железный Феликс! Почему-то представление о тоталитаризме было связано с некоей «чистотой» и «бескорыстием», а кровопийца представлялся кристально чистым — от воровства во всяком случае (что, надо сказать, совершенно не отвечало историческим фактам: кровопийцы и этим не брезговали).

Другая идея тех лет, не менее расхожая, была взята из Макса Вебера, большей частью непрочитанного, но известного по пересказам: идея протестантского происхождения капитализма. Из этой исторической гипотезы был сделан какой-то странный вывод: сакрализация наживы, идея всеоправдывающей реальности денег.

Третья распространенная идея — смерть интеллигенции и вина русской литературы и русских мыслителей за все происшедшее. Кто виноват? Конечно, Лев Толстой, Чехов, Блок: это они воспитали в российском читателе недовольство настоящим положением вещей, революционность, поиски идеала, что и привело к тоталитаризму.

Четвертая идея, так же казавшаяся неоспоримой: «Или хорошая жизнь, или хорошее искусство». Чтобы был написан, допустим, еще один гениальный роман, «Мастер и Маргарита», необходимы лагеря. И если вопрос стоит так: согласны ли вы на то, что во избежание лагерей вам придется жить без Достоевских? — ответ казался само собой разумеющимся: «Не нужно нам больше Достоевских, лишь бы не было лагерей».

Любая из этих небогатых идей (и сопутствующие им: например, о поэзии как лингвистической игре) не выдерживает никакой логической проверки и попросту не отвечает фактам. Тот же Гете не нуждался в лагерях ни для своего «Вертера», ни для «Фауста». Но, тем не менее, заявленные тезисы казались неоспоримыми и не обсуждались.

Остановлюсь только на первом из этих глубокомысленных положений. Поэтический смысл строки Бродского обсуждать не приходится. Это строка из «Писем римскому другу», характеристика ворюги — провинциального наместника (читай: брежневского номенклатурного работника); в своем ироническом контексте она вполне осмыслена и оправдана. Но если стих этот понимается sensu stricto, в строгом смысле и как руководство к действию, он оказывается достаточно страшным. Боюсь, что частое и сочувственное цитирование его сыграло свою роль в том, какой оборот приняли наши дела.

Почему же «ворюга» вдруг оказался милым? Старый тоталитаризм, который знала Европа в виде немецкого фашизма и, условно говоря, нашего сталинизма, оставил по себе мину замедленного действия. Он оставил возможность — и привычку — все сопоставлять с собой, и вывод из этого сопоставления был ясен как день: «Все что угодно лучше, чем это». Все-таки это не концлагеря, не газовые камеры. Нацизм был принят за точку абсолютного зла, рядом с которым любое другое зло выглядит терпимым и даже оправданным. Мало того: другого типа зло понимается как противовес нацизму и тоталитаризму. В том числе моральная неразборчивость. «Зато это не фашизм!» Но, как заметил французский философ Франсуа Федье, всякое зло абсолютно. От сравнения одного зла с другим ничего толкового не получается.

Сергей Сергеевич Аверинцев писал: «разве не das offene Geheimnis (секрет Полишинеля) современной западной жизни — что честь моральной победы над гитлеровщиной украдена небитыми и непугаными поколениями, которых там, по ахматовскому словечку, «не стояло» («Вас тут не стояло!» – эту реплику, услышанную в очереди, Ахматова любила повторять!), но которые зато знают, как неправильно мыслили и выражались герои (сопротивления)» .

Письмо С.С.Аверинцева автору, лето 2001 (рукопись). В первые послевоенные годы это обстоятельство отметил Ж. Бернанос: «Миллионам и миллионам людей в мире уже не может быть неизвестно, что Сопротивление, будучи делом горстки решительных людей, в выборной статистике не представило бы собой ничего значительного; так что реорганизация парламентской демократии фатальным образом свела Сопротивление на нет» (Bernanos. Op. cit., p. 70).

Люди, сопротивлявшиеся нацизму, не были похожи на постмодернистов. Они были героичны, определенны, патетичны — все это свойства, которые актуальная культура непременно заподозрит в сходстве с тоталитарностью.

Мы не можем сказать, что честь победы над реальным социализмом кому-то у нас принадлежит, не можем сказать даже и того, побежден ли он вообще. Но годы освобождения по существу повторили западный путь, приняв за радикально антитоталитарное настроение элементарный скепсис и агностицизм. Ибо нацисты и коммунисты явно не были ни скептиками, ни агностиками. Так что ворюга все-таки милей, чем кровопийца.

Нетрудно заметить, что само противопоставление этих двух зол ложно. Воровство непременно где-нибудь вдали кончится и кровопийством, как это показал Лев Толстой в «Фальшивом купоне». Начинается с подделки купона, а кончается убийством. Этот круговорот зла в природе Толстой описал замечательно. Да и мы в этом имели возможность многократно убедиться, глядя на уличные разборки наших «милых ворюг», которые зато не кровопийцы. Однако благодушная безыдейная аморалка приветствовалась как альтернатива кристальночистым идеологам-кровопийцам.

И что, в конце концов, мы получили? Отнюдь не реальный, действующий рынок, которого, как все знают, у нас так и нет. Мы получили новый миф и новую идеологию: идеологию рынка. И больше того: поэзию, романтику рынка. Надо сказать, что в западном мире ничего похожего нет. Рынок действует, но это прозаическая бытовая реальность, никто ее не воспевает, никто не учит рынку как идеологии, никто не выступает с моралью или с поэзией рынка. Любому ребенку говорят в Америке: «be nice!», помогай ближнему, будь со всеми хорош. «Can I help you?», которое вы услышите там на каждом углу, — плод этого воспитания. Никто не учит: «урви свое и беги», «думай о себе, остальное не твоя проблема» — то есть, всему тому, чем занялась наша новая педагогика: воспитанием еще одного «нового человека» из старого, который получил отвратительное имя «совок». «Совка» — со старым пренебрежением к нему, замечу, — взялись обучать всему, чего у него не хватает. Это делала реклама, телевидение.

Не хватало ему, как оказалось, прежде всего, хулиганского индивидуализма, который был провозглашен cвоего рода нормой — на место мифического «коллективизма». Раньше был коллективизм, теперь мы будем развивать индивидуализм, индивидуализм без берегов, индивидуализм человека, который живет не среди себе подобных, не среди других людей, которые имеют с ним общие интересы, но против всех, как волк среди волков — что это, как не уголовная мораль? Она и называлась просвещенным индивидуализмом. Другое именовалось «совковостью»: советский идеализм, советский аскетизм, советский коллективизм и т. д… Ото всего этого следовало бежать. Следовало усвоить другие, просвещенные правила жизни: утилитаризм и наплевательство.

В «цивилизованном мире» до сих пор принято учить хорошему. И даже некоторым новым хорошим вещам: например, экологическому сознанию, с которого начинаются первые школьные учебники. Можно, конечно, решить, что это привычное расхождение реальности (в которой господствуют утилитарные и циничные мотивы) и системы воспитания (в духе гуманистических ценностей), что это не более чем мелкобуржуазное лицемерие, известное ханжество западного общества, которое не устают обличать местные бунтари, левые, неомарксисты, срывающие всяческие маски. Вот вы, дескать, учите детей «люби ближнего, помогай бедным, не презирай людей другой расы, а на самом деле…», «вот вы говорите о музеях, гениях и вдохновении, а на самом деле искусство — это рынок. Успешные художники — это те, кто хорошо знают рынок, выбирают правильную стратегию и хорошо продаются, они и остаются в веках». Такого рода высказывания несут в себе тон вызова, провокации. Тот, кто говорит так на Западе, несомненно знает, что это сильный жест. Но у нас утверждения такого рода стали просто первым словом о вещах, стали уроками жизни для воспитания очередного «нового человека». На этот раз предполагалось, что новый новый человек — современный, продвинутый и западный, человек, которому на все наплевать, который знает, что ничего правдивого на свете нет, и что Пушкин не беседовал с музами, а развивал стратегию успеха. Что Сальери в его драме интереснее и важнее Моцарта.

Сколько, между прочим, вышло за последние годы книг с разнообразными пересмотрами! «Литературная стратегия Пушкина»: как Пушкин отлично «раскручивал себя» на культурном рынке своего времени. Или, допустим, «Анна Ахматова как вид человека сталинского» и т. п. Как ни странно, все эти новые истины принимались без вопросов, без переспрашиваний. Таких, скажем: если Пушкин и Моцарт были такими хорошими стратегами успеха, то почему же конец их был так печален, почему они лишились читателей и слушателей? Где тут хорошая стратегия? Но от новых трактовок не требовали убедительности и доказательности. Их принимали с готовностью.

Одной из школ «нового человека» стала реклама. Эта индоктринация достойна внимания. Так, одно время ключевыми словами рекламы, как заметила И. А. Седакова, изучавшая ее, были «жить» и «жизнь»: «надо уметь жить!», «вот это жизнь!». Что конкретно значило «жить» на этих рекламах? Уметь пользоваться всем на свете быстрее и успешнее других, чтобы ни у кого ничего такого не было — например, такого шезлонга. «А у соседа такого нет». Игра на зависти, на спеси, на комплексе неполноценности: совершенно запрещенная игра. Постепенно «жизнь» в рекламе сменила другая тема: «право»: «имею право хорошо сервировать стол» (реклама салфеток), «имею право купить духи» и т. п. Это, видимо, должно было научить уважению к себе.

Новое воспитание основано на анализе прошлого. Вольно или невольно, наш пересмотр истории по существу совпадал с тем, который был осуществлен в Германии после нацистской катастрофы. В конце концов, оказалось, что вина за эту катастрофу лежит на всем лучшем в немецкой культуре, на всем самом любимом. Гете, Гегель, фольклорные немецкие песни — вот кто виноват, вот кто готовил гитлеризм. А у нас, как все помнят, виновником происшедшего оказалась «святая русская литература», как назвал ее Томас Манн. Конечно, Толстой, Достоевский, Александр Блок — они все это и подготовили. И поэтому перевоспитание должно было начаться с того, чтобы решительно покончить со всяким романтизмом, гуманизмом и идеализмом, которыми как будто был перегружен прежний режим.

Новый человек, успешный человек — это спокойный циник, агностик, который находит комфорт в том, что ничего нельзя решить, что «все сложно». «Все сложно» — вот к чему сводятся все попытки выяснить что угодно. Чтобы стать новым человеком, следовало стать обывателем, в котором не осталось никакой пассионарности. Все, что ему нужно, — это гарантии, отсутствие риска, комфорт и безопасность. Если такой тип человека наконец восторжествует, мы будем жить в цивилизованном предсказуемом обществе. История кончится, потому что история — это череда войн, катастроф, революций. Мирный обыватель войн не любит. Зачем ему это? У него уже нет комплексов, из которых рождается агрессия, он излечился на сеансах психоаналитика, он уже не невротик, как герои и гении. Ведь всем давно известно, что невротик и гений — это одно и то же. Патология. Герои и гении «деструктурируются», за всеми великими деяниями и мыслями обнаруживается «возгонка» какого-нибудь комплекса.

Вся эта азбука либерализма принимается без малейшего сопротивления. Эта сверхкритическая идеология не позволяет критиковать себя. Каждый, кто выскажется против какого-нибудь из ее догматов, рискует репутацией. Он будет быстро приписан к лагерю реакционеров, элитаристов, клерикалов, не знаю, кого еще. Вам не нравится венчание однополых браков? Ну, вы фашист!

Да, мы по-своему попытались повторить европейский путь выхода из шока тоталитаризма, но с одним значительным отличием: там искали выход из чувства собственной вины. У нас темы своей вины при обсуждении ближайшего прошлого не возникало. Никто, никогда, высмеивая, вышучивая, брезгливо отталкивая все «совковое », не заговорил о собственном стыде и вине. Я не слышала, чтобы хоть отзвук чего-то, кроме непристойного высокомерия, звучал во всех этих разоблачениях. Но при этом общий выбор, который был сделан в это относительно свободное пятнадцатилетие, — путь воздержания от высокого, романтического, доброго — по существу совпал с европейским. Но в наших условиях он вызвал куда более сильное сопротивление — и тоску по «старым песням о главном».

Показательна книга известнейшего французского философа Андре Глюксмана «Одиннадцатая заповедь» (André Glucksmann. Le XIe Commandement. Flammarion 1991). Одиннадцатая заповедь, по Глюксману, состоит в следующем: «Человек должен всегда помнить, что ему соприродно зло, и поэтому никогда не стоит затевать ничего хорошего. Во все хорошее он внесет свое зло. Любая добрая инициатива кончится очередной утопией, любое объединение людей — очередным тоталитаризмом».

Когда мне довелось говорить с Глюксманом, я спросила его: «А не кажется ли Вам, что эта одиннадцатая заповедь избыточна?». Он удивился. «Ведь если бы не было известно до Вас, что человеку присуще зло, то ему не нужно было бы давать все остальные заповеди: не убий, не укради и т. д. Зачем же человеку, у которого нет внутри зла, запрещать такие вещи? Он и сам их не захочет». Глюксман засмеялся и сказал, что моя критика довольно деликатна: некий раввин ему просто сказал, что он считает себя Господом Богом, который дает новые заповеди.

Это, пожалуй, и есть тот основной урок, который смогли извлечь западные мыслители последних десятилетий, пытавшиеся понять, что произошло в ХХ веке: признание какой-то фундаментальной недоброкачественности человека и падшести мира. Удивительно, что это кажется таким необычайным открытием? Но на самом деле, если мы вспомним, что весь XIX век и первая половина ХХ были продолжением философии Просвещения, то поймем, насколько это серьезно. Это крушение просвещенческой картины человека, существа, в этой концепции, изначально доброго, которого только внешние обстоятельства вынуждают к злу. Просвещение отменяло реальность первородного греха. Оно не принимало всерьез исчерпаемости мира. Если же мир неисчерпаем, мы можем брать из него энергию и все, что нам потребуется, до бесконечности, можем им «овладевать», не смущаясь последствиями. Ответом на такое космическое поведение человека стали экологические катастрофы. Рухнула общая картина человека и мира, которая вдохновляла Европу со времен Просвещения и лежала в основе оптимистической идеи бесконечного прогресса. Опыт ХХ века оказался невероятным шоком для всей европейской цивилизации.

Итак, вот какое знание обретено, в конце концов: знание о внутренней испорченности человека и постоянно напоминание: не забывай, что мы живем в падшем мире, что ты падшее существо. Предполагается, что это знание должно удержать человека от любых глобальных проектов, от утопических надежд, которые грозят Освенцимом или ГУЛАГом.

Но при этом, как всегда, все недодумано. Недодумано что? Что, допустим, если человеку присуща низость, то она не перестанет действовать и тогда, когда он не будет предпринимать ничего хорошего… Так что этот выход из истории вряд ли удался. Но выводы, в принципе, сделаны. Все это повторяется уже как азбука. Общая картина сложилась и дальше не обсуждается. Да, это романтики, поэты, идеалисты, аскеты, фанатики — это они все виноваты в революции, они всех погубили, а мы расхлебываем их поэтические замыслы.

На самом деле, существуют и другие осмысления происшедшего, другие пути к его истокам, которые мне кажутся гораздо более правдоподобными. Однако они до сих пор не привлекали к себе внимания политологов или социологов. Я имею в виду такие вещи, как, например, «Собачье сердце» Булгакова, с его замечательным героем — Полиграф Полиграфычем, недочеловеком.

Мне пришлось однажды видеть этот спектакль в Эдинбургском театре, и я была потрясена тем, как был сыгран Шариков: каким образом шотландский актер смог проникнуть в нашего люмпена — и показать его торжество, абсолютное торжество над всеми действующими лицами? В какой-то момент — космическое торжество. Зал смеялся, все просто лежали вповалку, но я едва не плакала. Передо мной въяве, на сцене проходила наша история, победители и властители нашей страны. Впервые так ясно я почувствовала, что стихией, в которой все это разворачивалось, было хулиганство: хулиганство как исторический феномен.

Хулиган, как известно, — историческая фигура, а не психологический тип. Само слово это английское. Существовало некое семейство докеров по фамилии Хулиган. Это семейство отличалось такой выдающейся грубостью и таким безобразным поведением, что имя их вошло во все, вероятно, языки мира — обозначая вполне определенное явление.

Феномен хулигана, как говорят историки, возникает каждый раз, когда кончается аграрная цивилизация и люди из деревни приходят в город. Когда происходят такие сдвиги, огромные массы людей вырываются из одной культуры — и не успевают приобщиться к новой, городской. Вот здесь месторождение люмпенства, которому нечего терять, которому ничего не жалко, потому что окружает его чужое, все чужое, все ненавистное. Это месторождение хулиганства как роковой исторической опасности. Я думаю, вы понимаете, что я не обвинитель этих людей: но ситуация их опасна не только для них. Они оказываются нигде — вырвавшись из своей традиционной культуры и презирая ее: она представляется им архаичной и отжившей; но к новой они не могут приобщиться. И в свое нигде они готовы стащить весь мир. Легковоспламеняющийся, взрывоопасный материал.

Теперь, как показали недавние парижские события, такой цивилизационный сдвиг происходит на новом, планетарном уровне. И это новое переселение, может быть, еще страшнее. Старый хулиган, по крайней мере, принадлежал той же стране, говорил на том же языке. Теперь это люди, приехавшие из бесконечно далекой цивилизации: от нее они оторвались и к новой — слишком новой для них — не приобщились. Это невероятно взрывоопасная среда. Для большого взрыва не хватает только идеологии. Это отчужденное море не вооружили идеей, не организовали. Поэтому все пока не идет дальше локальных вспышек и бесцельных разрушений.

Эту стихию утратившего почву хулиганства хорошо чувствовали дореволюционные русские художники и мыслители. Ее чувствовал Блок: кто, собственно, герои его «Двенадцати»? Ее чувствовал ~Василий Розанов, с его замечательными исследованиями появления российского хулигана и с нежной просьбой к читателю: «Миленькой, не будь хулиганом!»

Эту опасную полосу проходят все страны, в которых совершаются такие цивилизационные перевороты. Но в России этот момент совпал с мировой войной и со многими еще отягчающими обстоятельствами. С наличием теории захвата власти (обычно у хулиганов не бывает теорий и партии не образуются). Так что последствия здесь оказались страшнее, чем в Англии, родине этого типа — или его именования. Несомненно, в этой же среде зарождалось и нацистское движение. При чем же здесь Гете? При чем здесь Пушкин и Достоевский? Это очень важно, потому что из диагноза следует и путь лечения. От чего требуется исцелиться: от поэта, романтика, идеалиста — или же от люмпена, хулигана, бесстыдника? Если герой тоталитаризма — это люмпен, хулиган, то это совсем другая история, из нее следуют другие выводы. С таким героем надо делать что-то другое, чем с романтиком — и с собой надо делать что-то другое, если ты в себе видишь нечто похожее. Призывы завести шезлонг здесь не помогут. Итак, художественный анализ Булгакова, Блока, Бунина и многих других ставит диагноз: историческое хулиганство.

Но еще интереснее, как мне кажется, тот анализ, который вольно или невольно провели два писателя, которые далеки и от Булгакова и не меньше того — друг от друга: Набоков и Пастернак. Ни в чем больше не сходные, в этом они удивительно сошлись. Они изобразили деятеля революции, того, кто устанавливал этот строй, не столько как хулигана, но как посредственность. Так мы возвращаемся к моей основной теме. Таковы герои Набокова, которые устрашают его главного героя, alter ego автора. Вот рассказ «Истребление тиранов», где из такого ничтожества, из безнадежной посредственности образуется Вождь. Таков Стрельников у Пастернака, написанный гораздо более сочувственно, но отмеченный той же особой бесталанностью. Ему чего-то не дано, как о нем говорит Лариса и Живаго: он не понимает жизни, он не может ее непосредственно чувствовать, принадлежать ей. Он ей не родной (ср. «Сестра моя жизнь»).

Что отличает этих людей? Потребность в схеме, неспособность выйти за пределы этой схемы, неспособность иметь дело с открытым миром — будь это мир искусства, мир морали, мир чего угодно. Для них все должно быть упорядочено раз и навсегда, решено и закрыто.

Гораздо более целенаправленное и обширное, не только художественное, но историческое исследование крушения России предпринял Солженицын в «Красном колесе». И, по моему впечатлению, его исследование кончается тем же диагнозом: у правды не нашлось даровитого защитника. Если такие находились (Столыпин в первую очередь, фронтовые генералы), окружающая посредственность топила их с поразительной жестокостью. Она топила не только людей с даром сочувствия, ума и заботы, но и всякое даровитое решение. Ничего не проходило в этой среде. В отличие от Набокова и Пастернака, у которых мы видим более всего душевно-умственную сторону посредственности, Солженицын сосредоточен на посредственности нравственной, на убожестве сердца. И у бунтарей (так выглядит убийца Столыпина, сердечно ничтожный человек), и у приверженцев режима (военачальники, двор — это тоже царство посредственности).

Жорж Нива, которого здесь хорошо помнят (проф. Ж.Нива незадолго до моего выступления посещал Архангельск и Архангельскую область, выступая с лекциями и беседами), назвал то, что описывает исторический эпос Солженицына, «крушением классической добродетели»

Напомню, что в самом распространенном варианте классическая, римская добродетель – Virtus Romana – включает в себя четыре составных: Благоразумие, Правосудие, Целомудрие (Воздержание), Мужество (в других списках на месте одной из них может быть Милосердие как разновидность Воздержания, т. е. воздержание от насилия).

И здесь мы еще раз можем убедиться, что классическая добродетель и посредственность несовместимы. Человек классической добродетели — вовсе не «маленький человек». Самый разговор о добродетели становится невозможным, если общество соглашается на отчуждение от истины, то есть, от источника нравственной интуиции. Если, как мы говорили, «все сложно, все слишком сложно», если «не нам судить», если «сколько людей, столько мнений»… «Маленький человек» — враг истины. Она для него страшна своей огромностью и открытостью.

Если добродетельный человек — не «маленький», то тем более праведник.

О праведнике можно говорить уже в связи с «богословскими добродетелями»: Верой, Надеждой и Любовью. Впрочем, разделение на классические (или кардинальные) и богословские добродетели принадлежит западной традиции.

В самом униженном, в самом жалком состоянии он не «маленький человек». Продолжая говорить об образах Солженицына, Матрена в «Матренином дворе» — не Акакий Акакиевич, она от него отстоит, как небо от земли. «Маленький человек», постоянный герой русской литературы, вызывает у нас острую жалость. Он как бы еле держится на поверхности жизни, так что в него уже нельзя бросать камень, «лежачего не бьют». «Маленького человека» нельзя обижать, в этом пафос русского XIX века. Но праведник жалости не вызывает. На своем месте он держит мир.

Господство именно этого характера, «маленького человека», посредственности, а вовсе не какого-то Прометея из мифа пропаганды, и составляло основу того старого тоталитаризма, из которого мы до сих пор и не вышли. В брежневские времена поэт Иван Жданов как-то заметил: «Вот, в русской литературе жалели маленького человека, а теперь этот маленький человек нами и правит». Я с ним согласна, потому что то, что было тогда, никак не было правлением какого-то безумного романтика, кристально чистого кровопийцы и т. д. Ничего подобного. Это был именно человек, который угнетает других, потому что сам бесконечно угнетен. Он угнетен, прежде всего, страхом. Это человек запуганный. И чем более устрашающие формы принимает его торжество, тем очевиднее, что вся эта «сила» происходит из того, что он страшно напуган (вспомним Дитриха Бонхеффера: «недоверие и подозрительность как доминанты поведения посредственности»). Все, что делает такой «тиран», — это превентивная агрессия: я опережу и первым нанесу удар, чтобы мне его не нанесли. Как известный немецкий писатель сказал о фашизме: «В их силе нет блеска». В посредственности блеска не бывает. Она и не понимает блеска. Великое для нее — это просто очень, очень большое и устрашающее, «мощное». Уважать здесь значит — бояться.

Еще раз повторю: «посредственностью», «маленьким человеком», который представляет собой социальную опасность, я не называю человека, обделенного какимито особыми дарованиями или поставленного судьбой внизу социальной лестницы. Я называю так прежде всего человека паники, панического человека, человека, у которого господствующим отношением к реальности является страх, недоверие и желание построить защитные крепости «от жизни» на каждом месте (схемы, «принципы», «идеи», все готовые, опосредованные формы — это разновидности таких крепостей). Я говорила о том, что мне интереснее думать о посредственности в контраст «непосредственности»: как о нежелании и неспособности к прямым, неопосредованным, «своим лично» отношениям с миром.

Более привычно представление посредственного как «среднего», чего-то такого, что ни слишком хорошо, ни слишком плохо: как школьная оценка — «сойдет, но не больше». Такого «среднего» человека, неприметного обывателя — в противовес романтикам и гениям — стали прославлять в наши освободительные годы как гарантию от социальных потрясений, как опору благополучного буржуазного общества. Его отождествили не только со «средним классом» (что совсем не точно) — но и с «золотой серединой» Аристотеля, которая спасет нас от опасных крайностей. Мне крайне обидно за Аристотеля, который в своей «золотой середине» («Никомахова этика») никак не предполагал посредственности и никогда не связал бы посредственность с таким благородным металлом. Что же золотого в посредственности? Аристотелевская середина — это радикальная вещь. Она заключается в равном отстранении от двух противоположных пороков. Средний путь в этой этике — это царский путь, не уклоняющийся ни вправо, ни влево: например, позиция, равно удаленная и от трусости, и от жестокой наглости. Или — от скупости и от расточительства. Вот это будет мужество, добродетель, по Аристотелю. Это никак уж не «ни то, ни се, ни рыба, ни мясо». Совсем нет! Это трудная, пламенная — золотая — позиция. Впрочем, не один Аристотель пострадал и обтрепался, когда попал в развязный журналистский дискурс.

Так вот, коснувшись по ходу нашего обсуждения многих — наверное, слишком многих для того, чтобы все их увязать воедино — тем, перейдем к заключению. Какую же, собственно говоря, опасность представляет собой человек, который не может открытым образом встретить реальность, не может посмотреть на нее без разнообразных шор, предписаний и т. д.? Который не согласится на то, что истина не «слишком сложна»? Который не знает императива «умри и стань»?

Мне кажется, что эта опасность очень простая, так что долго ее обсуждать излишне.

Во‑первых, это человек бесконечно манипулируемый, то есть такой, которого легко принудить к чему угодно, легко употребить на что угодно. Тогда как того, кто не так боится, кто видит вещи как есть, принудить к чему угодно потруднее.

Во‑вторых, этот посредственный человек настаивает на все большей и большей герметизации мира, на замкнутости от всего иного, чем он, поскольку во всем другом, в открытом, непредсказуемом, таинственном есть большой риск.

И в‑третьих, наконец, такая цивилизация останется не только «без Достоевского», которым она легко готова пожертвовать, — иначе говоря, без гуманитарного творчества — но и без того, что во все времена называли жизнью: человеческой жизнью.

В одном из посланий Иоанна Павла II я прочла такой ответ на вопрос: «Кто, Вы думаете, виноват в расколе христианских церквей?» И Папа ответил: «Посредственность. Посредственность внутри каждого из расколотых движений». Странным образом посредственность, которую принимают как массу, какую-то среднюю, смешанную до неразличимости массу, не наделена чувством солидарности. Она поневоле порождает расколы. Ей требуется такое упрощение, которого нельзя достигнуть, не отсекая одного за другим, оставляя разнообразие и сложность, в которой каждый должен ориентироваться по собственному усмотрению. Так и образуются все новые и новые отсеченные — «ошибочные» — части.

Попробуем представить себе цивилизацию, которая достигла полного торжества посредственности: что она с собой несет? Она, несомненно, открывает двери крайнему риску. Она открывает двери фанатизму, потому что фанатизм — это другой способ переживания той же самой неуверенности и того же самого страха. Это мы и видим в последние годы. Столкновение мира с идеологией безыдейности, утратившей способность сопротивляться злу (поскольку нет худа без добра), способность приносить жертву (поскольку последняя ценность этого мира — продолжение существования любой ценой) — и другого, внешнего по отношению к ней мира: людей, которые очень твердо знают, что всегда и на всяком месте нужно делать, и, не задумавшись, пожертвуют ради этого и другими, и собой.

2003—2005­

Принят закон, упрощающий гастрольную деятельность зарубежных артистов

Принят Федеральный закон от 28.11.2015 № 343-ФЗ «О внесении изменений в статьи 25 и 25.6 Федерального закона «О порядке выезда из Российской Федерации и въезда в Российскую Федерацию» и статью 13 Федерального закона «О правовом положении иностранных граждан в Российской Федерации».

Закон предоставляет возможность выдачи на срок до 30 суток обыкновенной деловой визы на въезд в Российскую Федерацию иностранным гражданам, прибывающим в Российскую Федерацию для осуществления гастрольной деятельности на основании заключенных с ними коммерческих договоров, а также возможность осуществления трудовой деятельности в Российской Федерации указанных иностранных граждан без получения ими разрешения на работу.