Екатерина Василёва — режиссер юбилейного концерта газеты «Музыкальное обозрение» в Москве

Молодой оперный режиссер Екатерина Василёва приглашена в качестве режиссера-постановщика юбилейного действа opus 25, которое пройдет 1 октября в Москве, в Концертном зале имени П.И. Чайковского.

Екатерина Василёва родилась в 1988 в Москве. Внучка создателей и руководителей Государственного Академического театра классического балета Натальи Касаткиной и Владимира Василева. В 2010 с отличием окончила факультет музыкального театра РАТИ (ГИТИС) по специальности режиссер музыкального театра (мастерская Р.Я. Немчинской).
Стипендиат Правительства Российской Федерации (2009–2010).
Номинант национальной театральной премии «Золотая маска» в номинации «опера/работа режиссера» за постановку оперы Г. Фрида «Дневник Анны Франк» в Московском камерном музыкальном театре им. Б.А. Покровского.
«Персона года» в редакции газеты «Музыкальное обозрение» «Персоны и события 2012 года».
Лауреат V Московского фестиваля «Открытая сцена» (сезон 2011–2012) за лучшую режиссуру оперного спектакля («Ангел и Психотерапевт» Е. Подгайца).
В 2009 — режиссер Волгоградского музыкального театра.

Постановочные работы:

  • А. Пьяццолла. Танго-опера «Мария де Буэнос Айрес». Астраханский театр оперы и балета (режиссер, хореограф), февраль 2014;
  • А. Комиссаренко. «Жених»; А. Ананьев. «Квадратура круга»; Д. Суворов. «Марина». Проект «Лаборатория современной оперы», при поддержке проекта «Открытая сцена» (режиссер, сценограф), ноябрь 2013;
  • А. Петров. «Маяковский начинается». Проект «Открытая сцена» (режиссер, сценограф), ноябрь 2013;
  • П. Вальтинони. «Пиноккио». Московский камерный музыкальный театр им. Б.А. Покровского, май 2013;
  • И. Стравинский. «Мавра». Новосибирский театр оперы и балета, март 2013;
  • В.А. Моцарт. «Бастьен и Бастьенна». Царицыно, Баженовский зал, Москва
  • (режиссер, сценограф), январь 2013;
  • М. Равель. «Дитя и волшебство». Московский муниципальный театр «Новая опера» им. Е.В. Колобова, октябрь 2012;
  • О. Раева. «Сны Минотавра» (вторая часть — «Дочь Носорогопаса»). Москва, Государственный Театр наций, фестиваль «Территория» (в рамках проекта «Опергруппа» «Лаборатории современной оперы»), октябрь 2012;
  • Р. Белецкий и Т. Забиров. «Разговор, которого не было, или Обратная связь». Антреприза «Тот самый театр», Москва (режиссер, сценограф), март 2012;
  • Е. Подгайц. «Ангел и Психотерапевт». Проект «Открытая сцена», декабрь 2011;
  • Г. Фрид. «Дневник Анны Франк». Московский камерный музыкальный театр им. Б.А. Покровского (режиссер, сценограф), октябрь 2011;
  • Т. Забиров. «Папа, я женюсь, или Взлеты и падения в браке», молодежная комедия. Антреприза «Тот самый театр», Москва (режиссер, сценограф), март 2011;
  • Второй «Парамузыкальный фестиваль» для детей с ограниченными возможностями. Москва, Экспоцентр, при участии Президентского оркестра РФ и поддержке Правительства Москвы (режиссер-постановщик), декабрь 2010;
  • Н. Орловский. «Пираты. Любовь и море», молодежный мюзикл. Пятигорск, Ставропольский краевой музыкальный театр, июль 2010. Постановка осуществлена при поддержке СТД РФ по условиям конкурса на создание и постановку произведений в жанре оперетты и мюзикла для детей и подростков;
  • Г. Фрид. «Дневник Анны Франк». Московский международный Дом музыки, при участии Московского камерного оркестра «Времена года» (режиссер-постановщик и сценограф), май 2010;
  • «Волшебные сны». Музыкальный спектакль для детей (спектакль проходил на различных площадках Москвы, в том числе в Доме журналиста), сезон 2009–2010;
  • Н. Саймон. «Слухи». Антреприза «Тот самый театр», Москва, 2009.

В Вологде завершился V юбилейный фестиваль «Кружева»

Фестиваль широко освещался в центральных и местных СМИ, на сайтах министерств и ведомств. Посмотреть некоторые из опубликованных материалов можно, пройдя по ссылкам ниже.

V музыкальный фестиваль «Кружева» в Вологде (Министерство культуры РФ)

Сегодня в Вологде стартует пятый музыкальный фестиваль классический музыки (Медиа-центр 35media.ru)

В Вологде пройдёт музыкальный фестиваль «Кружева» (“Московский комсомолец”)

В Вологде открылся юбилейный V музыкальный фестиваль «Кружева» (“Бизнес и власть”)

21 сентября – заключительный день работы 5-го музыкального фестиваля «Кружева» (Администрация города Вологда)

Произведения композитора Дмитрия Шостаковича смогут услышать вологжане 19 сентября (Администрация города Вологда)

Музыкой Иоганнеса Брамса открылся V музыкальный фестиваль «Кружева» в Вологде 18 сентября 2014 года (Культура в Вологодской области)

В Вологде состоится премьера увертюры «Вологодские кружева» (“Русская планета”)

V музыкальный фестиваль «Кружева» в Вологде (strana.ru)

Фестиваль «Кружева» стартует в Вологде 18 сентября (“Красный север)

Музыкальный фестиваль «Кружева» (UPinfo.ru, молодежный портал)

 

Итоговый репортаж с фестиваля можно посмотреть здесь:

В Вологде завершился музыкальный фестиваль «Кружева» (Вести. Вологодская область)

 

 

 

Мария Ревякина, генеральный директор фестиваля «Золотая маска», поздравила «МО» с юбилеем

В своем поздравлении Мария отмечает: «Все 25 лет ваша газета исполняет благородную просветительскую функцию – рассказывает российской публике о музыке. Рассказывает в разных формах – через газетные публикации, через издательские и продюсерские проекты, организацию музыкальных фестивалей и выставок. Эту благородную деятельность невозможно переоценить – вы даете возможность каждому своему читателю в любой точке страны прикоснуться к историческим и актуальным событиям в огромном мире музыки.»

К поздравлению также присоединяются Г. Тараторкин, президент фестиваля «Золотая маска» и И. Костолевский, член правления фестиваля.

Юрий Башмет поздравил «МО» с юбилеем

С 25-летием газету поздравил Юрий Башмет. «Трудно переоценить роль вашей газеты – истинного барометра Российской музыкальной жизни. Желаю Вам и Вашей команде крепкого здоровья, творческих успехов и дальнейшего процветания», – говорится в поздравлении.

Премьера в Пермском театре оперы и балета : «Дон Жуан» В.А. Моцарта в постановке В. Карраско (Аргентина)

Премьерные спектакли состоятся 21, 22, 24, 25, 27 и 28 сентября.
«Дон Жуан» завершает проект «Трилогия Моцарта — Да Понте в Перми», начатый в 2011 году (уже были поставлены “Свадьба Фигаро” и “Так поступают все”).
В качестве постановщика “Дон Жуана” приглашена режиссер из Аргентины Валентина Карраско. В 2013 году она воплотила «Кольцо нибелунга» Вагнера (Буэнос-Айрес), а в мае 2014-го поставила «Поворот винта» Бриттена (Лион). Карраско — участница знаменитой радикальной группы La Fura dels Baus, воспроизводящей “душу музыки” в эффектных сценических образах. Постановку в Перми она планирует стилизовать под киножанр нуар, а сцену заполнить манекенами и суррогатами живых людей, среди которых единственным настоящим человеком оказывается порицаемый и притягательный Дон Жуан.
Музыкальный руководитель и дирижер Теодор Курентзис. Хормейстер Виталий Полонский. Исполнители  — хор и оркестр MusicAeterna. Партию Дон-Жуана исполняет Симоне Альбергини (Италия).

Элегантная наука

Отметила юбилей музыковед Любовь Купец

Любовь Абрамовна Купец — профессор Петрозаводской государственной консерватории им. А.К. Глазунова, широко известный музыковед, чья деятельность включена и в международное гуманитарное пространство.

Она одной из первых в постперестроечной России развивала и исследовала новые научно-практические области музыковедения. Это внедрение компьютерных технологий в музыкальное образование, разработка теорий междисциплинарных областей, таких как музыкальная культурология, социальная история музыки, историческая музыкальная психология, музыкальная повседневность, рецептивные исследования, музыкальный успех и другие.

Разнообразные исследовательские полюса — теория и практика, прагматика и философия, академическое и развлекательное, аудиальное и визуальное — находят в ее работах непосредственное преломление, дополняя друг друга. И это разрушает любые ограничения и создает новую музыкальную действительность и историю, которая показывает, что музыка проникает во все сферы деятельности человека и неразрывно связана с любыми явлениями человеческой культуры: от политики, спорта, экономики до моды, кино и масс-медиа. Эту линию понимания музыки как антропологического феномена развивали в отечественном музыковедении М. Друскин и В. Конен.

Все эти направления сегодня широко востребованы в зарубежной науке о музыке, находясь на пике интереса. А у нас пока остаются маргинальными, но, как указывал Ю. Лотман, именно маргинальные, удаленные от центра системы области определяют ее развитие в будущем.

Любой вопрос, за который берется Любовь Абрамовна, получает неожиданное, креативное решение — будь то составление вступительных вопросов по музыкальной литературе, выбор научной темы для студентов или разработка сложной философско-теоретической проблемы о формировании музыкального мышления, которой она занимается в последние годы.

Любовь Абрамовна одинаково успешна и востребована и как ученый, и как педагог. Одна из немногих в российской музыкальной среде она вдохнула новый смысл, ценность и логику в музыкальную педагогику, показав, что образование определяет картину мира целых поколений молодых музыкантов. Обращаясь с талантливыми студентами как с коллегами, раскрывая потенциал и давая дорогу в жизнь, она через заложенные ею принципы понимания истории музыки, личности композитора, философии профессии создает новый образ российского музыканта, отвечающего современным запросам общества и культуры в целом.

Наука как стиль жизни

Любовь Купец — музыковед и педагог, член Союза композиторов России, заслуженный работник высшей школы Российской Федерации (2012). Автор более сотни научных работ по истории зарубежной и русской музыки, проблемам межкультурных коммуникаций в музыкальном искусстве, современных технологий в музыкальном образовании, музыкальной журналистики.

В 1995 защитила кандидатскую диссертацию, посвященную камерному вокальному творчеству К. Дебюсси. В 2006 окончила докторантуру Российского института культурологии с темой «Музыкальная картина мира в ХХ веке: теория и практика». Сотрудничает с периодическими изданиями Карелии и России.

Обладатель научных, образовательных и издательских грантов МК РФ, Российского института культурологии. В 2003 стажировалась в США по программе «Культура» под патронатом Библиотеки Конгресса США и фонда Сороса.

Дипломант Всероссийского фестиваля музыкально-просветительских программ РАМ им. Гнесиных (2005) и «Кантеле-70.TXT» (2007), I конкурса научных статей за 2009 год среди кандидатов наук — соискателей докторских степеней (Уфа, 2009).

С 1988 работает в Петрозаводской консерватории. Автор уникальных методик преподавания истории музыки и музыкальной литературы, успешно функционирующих в вузах, музыкальных училищах и школах. Воспитала более 200 специалистов — музыковедов, этномузыковедов и исполнителей-пианистов высшей квалификации, работающих в России, ближнем и дальнем зарубежье. 15 студентов спецкласса Купец — обладатели именных стипендий Президента РФ, МК РФ «Юные дарования», Фонда Глазунова (Мюнхен), правительства РК и администрации Петрозаводска. Более 40 — лауреаты и дипломанты Международных и Всероссийских научных и научно-образовательных конкурсов. Пятеро — обладатели 3 научных и 3 образовательных грантов, в том числе МК РФ, фондов Форда и Макартуров.

Любовь Купец — член экспертных советов в сфере профессионального искусства и развития музыкального образования при Министерстве культуры РК. Читала лекции и проводила семинары для студентов и аспирантов РГПУ им. Герцена, педагогов ДМШ Калининграда и Мурманска.

С 1994 читает лекции в Институте повышения квалификации работников образования РК.

Автор и руководитель проектов, связанных с развитием Петрозаводской консерватории, организатор Международных и Всероссийских конференций и фестивалей.

В качестве редактора выпустила более 20 сборников научных статей и работ: «IN MEMORIAM (И. Брамс, К. Дебюсси)» (1998), «Звуки “Италии златой”» (1999), альманах молодых музыковедов «Северное сияние Aurora Borealis» (вып. 1, 1999, вып. 2 и 3, 2001), «Музыкальный миллениум: искусство истории – история искусства» и «Культурные коды двух тысячелетий. Музыкально-исторический миллениум» (2000), «Музыкальное образование в современном культурном пространстве» (2002), Серия «Musicologica incognita» вып. 2 и 3 (2002), Всероссийские междисциплинарные семинары по проблемам художественного текста (2000–2007), «Всероссийские хоровые ассамблеи (к 90-летию Г.В. Свиридова)».

В 2011 Л. Купец входила в Оргкомитет Международного научного музыковедческого симпозиума «Север в традиционных культурах и профессиональных композиторских практиках».

Юбиляр и «МО»

Многие годы сотрудничества связывают ученого и национальную газету «Музыкальное обозрение». Л. Купец — лауреат Всероссийского фестиваля «Музыкальное обозрение» (Москва, 2004 и 2006), участник Всероссийской конференции «“Музыкальное обозрение” — образ музыкального пространства России рубежа веков» (Вологда, 2008), на которой выступила с двумя докладами: «Имиджевые стратегии: формула эксклюзивности “+19”» и «Совремнная музыкальная журнаистика в России: модели и мнения».

Аналитические статьи Л. Купец по проблемам музыкальной науки и образования,  рецензии, эссе не раз публиковались на страницах газеты.

Ученики Л. Купец в своих работах неоднократно исследовали историю и практику «МО», становились лауреатами конкурсов по музыкальной журналистике, проводимых газетой, выступали на симпозиумах и конференциях (в частности, на факультете журналистики МГУ им. Ломоносова) с докладами, посвященными «Музыкальному обозрению».

В 2010–2012 студенты теоретико-композиторского и фортепианного факультетов Петрозаводской консерватории под руководством Л. Купец участвовали в совместном проекте «МО» и радио «Орфей» «С красной строки», подготовив более 30 аннотаций к произведениям ор. 21 и ор. 22.

В поисках золотой середины

Л. Купец: «Юбилей я отметила в несколько приемов: с близкими, с коллегами, с выпускниками, поздравления которых для меня особенно дороги, чье внимание я очень ценю. Со многими мы общаемся до сих пор, почти все продолжают заниматься наукой.

Моя гордость — мой спецкласс: те, кто под моим руководством писали дипломные работы. Это доктор искусствоведения Татьяна Букина, кандидат искусствоведения Ирина Проскурина, главный редактор «Аргументы и факты — Брянск» Ольга Корнеева, старший научный сотрудник историко-этнографического музея «Кижи» Наталья Михайлова, многие талантливые и перспективные специалисты.

Сейчас я пытаюсь найти решение вопроса — как сделать отечественную музыкальную науку более современной? Но наша наука — явление чрезвычайно личностное. Поэтому ее развитие невозможно без развития педагогики и изменения педагогических приемов, формирующих мышление студентов, которые и будут делать современное историческое музыковедение. Какие области истории музыки следует изучать со студентами? Как использовать методы истории, филологии, социологии, психологии для того, чтобы наша наука стала более фундаментальной?

Именно поэтому я всегда обращаю повышенное внимание на терминологические аппараты. То есть систему понятий и научную методологию, в том числе привлечение принципов моделирования для исследования музыкальной истории. То есть то, что создает научный бэкграунд. Нашей науке всегда этого не хватало. Не случайно существует мнение, будто она близка искусству. Хотя это некорректно. Наша наука не искусство, если по ней пишут диссертации и получают научные степени, наряду с физиками и математиками. Найти оптимальный формат, эту золотую середину, — и есть моя цель».

Материалы по теме

World Ballet Day Live: прямая онлайн-трансляция из-за кулис 5 крупнейших балетных трупп мира

1 октября Большой театр впервые примет участие в эксклюзивном проекте «Один день из жизни мирового балета онлайн» (World Ballet Day Live), в рамках которого пять крупнейших балетных трупп мира: Австралийский балет, балет Большого театра, Лондонский Королевский балет Ковент Гарден, Национальный балет Канады, Балет Сан-Франциско — будут вести прямую трансляцию из-за кулис в течение 20 часов. В Москве трансляция будет идти с 6 утра до 2 часов ночи 2 октября. Большой театр планирует показать репетиции балетов «Укрощение строптивой» и «Легенда о любви». Первый World Ballet Day Live был организован в марте 2012 года. До этого события  прямая трансляция закулисной жизни балетных трупп никогда не велась. В 2012 году онлайн-марафон продолжался 9 часов и собрал около 200 тыс. зрителей во всем мире (включая просмотры в записи), а выложенные в YouTube записи с трансляции Royal Ballet Live посмотрели к сегодняшнему дню более 2,5 млн. человек.

Газету «Музыкальное обозрение» поздравила Софья Губайдулина

В поздравлении, в частности, говорится: «Мы переживаем сейчас сложное время. Цивилизация пришла к такому состоянию, когда больше ценится развлечение. Развлекать и увлекать — два разных вида искусства. Газета «Музыкальное обозрение» увлекает. У вас широкий масштаб, широкий взгляд. Сейчас, конечно, очень важно именно это — масштабная заинтересованность не только в том, чтобы развлекать, но еще и вовлекать в серьезное искусство. Газета делает важное дело: заинтересовывает публику, читателей, слушателей. Это для меня очень дорого».

INSTRUMENTARIUM: к юбилею «Музыкального обозрения» выходит альбом авторских фотографий главного редактора Андрея Устинова

Готовится к печати альбом фотографий главного редактора «Музыкального обозрения» Андрея Устинова. Представлены уникальные авторские фотографии музыкальных инструментов — струнных смычковых, деревянных и медных духовых, ударных, рояля — и их конструктивных деталей. Большинство из них в разные годы было представлено на первых полосах «МО». Впервые альбом будет представлен 1 октября на юбилейном действе «Музыкального обозрения» в зале Чайковского.

Из аннотации: «Клавиши, струны, флейты, кларнеты, литавры, трубы, тромбоны, в своем блистательном гордом великолепии, без человека, отгородившись от него.
Мир музыкальных инструментов, жесткий, холодный, загадочный, неприступный и закрытый. Государство, словарь которого стоит библиотеки языков.
Беззвучно звучащий — Instrumentarium».

Музыкальный театр имени К.С. Станиславского и В.И. Немировича-Данченко открывает 96-й сезон

В МАМТ имени К.С. Станиславского и В.И. Немировича-Данченко состоялся традиционный сбор труппы. Подведены итоги сезона 2013–2014 и озвучены планы на предстоящий сезон.
Оперные премьеры: «Хованщина» М. Мусоргского (февраль 2015, режиссер А. Титель, дирижер А. Лазарев) и «Медея» Л. Керубини (май 2015, режиссер А. Титель, дирижер Ф. Коробов) на основной сцене, «Тайный брак» Д. Чимароза (сентябрь 2014) и «Орфей» К.В. Глюка (декабрь 2014) на Малой сцене.
Первой балетной премьерой станет «Татьяна» Джона Ноймайера на музыку Л. Ауэрбах в ноябре (дирижер Ф. Коробов, копродукция с Гамбургским балетом). В июле — «Вечер балетов Дж. Роббинса».
В сентябре – октябре на сцене театра — фестиваль DANCEINVERSION с участием трупп из США “Aszure Barton & Artists” и “Shen Wei Dance Arts”.
Оперная труппа с 30 сентября по 6 октября покажет в Китае оперу С. Прокофьева «Война и мир».
Балет МАМТ будет гастролировать в Италии («Щелкунчик», ноябрь–декабрь), Петербурге (“Вечер балетов Иржи Килиана” в рамках фестиваля «Золотая Маска», декабрь), Германии («Манон», февраль), Японии (май).
В июне 2015 на сцене МАМТ состоятся обменные гастроли балета театра «Дойче Опер ам Рейн» (“7”, балет на музыку Г. Малера, хореография Мартина Шлапфера).

Под сенью девушек в цвету

В Екатеринбургском театре завершили сезон премьерой нового балетного триптиха "Цветоделика"

Уже во второй раз Екатеринбургский театр завершает сезон грандиозной балетной премьерой. Показанные в прошлом июне «Вариации Сальери» В. Самодурова принесли театру «Золотые маски». На самом деле, главная балетная премьера сезона отодвинулась на июнь вследствие сложного расписания худрука и труппы.

Уже во второй раз Екатеринбургский театр завершает сезон грандиозной балетной премьерой. Показанные в прошлом июне «Вариации Сальери» В. Самодурова принесли театру «Золотые маски». На самом деле, главная балетная премьера сезона отодвинулась на июнь вследствие сложного расписания худрука и труппы.

В феврале Самодуров выпускал в Генте премьеру «Ромео и Джульетты» Прокофьева, в марте в театре прошла премьера «Щелкунчика» Чайковского в редакции В. Вайнонена, в апреле прошла очередная сессия «Dance-платформы Плюс», в рамках которой состоялись премьера балета К. Кейхеля «Вакансия» на музыку Й. Гайдна и Ф. Шуберта и гала-концерт звезд балета.

В мае начались репетиции «Цветоделики» и, параллельно, большим гала-концертом отмечали столетие Екатеринбургского балета. Сразу после премьеры балетная труппа отправилась на гастроли в Израиль. Интенсивный, насыщенный, плодотворный сезон и изумительная премьера под конец.

«Цветоделика»
Балет в трех актах

I акт П. Чайковский (Сюита для оркестра № 4 соль мажор «Моцартиана», 1887);
II акт А. Пярт (Сочинения для оркестра «Perpetuum mobile» / Вечный двигатель, 1963, «Fratres» / Братья, 1977);
III акт Ф. Пуленк («Сельский концерт для клавесина с оркестром», 1928);
Хореограф В. Самодуров
Дирижер П. Клиничев
Художник Э. Макилуэйн (Великобритания)
Художник по костюмам И. Белоусова
Художник по свету Е. Виноградов
Исполнители: Е. Шамшарова, К. Попов, О. Мамылова, А. Багаева, Е. Сапогова, Е. Сафонова (I акт), Л. Люшина, К. Попов; К. Мешкова, С. Кравченко (II акт), Е. Воробьева, А. Сорокин, А. Кержеманкина, Н. Кузнецова, М. Нисигути, К. Пак, Е. Сапогова, Д. Тимирова, А. Аракелян, И. Булыцын, Л. Гаврилов, А. Меркушев, Ф. Садвакасов, Т. Терада (III акт)
Продолжительность 71 мин.
Премьера 27, 28, 29 июня 2014

Слово постановщикам

В. Самодуров о названии балета: «Многие творческие натуры воспринимают окружающий мир цветным, композиторы часто видят «в цвете» свою музыку, для меня танец тоже наполнен неповторимыми красками. Я попытаюсь подчеркнуть сакральный момент перехода одного цвета в другой и передать магию зарождения нового оттенка».

П. Клиничев о музыкальной концепции спектакля: «Как для хореографа В. Самодурова за обращением к «Моцартиане», возможно, кроется желание отдать дань основоположнику неоклассического балета Дж. Баланчину, первым поставившему балет на эту музыку, так и для Чайковского это была возможность отдать дать признанному, но уже отчасти преданному забвению в XIX веке Моцарту. Это была первая попытка популяризировать творчество величайшего из композиторов, обладающего феноменальной силой воздействия на слушателя. Четыре моцартовские пьесы он объединил в один небольшой блок и оркестровал их в современном для себя стиле.

Именно Чайковский первым придумал взять музыку другого композитора и создать на ее основе, по сути, новое музыкальное произведение. Позднее это стало очень популярно — в XX веке это направление получило название неоклассицизм.

В выбранных для второй части балета произведениях Пярт увлечен поисками чистого звука. И «Вечный двигатель», и «Братья» отражают главные черты его стиля — минимализм и серийность. Пьесы носят религиозный характер, отсюда и присущий им аскетизм. Материал подчеркнуто нейтрален — используется минимум тонов и минимум оркестровых эффектов, но за счет этого возникает определенная удивительная атмосфера.

Пярт также известен тем, что постоянно перекладывает свои симфонические произведения. Он делает одну редакцию, через несколько лет — вторую, затем третью и так далее — на фоне основного звукового материала идет постоянный поиск новых тонов и красок.

«Fratres» являются абсолютным чемпионом по количеству переложений — Пярт редактировал их 16 раз. Мы используем версии для духового и струнного оркестра. Две пьесы имеют разный тембральный окрас, но на фортепиано они звучали бы совершенно одинаково.

Центральной частью является «Perpetuum mobile» — раннее произведение Пярта, очень особенное, в котором музыка возникает словно ниоткуда, из абсолютной тишины, нарастая, как снежный ком, и  переходя в мощнейший и ярчайший эмоциональный выплеск, чтобы потом так же незаметным, загадочным образом, исчезнуть…

Третье отделение — «Сельский концерт» Пуленка. Творческие поиски привели композитора в местечко Сен-Ле-ла-Форе — лес, где совершали свои прогулки великие мыслители Дидро и Руссо — очевидно, это место настраивало и Пуленка на философский лад. Произведение интересно в силу того, что в нем использован клавесин. О неординарности концерта свидетельствует и тот факт, что его неизменно включал в свой репертуар Э. Гилельс».

И. Белоусова о костюмах: «Это мой первый балет — и сразу делаю экспериментальные пачки. Помимо эстетики, нам важно достичь определенной пластики: нашей юбке требуется гуттаперчевая форма, она должна быть легкой и подвижной, при этом активно принимать цвет».

Веселый постмодернизм

Первый акт балета называется «Антично-белый/фуксия», в чем сразу кроется провокация. Антично-белый — это указание на солнечную Элладу, бога Аполлона, аркадских пастушков, Вергилиевых Коридонов и Алексисов, на балет времен Анны Иоанновны и Елизаветы Петровны. Фуксия, наоборот, переносит в какое-то космическое кислотное будущее.

Когда поднимается занавес, мы видим застывшую композицию за мутным стеклом. Нежно зазвучавшая музыка оркестровой сюиты не сразу помогает определить, в какую эпоху мы попадаем. Дух Моцарта ведет к барочным празднествам, галантным дамам и кавалерам, в гости к Дон Жуану и Фигаро, но вдруг на дороге встает Чайковский и напоминает, что мы все еще в морозном Петербурге. И застывшие фигуры за стеклом — это, может, агрессивные Снежинки из его балета «Щелкунчик».

Последнее слово за Самодуровым — он увлекает зрителя в Аркадию, но не литературно античную, а просто в фантастическую страну, где живут балетные симулякры — сильфиды, дриады, наяды.

Мысль об эпохе балетного романтизма находит моментально свое подтверждение в виде пролетевшей на качельках сильфиды. Юбка у нее коротковата, улыбка слишком открытая, но в остальном — типичная дева воздуха. Похоже, это некое условное королевство, где обитают балетные девы всех мастей.

На этом ассоциации со временем Тальони заканчиваются, потому что выходит балетная примадонна и начинает чеканить бодрые па, широкими ножницами скрещенных ног уверенно резать пол. У нее есть партнер, с которым она находится в двусмысленных отношениях. Он поддерживает ее во время исполнения рискованных комбинаций, она его всячески поощряет, дарит воздушные поцелуи и почтительно перед ним склоняется, но это ухаживание ни к чему не приводит, так как их роман не предусмотрен в либретто.

Самодуров изобретает по ходу множество сложных па, соединяет несоединимое — скромные романтические поддержки из «Сильфиды» с брутальными обводками в духе Ван Манена. Ажитация героини своими па де бурре доводит до ее «головокружительного упоения точностью», она будто проснулась, как Аврора в «Спящей красавице», через сто лет, в другом времени, в другой моде, но чувствует там себя как дома.

Самодуров кидает мостик к Форсайту, главному постмодернисту прошлого века. И направление, названное было тупиковым, стыдливо меняет дорожный знак — с «кирпича» на «зебру». И все эти необычайные приключения сотворило сочетание антично-белого с фуксией.

«Такой же я как ты, Кармен»

Музыка Пярта всегда погружает тебя внутрь стихии — в безвоздушное пространство, в вечную полярную ночь, в белесый бесцветный мир, увиденный глазами кошки.

Название второй части — «Ультрафиолет». Это уже не балетное путешествие во времени, не игра в стили и эпохи, это выход в открытый космос. Во второй части заняты всего двое танцовщиков. Под мерное «капанье воды» из кулисы на сцену выходит дама в длинном платье с воланами. За ней как тень следует молодой человек. Между ними завязываются какие-то отношения, грозящие перерасти во что-то большее, чем маленькая интрига. Чтобы добиться внимания этой дамы, молодой человек ползет по полу за кончиком ее павлинохвостового платья.

Что-то мимолетное выдает в героине Кармен — мантилья, оборки, независимый взгляд, дерзкие руки. Позже понимаешь, откуда это на самом деле идет — попадая в балетную среду, «капли» из партитуры «Fratres» звучат как кастаньеты Китри и Кармен, но с «минусовым», зловещим оттенком. И дальше быки, коррида. Дама наклоняет голову и в этой позе наступает на мужчину. Он вовремя замечает ее воинственный порыв — красиво парирует, не устраняясь с ее пути.

Потом испанские истории отступают на второй план, так как паре предстоит испытание «Вечным двигателем». Балерина снимает юбку, остается в трико, превращаясь в обычную труженицу балетов Килиана-Эло-Дуато.

Разбегаясь в разные стороны и затем сближаясь, мужчина и женщина постоянно придумывают повод расстаться и встретиться, изобретают новую поддержку, более смелую обводку.

Все это происходит в атмосфере постоянно гаснущего хлипкого света, сотворенного Е. Виноградовым, и зыбких пластиковых стенок Э. Макилуэйна. Мелькание света прекратится, когда пара найдет свой мотив, когда один навсегда притрется к другому изгибом тела. В балете Самодурова этого не произойдет, потому что заканчивается «Perpetuum mobile», и землю снова окутает сонная паутина «Братьев». Пара удаляется со сцены также таинственно, как появилась.

Сам хореограф, располагающий относительно небольшой труппой, рассчитывал, что во второй части зрители и артисты передохнут от неистовости плотного классического танца. Любопытно, что этого короткого релакса он добивается средствами современного танца, обычно очень обременительного и для глаз, и для мышц.

Цвета французского села

Сами собой навязываются сравнения «Цветоделики» с триптихом Баланчина «Драгоценности». Здесь — цвета, там — камни, партитура сложена из музыки разных культур, присутствуют аллюзии на важные вехи в истории балета. И все-таки балет Самодурова устроен по-другому.

Прежде всего, он неделим. В III акте сходятся все линии — костюма, дизайна, танцевального рисунка, реминисценций и ассоциаций. У Баланчина «Бриллианты», исполняемые внутри триптиха, такой нагрузки не несут. Более того, когда звучит вступление к III части у Баланчина (Чайковский, 3 часть 2-й симфонии), забываешь все, что видел и слышал в этот вечер. А у Самодурова третьего акта, который, собственно, и называется «Цветоделика», не могло быть без первого и второго — музыкально более осмысленных и серьезных, но с нерешенными финалами.

Общий финал, цветоделение, цветоделика случится как раз под веселую музыку «Сельского концерта» Ф. Пуленка. Для этой части И. Белоусова приберегла свое ноу-хау — пачки из эластичной ткани, по форме и пестрой расцветке напоминающие цветочные клумбы. Пачки живут своей жизнью — качаются, подпрыгивают, приятно шуршат.

Идея балета стара как мир — мальчики приглашают на свидание девочек, совершая ради них грубоватые деревенские подвиги, девочки хотят понравиться мальчикам и, чтобы захватить их внимание, используют все свои женские хитрости на пуантах.

Распределение голосов в оркестре получилось потрясающе гендерным. Ведущий инструмент — клавесин — достался девушкам. Щипковый инструмент идеально спонсирует разные женские партерные трюки: па де бурре, ронд жамбы, батманы, арабески всех видов, фуэте.

Медные и деревянные сообщают мальчикам о начале турниров — и они неистово кидаются делать жете: быстрее, выше, сильнее. Между турнирами случаются маленькие па де де. Все внимание берет на себя центральная пара (Воробьева, Сорокин). Они то на ферме, то на сеновале, то в лесу — их роман бурно развивается на фоне сельских будней. Есть переклички и со «Светлым ручьем» Ратманского, но французская музыка сопротивляется этим ассоциациям.

В финале любовное настроение побеждает окончательно и две половинки — янь и инь этого балета (Воробьева, Сорокин) — складываются в живописный шарик. Падают от изнеможения на самом деле.

По энергичности и насыщенности этот спектакль сравним только с «Симфонией до мажор» Баланчина на музыку Бизе или «Головокружительным упоением точностью» Форсайта на музыку Шуберта — то есть с форматом спектаклей прошлого века, которые, как казалось, уже никто не сможет и не захочет сочинять в XXI веке. Но история распоряжается иначе.

Обретенный рай

Самодурову больше не нужны программные сочинения, чтобы утвердиться в профессии, найти свое место, что-то кому-то доказать. Он приходит в зал и начинает работать с артистами, которые понимают его с полуслова, опережают своим старанием его мысль.

«Цветоделика» — это не этапное сочинение, не выношенный годами опус, который трудно складывался. Это очередной очень хороший балет, глядя на который верится, что за ним последуют другие, не менее интересные.

Есть ли еще такие счастливые компании, где постановочный процесс представляет собой ежедневный праздник? Наверное, так было у Баланчина в Нью-Йорке и у Бежара в Лозанне. Такая же атмосфера царит у Ноймайера в Гамбурге. У нас такое возможно сегодня только  у Б. Эйфмана в Питере или в театре  у Р. Поклитару. Больше таких райских мест, увы, нет.

Всего на месяц труппа отправится в отпуск, а уже в конце августа молодые хореографы приедутв театр набирать артистов для участияв очередной «Dance-платформе». Она пройдет 21-22 сентября.

Материалы по теме

Пятое «Кружево»

С 18 по 21 сентября в Вологде пройдет Пятый музыкальный фестиваль «Кружева»

Цифра «пять» в титуле форума говорит не только о первом его юбилее, но и о замыкании, завершении определенного этапа его истории.

Фестиваль прочно вписался в музыкальную и культурную жизнь Вологодского региона, получил всероссийский резонанс, поддержку Министерства культуры РФ. Фестиваль приветствовали министры культуры А. Авдеев и В. Мединский, губернаторы Вологодской области В. Позгалев и О. Кувшинников, архиепископ Вологодский и Великоустюжский  Максимилиан, епископ Игнатий.

Первый Фестиваль прошел в 2008 и задумывался как ежегодный, но периодичность и регулярность его проведения не раз нарушались из-за финансовых проблем региона и нестабильности культурной политики.

Первый фестиваль проходил на исходе благополучного времени в экономике и оказался самым масштабным: три недели, 9 концертов. С наступлением экономического кризиса возможности региона, его вложения в культуру сжимались как «шагреневая кожа». Пытаясь адаптироваться к обстоятельствам, мы шли по пути минимизации фестиваля. В 2010 и 2011 он продолжался по 10 дней, в 2013 — неделю.

В 2009 фестиваль не проводился, однако Вологда стала одним из центров празднования 20-летия «МО», Всероссийского фестиваля «Музыкальное обозрение – ХХ». 1 октября 2009, в Международный день музыки, в Вологде прошел «День “МО”», включавший в себя молебен в храме Покрова на Торгу о здравии музыкантов России, колокольные звоны, хоровой концерт в Софийском Соборе Вологодского кремля, пресс-конференцию, юбилейный концерт в Зале филармонии.

Не удалось провести фестиваль в 2012.

Но дело не только в финансах. В Вологде (как и во многих других регионах) пока еще не сформировалось отношение к академическому искусству, и музыкальному в том числе, вообще к культуре как важнейшему фактору развития. Меняется власть, приходят и уходят губернаторы, а ее финансирование из года в год сокращается. Это касается профессионального, академического, филармонического направления. И наоборот, непрофессиональное, самодеятельное, псевдонародное — поощряется. Увы, не только в Вологде.

Звенья одной цепи

Программа Пятого фестиваля уложится в 4 дня и 5 концертов: два камерных, хоровой, колокольный, финальный концерт с участием хора и народного оркестра. Состоится и концерт солистов в старинной усадьбе «Хвалевское» Вологодской области.

Далее отступать некуда: при дальнейшем «ужимании» фестиваль просто разрушится. Хотя можно провести фестиваль и в один день, если он будет поставлен в такие условия.

Тем не менее, и в таком миниатюрном виде форум сохраняет и являет все особенности, традиции, символы, смыслы, направления, заложенные в первоначальной концепции, которая была разработана к первым «Кружевам», задана с первого концерта и с тех пор остается неизменной.

Прежде всего, это приоритет репертуара, главенство композиторского творчества. Это кульминационные воскресенья, включающие колокольные звоны, хоровой концерт в соборе, концерт в филармоническом зале. Традиция заказа нового сочинения современному композитору, мировая премьера которого происходит на заключительном концерте и открывает дорогу следующему фестивалю.

Каждый фестиваль по-своему уникален, но ни один из них не нарушил единой фестивальной линии. Ни один, включая предстоящий Пятый, невозможно рассматривать в отрыве от предыдущего и следующего. Из них сложилась оригинальное целое, единственная в своем роде целостная конструкция и картина.

Вознесения и горизонты

Еще одна отличительная черта «Кружев» — слитность с великими православными праздниками: не просто совпадение дат, дней, но слияние высших духовных сил и смыслов. Какой бы оригинальной и неповторимой ни была концепция каждого форума, его очертания во времени и пространстве всякий раз несут особую смысловую нагрузку. Последовательность концертов представляется как непрерывная горизонтальная линия, которую пронзают устремленные вверх — к Небу —вертикали-Воскресения, включающие колокольный концерт на колокольне Софийского собора и концерт русской духовной музыки в Софийском соборе.

Фактически фестиваль вернул городу традицию звучания музыки в Софийском соборе, а также еще одну традицию — соединения в одном месте и в одно время хорового пения и колокольных звонов; вовлек в художественное пространство бой старинных часов XIX в. братьев Бутеноп на колокольне Собора.

Возникает еще один наиважнейший мотив и образ фестиваля «Кружева»: Крест, осеняющий, покрывающий и освящающий все фестивальное пространство. Этот образ простирается и на отдельные концерты. Например, вечер музыки И.С. Баха (на Первом фестивале), в архитектонике которого линия Концертов для одной, двух и трех скрипок с оркестром пересекалась ариями из «Страстей» и «Мессы» (исполнители — контртенор А. Крутько и камерный оркестр «Московия» под управлением Э. Грача). Мультипроект «Семь слов спасителя» Й. Гайдна — Пролог к Третьему фестивалю, фактически мировая премьера (автор сценария и режиссер — А. Устинов, живопись — Т. Ян, комментарии — иерей А. Зуевский).

В былые годы фестиваль не раз открывался в дни празднования Крестовоздвиженья Господня (27 сентября по н.ст.), проходил под знаком Покрова Богородицы и почитания прп. Романа Сладкопевца — небесного покровителя музыкантов. В этом году окончание фестиваля приходится на праздник Рождества Богородицы, а также на одну из великих дат русской истории — годовщину Куликовской битвы.

Вологодские кружева

Фестиваль демонстрирует единство и слитность множества духовных нитей. Как текуч и непрерывен процесс плетения кружева, переплетения и перетекания нитей, формирующих уникальный кружевной узор — так и идея музыкального кружева, музыкальной ткани проецируется на форму и содержание, формирование концепции фестиваля, его особого дизайна. Так и в произведения современных композиторов вплетаются элементы вологодского стиля: бой часов на Софийской колокольне, мотивы народных песен. Эти «соединительные ткани» особым образом проявились в произведении «Вологодские кружева» М. Гоголина, прозвучавшем на фестивале в 2013. По моему предложению, на сцене сидели кружевницы, а в партитуру сочинения был включен звук перестукивания коклюшек во время плетения кружева — как своеобразный вновь родившийся ударный инструмент.

«Вологодские кружева» — уникальный проект фестиваля. Сочинения, написанные по заказу форума, рождаются каждый раз параллельно с рождением самого фестиваля. Их авторы — А. Чайковский, К. Бодров, А. Васильев, М. Гоголин. Три написаны для симфонического оркестра, одно — для камерного оркестра и кружевниц. На Пятом фестивале состоится мировая премьера нового сочинения М. Броннера для фортепианного трио и оркестра народных инструментов.

Таким образом, создан уникальный арт-объект из 5 сочинений — музыкальная история всемирно знаменитого вологодского промысла, «звучащие кружева». Партитуры и звукозаписи этих сочинений займут место в Музее кружева.

Фестиваль выработал единственный в своем роде дизайн, фирменный стиль, включающий, в частности, элемент вологодского кружева как артефакт диплома участника фестиваля.

Акцент на бессмертной классике

Фестиваль «Кружева» утвердился в качестве главного события академической музыкальной жизни Вологды. Стал важнейшим элементом программы культурного туризма в Вологодской области.

В городе, где нет симфонического оркестра, оперного театра, филармонический зал вмещает чуть более 200 слушателей, а классическая музыка, прямо скажем, мало доступна большей части населения (даже в сравнении с соседним Ярославлем, не говоря уже о Самаре, Перми, Саратове, Екатеринбурге…), «Кружева» стали для вологжан одной из редких возможностей знакомиться вживую с шедеврами классической музыки и творчеством современных композиторов. Но воспитание у слушателя привязанности к классике — процесс не одного дня и не одного фестиваля. Он требует длительной кропотливой работы, которую организаторы фестиваля (среди которых Вологодская филармония во главе с директором В. Гончаровым, отмечающая в этом году 70-летие) ведут в течение нескольких лет.

Безусловно, подобный подход влияет и на формирование программ, в частности, симфонических, основу которых составляли самые популярные сочинения: 5-я симфония Бетховена, 4-я Чайковского, 2-я Рахманинова, увертюры, вальсы и миниатюры русских композиторов, 1-й концерт Чайковского, 2-й Рахманинова.

Важнейшая сквозная линия фестиваля — кантатно-ораториальная: звучали кантаты «Москва» Чайковского, «Иоанн Дамаскин» Танеева, «Казнь Степана Разина» Шостаковича, «Русский реквием» А. Чайковского. В этом году прозвучат «Шесть хоров» и «Три русские песни» Рахманинова.

В хоровых концертах в Софийском соборе звучали «Всенощное бдение» и «Литургия» Рахманинова, Девять духовных хоров П. Чайковского, сочинения Бортнянского, Березовского, Архангельского, Чеснокова, древнерусские духовные песнопения…

При приоритете композиторского творчества, фестиваль предложил слушателям массив монографических программ. Проводился «День Чайковского», «День Рахманинова» (хоровой концерт в Соборе и симфонический концерт), монографические вечера Баха, Бетховена, Шопена, Листа, Рахманинова.

Достойны быть включенными в это монографическое направление фестиваля и уникальные проекты Третьего фестиваля (2011): «Семь слов спасителя» Й. Гайдна и венок песен Ф. Шуберта в переложении для виолончели и фортепиано (солист М. Дробинский) — эти два проекта составили концерт-Пролог фестиваля; вечер виолончельной музыки Сен-Санса и Чайковского (каждому из которых было посвящено отделение) «День ударного труда» от ансамбля ударных инструментов М. Пекарского, вечер поэзии А. Устинова и вологодской поэтессы М. Марковой — лауреата Премии Президента РФ для молодых деятелей культуры.

Четвертый фестиваль (2013) в каждом концерте представлял творчество 4 композиторов (Бах, Моцарт, Прокофьев, гость фестиваля и композитор-резидент А. Чайковский).

В этом году — Брамс, Шостакович, вновь Рахманинов.

По существу, репертуарная палитра фестиваля «Кружева» представляет собой антологию творчества уже более десятка композиторов XVIII-XXI веков.

Один из главных принципов фестиваля — неповторяемость ни одного сочинения, за исключением «Осенней песни» П.И. Чайковского, ставшей музыкальным символом фестиваля. Но и она, по сути, не повторялась, поскольку всегда звучала в разных версиях (и, кстати, ни разу — в оригинале для фортепиано). В этом году прозвучит версия для фортепианного трио.

Связующие нити

Каждый фестиваль представлял собой парад солистов, причем за четыре фестиваля ни одно имя не повторялось: пианисты В. Овчинников, А. Диев, С. Тарасов, Р. Урасин, А. Гиндин, А. Ярошинский, Ю. Фаворин, П. Домбровский, скрипачи Н. Борисоглебский, И. Почекин, альтист Н. Кожухарь, виолончелисты Б. Андрианов, А. Бузлов, М. Дробинский, А. Рамм. Дважды участвовали в фестивале Госкапелла России под управлением В. Полянского, Ярославский симфонический оркестр под управлением М. Аннамамедова. Выступили АСО Московской филармонии под управлением Ю. Симонова, Камерный оркестр Musica Viva под управлением А. Рудина, Квартет им. Глинки, Новый русский квартет, «Романтик квартет».

А. Гиндин и М. Дробинский стали исполнителями-резидентами Третьего фестиваля: каждый принял участие в трех концертах (выступив соло, в ансамбле и с оркестром).

В этот контекст органично вписываются ведущие вологодские солисты и коллективы: камерный оркестр (худ. рук. А. Лоскутов), Губернаторский ОРНИ из Череповца (худ. рук. Г. Перевозникова), мужской хор п/у А. Мишина, хор «Воскресение» п/у С. Зуева, ансамбль звонарей, пианистка И. Богомолова.

И словно замыкая, закольцовывая круг, три исполнителя предыдущих фестивалей — по просьбам публики — вновь выйдут на сцену: А. Диев, Б. Андрианов, Н. Борисоглебский. Так фестиваль «Кружева» подводит свой первый итог и устремляется в будущее.

Продолжение следует.

Программа фестиваля

18 сентября, четверг
18.00. Вологодская областная филармония
Иоганнес Брамс
Квартет № 1 для фортепиано, скрипки, альта и виолончели ор. 25
«Созерцание», «Ода Сафо», «Колыбельная», «Строгий напев N 1» (песни в переложении для виолончели и фортепиано)
«Венгерские танцы» (переложения для фортепиано, для скрипки и фортепиано)
Андрей Диев (фортепиано)
Никита Борисоглебский (скрипка)
Александр Митинский (альт)
Борис Андрианов (виолончель)

19 сентября, пятница
18.00. Вологодская областная филармония
Дмитрий Шостакович
Трио № 2 для фортепиано, скрипки и виолончели (памяти И.И. Соллертинского)
Адажио из балета «Светлый ручей» (переложение для виолончели и фортепиано)
Четыре прелюдии из цикла «Двадцать четыре прелюдии для фортепиано» №№ 10, 15, 16, 24 (переложение для скрипки и фортепиано)
Фрагменты из балета «Болт» (1930–1931, балет окончен в 25 лет) (переложение для фортепиано, скрипки и виолончели): «Танцы врагов народа», «Вредители», «Соглашатель», «Конференция по разоружению», «Бюрократ», «Танец хулиганов»
А. Диев (фортепиано), Н. Борисоглебский (скрипка), Б. Андрианов (виолончель)

21 сентября, воскресение
Рождество Пресвятой Богородицы

12.00. Колокольня Софийского собора Вологодского кремля
Воскресные звоны
Ансамбль звонарей Софийского собора
Руководитель Илья Папин

12.30. Софийский собор Вологодского Кремля
«Богородичные песнопения»
Концерт хоровой музыки
Рахманинов, Чесноков, Голованов,
Святитель Нектарий (Эгинский), древнерусские распевы XVII–XVIII вв.
Мужской камерный хор Вологодской филармонии
Руководитель и дирижер Альберт Мишин

16.00. Вологодский музыкальный колледж
Сергей Рахманинов
«Элегическое трио» № 1 для фортепиано, скрипки и виолончели
Шесть хоров для женских (детских) голосов с фортепиано на стихи русских поэтов
«Три русские песни» для хора и симфонического оркестра (посвящается Л. Стоковскому) (переложение для оркестра народных инструментов):
«Через речку, через быструю», «Ах ты, Ванька, разудала голова», «Белилицы, румяницы вы мои»
«Вокализ», «Весенние воды», «Здесь хорошо», «Сирень» (романсы в переложении для скрипки и виолончели с ОРНИ)
Петр Чайковский
«Октябрь. Осенняя песня» из цикла «Времена года» (переложение для фортепианного трио)
Мировая премьера
По заказу фестиваля «Кружева»
Михаил Броннер
«Вологодские кружева»
Увертюра для фортепиано, скрипки, виолончели и ОРНИ (2014)
Сергей Рахманинов
«Богородице Дево, радуйся» из «Всенощного бдения» (переложение для фортепианного трио К. Бодрова)
А. Диев (фортепиано), Н. Борисоглебский (скрипка), Б. Андрианов (виолончель)
Губернаторский оркестр русских народных инструментов
Руководитель Галина Перевозникова
Череповецкий камерный хор «Воскресение»
Руководитель Сергей Зуев

Министерство культуры Российской Федерации
Российская государственная концертная компания «Содружество»
Всероссийский фестиваль «Музыкальное обозрение — 25»
Национальная газета «Музыкальное обозрение»
Всероссийский музыкальный проект «Поколение звезд»
Департамент культуры, туризма и охраны объектов культурного наследия Вологодской области
Вологодская областная государственная филармония им. В.А. Гаврилина
По благословению епископа Вологодского и Великоустюжского Игнатия
Художественный руководитель фестиваля Андрей Устинов
Директор фестиваля Валерий Гончаров

Он стоял у истоков газеты

4 июля 2014 ушел из жизни наш друг и коллега, старейший сотрудник «Музыкального обозрения», один из основателей газеты Борис Соломонович ДИМЕНТМАН

На девятый день после кончины, 12 июля, ему должно было исполниться 85 лет. Трех месяцев не дожил он до юбилея газеты, одним из основателей которой был четверть века назад

Мы готовили юбилейный материал о нашем друге и коллеге, а приходится писать статью в память о нем. Борис Соломонович проработал в «МО» более 20 лет, в 2012 по состоянию здоровья ушел на пенсию, но мы продолжали считать его полноправным сотрудником редакции. Получив и досконально изучив свежий номер «МО», он обязательно звонил мне и высказывал свое мнение. Его комментарии, советы, подсказки, глубокий анализ публикаций были для нас очень важны и ценны.

В начале июня я был у него дома. Борис Соломонович встретил меня в добром здравии, был бодр, в хорошем настроении, находился в предвкушении трансляций с футбольного чемпионата мира (его стаж болельщика «Спартака» — более 70 лет!).

Мы проговорили несколько часов. Борис Соломонович вспоминал свою «линию жизни»: детство, годы учебы в Институте востоковедения, полтора десятка лет учительства и директорства в школе.

Вспоминали годы, проведенные им на службе в Союзе композиторов СССР, Т.Н. Хренникова, Д.Б. Кабалевского, обсуждали нынешнюю ситуацию в Союзе… С огорчением говорил он о том, что в филармонических абонементах практически не представлена музыка Мясковского, Хачатуряна, Кабалевского, современных композиторов.

Много говорили об истории рождения нашей газеты, о 25-летии «МО» и нашем юбилейном концерте.

Как всегда, и в разговоре, и в поведении Бориса Соломоновича присутствовала твердость духа и четкость мысли, сконцентрированность и собранность, точные, логически обоснованные и в то же время эмоциональные оценки окружающих нас, в т.ч. и в музыкальной среде, глупостей, невежества, непрофессионализма…

А через 3 дня мне позвонили его друзья и сообщили, что самочувствие Бориса Соломоновича резко ухудшилось. В это невозможно было поверить: ничто не предвещало скорого ухода.

Б.С. Диментман родился 12 июля 1929 в Москве. В 1953 окончил Институт востоковедения (его однокурсником был Е.М. Примаков). В совершенстве владел английским, немецким, фарси. С 1954 работал учителем английского языка в московских школах, а в 1962 назначен директором только что открывшейся спецшколы № 26 Москворецкого района. Там же преподавала историю его супруга Л.А. Сахарова, с которой Борис Соломонович прожил более полувека.

Именно Лидия Андреевна, уже в годы работы в Министерстве просвещения СССР (где она занималась вопросами эстетического, в т.ч. музыкального, воспитания), познакомила своего мужа с Д.Б. Кабалевским. А в 1970, когда в Москве под председательством Кабалевского проходил конгресс ISME (Международного общества музыкального образования), известный композитор, в то время председатель Комиссии СК СССР по эстетическому воспитанию детей и молодежи, пригласил Б.С. Диментмана в качестве переводчика. По окончании конгресса Кабалевский предложил Диментману перейти на работу в Союз композиторов, своим заместителем в Комиссии.

В этом качестве, а затем  и председателем Комиссии, Диментман проработал 16 лет, а после ухода из жизни Д.Б. Кабалевского, в 1987, первый секретарь СК СССР Т.Н. Хренников предложил Борису Соломоновичу должность ответственного секретаря Союза — фактически своего заместителя. В этой должности Борис Соломонович оставался до 1991, до распада СССР и Союза композиторов — одной из самых мощных творческих организаций великой державы. Он готовил последний съезд СК СССР, но незадолго до его проведения ушел на пенсию.

С 1992 по 2012 Б.С. Диментман работал в «Музыкальном обозрении».

Наш общий путь

В истории газеты Борис Соломонович сыграл особую, ключевую роль. Он был одним из тех, кто закладывал фундамент, на котором четверть века назад строилось здание «МО». Тогда Т.Н. Хренникову пришла идея — откликнуться на веяния времени, перестройки и начать выпускать новое издание, которое стало бы флагманом профессионального композиторского и музыковедческого сообщества, тогда еще советского.

В СССР разрешение на открытие нового издания давали самые высокие инстанции, в нашем случае — горком КПСС. Именно Борис Соломонович по поручению Т.Н. Хренникова воплощал эту идею, ходил на переговоры в МГК КПСС, готовил документы, добивался и в конце концов добился разрешения.

А когда распался Союз композиторов СССР, я пригласил Бориса Соломоновича на работу в редакцию. И мы вместе прошли почти весь наш путь.

Много лет он был архивариусом «МО», собирал и систематизировал архив публикаций: по персоналиям, организациям, рубрикам, благодаря чему во многом стало возможным воплотить нашу давнюю идею — начать издание «Библиотеки “Музыкального обозрения”» (ее первый том, только что вышедший, посвящен Конкурсу им. П.И. Чайковского, а один из планируемых томов — «Записки Бориса Диментмана»). Блестящий знаток английского языка и литературы, он много лет готовил к публикации «Англо-русский и русско-английский словарь музыкальных терминов».

С ним легко можно было говорить на любую тему: о политике, культуре, экономике, спорте — и услышать его авторитетное и убедительное мнение. Просить поддержки в личных проблемах — и всегда рассчитывать на помощь, добрый и мудрый совет.

Появляясь в последние годы в редакции реже своих коллег, он, тем не менее, всегда был осведомлен о делах и планах нашего коллектива. Его выступления и реплики на наших редакционных планерках часто давали новый импульс обсуждению того или иного вопроса, подсказывали верное решение. А в трудные моменты, когда работа наша была омрачена интригами, предательством, уходом из жизни близких людей, именно он становился мне и всем нам моральной опорой.

Музыкальная жизнь Б.С. Диментмана

За что бы ни брался Борис Соломонович — во всем он добивался успеха. Он не был профессиональным музыкантом, но мало кто из музыковедов мог похвастать такими познаниями в области музыкального искусства, емкими и точными суждениями о композиторском и исполнительском творчестве. Конечно, сказались и занятия музыкой (скрипкой и вокалом) в детстве и юности, и регулярные походы в музыкальные театры и на филармонические концерты.

Придя на работу в Союз композиторов, Борис Соломонович быстро завоевал авторитет и уважение в композиторском и музыковедческом сообществе, был принят в СК СССР.

Я познакомился с Борисом Соломоновичем в 1976, когда он возглавлял Всесоюзную комиссию по музыкально-эстетическому воспитанию детей и молодежи Союза композиторов СССР, а его заместителем стал мой старший друг Петр Меркурьев, которого Борис Соломонович и пригласил на эту работу. Ко мне, студенту I курса Мерзляковского училища, Борис Соломонович отнесся внимательно и даже по-отечески трогательно, называл меня «Моцартом».

Мы разговаривали о многом, но больше всего, конечно, о музыке. В беседах Борис Соломонович мгновенно и безошибочно определял перепады моего меняющегося юношеского настроения: «Ты сегодня пришел дважды повышенный…» или «…дважды пониженный…».

Комиссия по музыкально-эстетическому воспитанию детей и юношества располагалась на третьем этаже Всесоюзного дома композиторов, знаменитого «Приюта композиторов», рядом с Малым залом ВДК. Борис Соломонович сидел в этой слегка задымленной комнате напротив входа. За столом справа располагалась секретарь комиссии Изабелла Рафаэльевна Эльдемурова, супруга замечательного пианиста Алексея Скавронского, а напротив Бориса Соломоновича, у окна — Петр Меркурьев.

Курировал комиссию один из влиятельных людей своего времени, Дмитрий Кабалевский. Вокруг комиссии концентрировались многие молодые композиторы, писавшие для детей: Ефрем Подгайц, Михаил Броннер, Борис Гецелев; музыковеды Виктор Малов, Жанна Дозорцева, Светлана Виноградова; талантливые педагоги.

В то время влияние Союза композиторов СССР на музыкальное образование и воспитание было безграничным. Вероятно, оно было гораздо сильнее, чем влияние Академии педагогических наук или Министерства просвещения, поскольку это направление возглавлял такой человек, как Кабалевский, по сути, главный форпост и генератор новаторских идей в сфере именно общего музыкального образования.

В принципе, эта линия музыки для детей и юношества продолжает свое развитие и по сей день, прежде всего в творчестве композиторов, начинавших в ту эпоху. Импульс, который был задан в советские годы, до сих пор приносит замечательные плоды.

В конце 1980-х, когда Борис Соломонович был уже ответственным секретарем СК СССР, в этой комнате некоторое время располагались и комиссия, и редакция газеты.

Патриарх

Борис Соломонович обладал уникальным свойством: его облик, манера поведения, разговора свидетельствовали о том, что перед тобой человек не просто умный, эрудированный, интеллигентный, волевой, твердый в своих убеждениях, а поистине мудрый.

Этот образ и этот облик захватывал с самого начала общения, с первого взгляда и первой реплики. А потом ты уже ждешь этой мудрости: мудрости мышления, мудрости понимания действительности, мудрости отношения с тобой.

В последнее время он часто повторял: «Чем ниже великаны, тем выше карлики». Эта его фраза навсегда запомнилась не только как блистательная и неотразимо точная оценка сегодняшней действительности, но и как квинтэссенция великой мудрости, мощный философский постулат, один из ключевых в понимании как прошлого, так и настоящего.

Последние десятилетия Бориса Соломоновича выдались сложными, трагическими. 10 лет назад погиб его единственный сын Аркадий, музыкант, работавший в Театре им. Пушкина. Многие годы Борис Соломонович ухаживал за тяжело больной супругой (она скончалась в феврале 2013), взял на себя все хозяйственные заботы.

При этом успевал читать, быть в курсе многих событий. Писал стихи, увлекся рисованием. Сетовал, что из-за катаракты не может продолжать эти занятия, и собирался лечь на вторую операцию: «Вот “починю” второй глаз — и заживу по-новому». А я даже хотел предложить ему вернуться в редакцию на 1–2 раза в неделю.

Уже преодолев порог 80-летия, Борис Соломонович освоил компьютер и горячо поддержал идею перевода огромного бумажного архива «МО» на электронные носители. И все же письма друзьям и коллегам писал «по старинке», не электронные, а обычные, каллиграфическим почерком педагога.

«Я в жизни получил многое из того, чего я, собственно, не должен был бы получить, — сказал мне Борис Соломонович под занавес нашей встречи. — Должен был я быть принят в члены Союза композиторов? Нет, конечно. Ни в силу своего образования, ни по другим обстоятельствам. Это я получил, так сказать, от товарищей по Союзу, и я им очень благодарен. Школа благодарит. Газета тоже. Считаю, что моя роль несколько преувеличена…».

Я напомнил Борису Соломоновичу о нашем юбилейном концерте 1 октября. И добавил, что все мы его ждем. «Я понимаю, что надо быть живым», — ответил он.

Пророческие слова.

За неделю до смерти, понимая, что уходит, Борис Соломонович исповедовался. Он успел позвонить и простить тех, кто причинил ему самую тяжкую боль, и попросить прощения у них.

Конечно, и он, и я, и все мы мечтали о том, что Борис Соломонович обязательно придет на юбилейный концерт «МО» в Зал Чайковского. И я его обязательно представлю, как одного из основателей газеты и ее патриарха. Увы, этому не суждено было сбыться. И теперь гениальное Адажио из балета Т.Н. Хренникова «Гусарская баллада» прозвучит на юбилейном вечере в память трех основателей нашей газеты: Тихона Хренникова, Петра Меркурьева, Бориса Диментмана.

Несколько лет Б.С. Диментман вел Журнал, который назвал «Записки и выписки». Вел его, по собственному признанию, для сына, и завершил в тот день, когда сын трагически ушел из жизни.

Это не дневник, где все разложено по дням и годам; и не мемуары, в которых человек представляет летопись своей жизни на фоне портрета эпохи. Скорее это Записки, «Затеси» (В. Астафьев), «Камешки на ладони» (В. Солоухин) — когда фиксируются, казалось бы, разрозненные, спонтанно приходящие в голову или где-то услышанные, прочитанные, вспомнившиеся мысли, эпизоды, цитаты… А на самом деле — плоды долгих размышлений, постоянной в течение многих лет работы ума и души, окончательное утверждение своих жизненных и моральных устоев, опираясь на которые, человек на склоне дней, вероятно, спокойнее принимает наступающую старость и «дату своего ухода…».

В «Записках и выписках» Б.С. Диментмана собраны цитаты из любимых писателей (особенно Достоевского, Голсуорси) и поэтов (Пушкина, Пастернака, И. Северянина…); мысли, почерпнутые из газет, журналов, радио- и телепередач, выступлений известных людей — разумеется, созвучные взглядам самого Б.С.

Другая часть журнала — авторская: воспоминания (о матери, Т. Хренникове, Д. Кабалевском, Э. Денисове…), размышления, стихи… Порой эти краткие замечания, наблюдения, авторские афоризмы и аксиомы столь ярки и точны, что, пожалуй, ставят их автора в один ряд с «великими  мира сего».

В «Записках и выписках» — мысли о родителях и детях, матери и сыне, о любви к женщине и женской любви.

О деле, которому отданы десятки лет. Об искусстве — музыке и литературе, поэзии и прозе. Об истории и современности, прошлом и настоящем своей страны. О религии и любви к Богу.

За всем этим — Личность: мудрец и эрудит, обладатель аналитического ума, блистательного слога, стойких принципов. Человек, достойно проживший свой немалый век и весь этот век несший Любовь в душе и сердце.

Материалы по теме

Новый инструмент Президента

Президент Аргентины Кристина Киршнер подарила Президенту России Владимиру Путину бандонеон

По пути на чемпионат мира в Бразилию Путин посетил Аргентину, где и получил этот оригинальный подарок.

Бандонеон (исп. bandoneon) — разновидность гармоники, инструмент, родственный баяну и аккордеону. Правда, клавиатуры на нем расположены так, что исполнитель их не видит, в отличие от баяна и аккордеона. Вес бандонеона — около 5 кг (для сравнения: баян весит 16 кг), размеры 22 х 22 х 40 см.

Несмотря на то, что бандонеон считают чуть ли не народным аргентинским инструментом, его родина — Германия. Он был изобретен в конце XVIII в., а нынешнее название получил по имени немецкого коммерсанта, владельца фабрики музыкальных инструментов Генриха Банда. Благодаря его коммерческой деятельности инструмент стал необычайно популярен в середине XIX столетия.

Первоначально бандонеон использовался при исполнении духовной музыки в церквях Германии. В XIX в. был завезен немецкими эмигрантами в Аргентину и вскоре стал там национальным инструментом, без которого невозможно представить исполнение танго и звучание танго-оркестров.

В России с бандонеоном познакомились в середине 1990-х, когда приобрела широкую известность музыка самого знаменитого бандонеониста — Астора Пьяццоллы (1921–1992). Первым его музыку в нашей стране сыграл Г. Кремер, а потом к этому источнику припали буквально все — от балетных трупп и симфонических оркестров до школьных и народных ансамблей.

Популярность Пьяццоллы в нашей стране не имеет границ. Его сочинения уже звучат в симфонических концертах, хотя, сыгранные на бис в концерте из произведений, скажем, Бетховена или Брамса (так тоже бывает), абсолютно перечеркивают ту атмосферу, художественную планку, которую задавала и формировала музыка этих композиторов. Музыка Пьяццоллы скорее соответствует атмосфере вальяжного отдыха на террасе морского ресторана, нежели академического концертного зала.

Ну а после торжественной церемонии в Буэнос-Айресе можно представить, что бандонеон и, соответственно, музыку Пьяццоллы в России ждет новый всплеск славы.

Подарок аргентинского президента В. Путину вызвал энтузиазм и среди российских исполнителей на родственных баяне и аккордеоне. Можно не сомневаться, что бандонеон и им добавит популярности: ведь теперь это — инструмент президента.

Променяет ли Президент рояль на бандонеон? Опыт игры на рояле у него имеется, реплику «Я поздно начал» на заседании Совета по культуре и искусству в 2012 помнят все. Как помнят и мелодию песни «С чего начинается родина», сыгранную В. Путиным на рояле Steinway. Зная нашего президента, можно не сомневаться, что и на бандонеоне он сыграет обязательно.

Материалы по теме

В Омске стартовал осенний этап Всероссийского фестиваля «Музыкальное обозрение–25»

11 сентября в Омске стартовал осенний этап Всероссийского фестиваля «Музыкальное обозрение–25». На сцене Большого концертного зала Омской филармонии — одного из лучших в России — прозвучали произведения из эксклюзивного проекта «МО» opus 25: увертюра «Морская тишь и счастливое плавание» Мендельсона (написана композитором в 25 лет), Симфония № 25 Моцарта и симфоническая поэма Р. Штрауса «Смерть и просветление» (окончена в 25 лет), а также Концерт для скрипки с оркестром Бетховена.
Омским академическим симфоническим оркестром дирижировал его художественный руководитель и главный дирижер Дмитрий Васильев. Солист — Леонард Шрайбер (Бельгия).

Фестиваль открылся также в Омске 13 марта 2014, исполнением коллективного сочинения 10 российских композиторов — Концерта для симфонического оркестра «Десять взглядов на десять заповедей» (написано в 2004 году к 15-летию национальной газеты «Музыкальное обозрение»). В Омске состоялось 27-е за 10 лет исполнение этого сочинения.