Газета "Музыкальное обозрение" http://muzobozrenie.ru Официальный сайт газеты "Музыкальное обозрение" Wed, 25 Apr 2018 13:55:49 +0000 ru-RU hourly 1 https://wordpress.org/?v=4.9.3 В СПЧ надеются на скорое рассмотрение дела «Седьмой студии» http://muzobozrenie.ru/v-spch-nadeyutsya-na-skoroe-rassmotrenie-dela-sed-moj-studii/ Wed, 25 Apr 2018 13:08:34 +0000 http://muzobozrenie.ru/?p=32832 В Совете по правам человека (СПЧ) при президенте РФ приветствуют изменение меры пресечения экс-директору "Гоголь-центра" Алексею Малобродскому на домашний арест

Запись В СПЧ надеются на скорое рассмотрение дела «Седьмой студии» впервые появилась Газета "Музыкальное обозрение".

]]>
В Совете по правам человека (СПЧ) при президенте РФ приветствуют изменение меры пресечения экс-директору “Гоголь-центра” Алексею Малобродскому на домашний арест и надеются, что вскоре начнется судебное рассмотрение дела “Седьмой студии”, которое приведет к оправданию всех невиновных, заявил РИА Новости глава СПЧ Михаил Федотов.

Представитель СК РФ Светлана Петренко сообщила в среду, что Малобродского, фигуранта дела о хищениях в “Седьмой студии” Кирилла Серебренникова, переведут под домашний арест “с учетом его возраста и состояния здоровья”.
“Совет неоднократно заявлял о том, что содержание Алексея Малобродского под стражей противоречит законодательству и здравому смыслу. В УПК четко сказано, что заключение под стражу является исключительной мерой пресечения и не должно применяться в отношении лиц, обвиняемых в экономических преступлениях”, — сказал Федотов.

Как напомнил правозащитник, в СПЧ постоянно обращали внимание, что у Малобродского имеются хронические заболевания, которые в условиях СИЗО могут обостриться. “Поэтому мы приветствуем изменение меры пресечения на домашний арест и надеемся, что в самое ближайшее время начнется судебное рассмотрение данного дела, которое приведет к оправданию всех невиновных”, — заявил председатель совета.

Сейчас фигурантов этого громкого дела знакомят с собранными следствием материалами дела, после чего оно должно поступить в суд для рассмотрения по существу. Речь идет о хищении 133 миллионов рублей. Все фигуранты, кроме бывшего бухгалтера Нины Масляевой, обвинения отвергают.
Около месяца назад жена Малобродского написала открытое письмо омбудсмену Татьяне Москальковой и главе СК РФ Александру Бастрыкину, в котором выразила опасение за жизнь и здоровье мужа после его перевода из “Матросской тишины” в СИЗО “Медведково”. Малобродского тогда поместили в 12-местную камеру, но после вмешательства Москальковой перевели в камеру на четырех человек. Из-за жалоб на здоровье, в частности, на ухудшающееся зрение, его также обследовала врачебная комиссия, однако о выводах медиков не сообщалось. В СПЧ отмечали, что здоровье Малобродского пошатнулось “вследствие неоказания надлежащей медицинской помощи” в СИЗО.

Источник публикации РИА Новости, 25.04.2018

Запись В СПЧ надеются на скорое рассмотрение дела «Седьмой студии» впервые появилась Газета "Музыкальное обозрение".

]]>
Александр Вустин: «Я ощущаю себя свободным» http://muzobozrenie.ru/aleksandr-vustin-ya-oshhushhayu-sebya-svobodny-m/ Wed, 25 Apr 2018 11:49:52 +0000 http://muzobozrenie.ru/?p=32824 24 апреля 2018 года композитор Александр Вустин отметил 75-летний юбилей. В № 5 газеты «Музыкальное обозрение» за 2013 год опубликовано интервью к 70-летию композитора. С Александром Вустиным беседовала Анна Амрахова

Запись Александр Вустин: «Я ощущаю себя свободным» впервые появилась Газета "Музыкальное обозрение".

]]>

24 апреля 2018 года композитор Александр Вустин отметил 75-летний юбилей. В № 5 газеты «Музыкальное обозрение» за 2013 год опубликовано интервью к 70-летию композитора. С Александром Вустиным беседовала Анна Амрахова.

«Я ощущаю себя свободным»

МО: Александр Кузьмич, многие Ваши коллеги и почитатели таланта обратили внимание на некоторое просветление колорита в Ваших последних по времени написания сочинениях. Чем Вы это объясните?

АВ: На самом деле мои коллеги плохо знают мое творчество. У меня эти «просветы» появлялись и раньше. Просто есть сочинения, на которые мало кто обращал внимания — «Романсы» на стихи Пушкина и Щедровицкого, «Блаженны нищие», «Голос» на стихи О. Седаковой. Хотя мнение друзей меня в первую очередь волнует. Я считаю себя абсолютно свободным писать то, что в данный момент, что называется, перед взором. В этом смысле я не обязан ни друзьям, ни врагам, ни кому бы то ни было. Я не хочу кичиться каким-то одиночеством, это было бы фальшиво, но на самом деле, каждый из нас к определенному возрасту вбирает в себя весь накопленный опыт не только жизненный, но и музыкальный.

МО: Тогда немного изменим вопрос: это авангардизм — то, чем вы сегодня занимаетесь?

АВ: Этот термин стал немножко старомоден. Мандельштам когда-то сказал: «Есть разрешенная литература и неразрешенная». Естественно, он любил вторую литературу. Так вот, «разрешенный» авангардизм — это не авангардизм. Весь поток — стилевой, технический, языковый, который на протяжении ста последних лет менялся на наших глазах, — это все входит в наш арсенал. Невозможно на старости лет гоняться за новинками технологий, да и никогда такого не было. И я отношу это к своим друзьям. Авангардизм ведь тоже имел свою историю, он тоже менялся, наиболее «революционный» авангард был в 10-е годы прошлого века. Первый, еще даже пред-додекафонный. Дальше, к 30-м годам, он академизировался: я имею ввиду даже некоторые произведения Шенберга, например, его фортепианный концерт. Послевоенный авангард – дальше от меня уже психологически. Хотя по времени я как будто больше к нему должен тяготеть. Из послевоенного авангарда меня привлекает Ксенакис, который в чем-то близок моему представлению о музыкальном процессе, о формообразовании, и других вещах, которые я считаю не столько формальными, сколько содержательными.

Разговор об авангардизме сегодня не актуален потому, что мы переживаем время какое-то безымянное. И меня это больше привлекает, чем непосредственно авангард. Авангард перестал воздействовать так, как он должен был бы воздействовать на слушателя: он перестал изумлять. А то, что было некогда предметом изумления, оно удивляет и сейчас. Но дальнейшее движение по этому пути перестало изумлять. Важно, чтоб музыка оставалась живым потоком свежих идей. Чтобы она не превращалась в некую рецептурную сетку, за пределы которой автор боится выйти и постоянно стремится подтвердить, что он «свой» в определенном кругу людей. Сам Булез перестал двигаться вперед. Почему это не происходило с Бетховеном, например? Наверное, потому, что у него не было школы, признанного круга его последователей. Его творчество было в потоке живого развития музыкального языка. Поэтому у Бетховена мы вдруг встречаем какие-то даже шумановские моменты в поздних сонатах, какие-то заглядывания в ХХ век в квартетах. Во всем видно живое свечение музыкального процесса. Этот догматизм – грех авангарда послевоенного.

МО: А как вы думаете, АСМ не грешит этим?

АВ: Скорее, на словах. Мы уже не дети, чтобы ставить перед собой целью непременно доказать свою принадлежность к какой-то партии. Слова могут отставать от творчества – в лучших его проявлениях. Кому, собственно говоря, должен автор? Соратникам по кружку и друзьям? Или он человек свободный? Мне кажется, ощущение свободы — это величайшее в творчестве состояние.

МО: А Вы ощущаете себя свободным?

АВ: Я ощущаю себя свободным. Это условие существования – как воздух. Правда, можно сказать, и у классиков не было оглядки на кружки. Это только в XIX веке появилось — лейпцигская школа с одной стороны, листианцы — с другой.

«Главное — вслушиваться в себя»

МО: Но в классическую эпоху взаимоотношения с нормой и «аномалией» немножко другие были. Я не хочу сказать, что было все одинаково, но было не столь индивидуализировано. Типология была сильна и не нужно было особо стараться, доказывая свою индивидуальность.

АВ.: Это большой грех, болезнь нашего века — необходимость выделиться во что бы то ни стало. Но самые крупные авторы через это перешагивали.

МО: А молодые?

АВ: Может быть, они должны повзрослеть просто. Хотя с точки зрения характера воздействия на аудиторию их, наверное, можно назвать продолжателями авангарда. Опять стремление со скандалом выделиться из толпы. Я говорю о самых талантливых: Горлинском, Сысоеве, Хубееве…

МО: Вас не настораживает, что многие из них «повернуты» на творчество Лахенмана?

АВ: Как это у молодого человека происходит? Я себя вспоминаю. Он хочет достичь не этого эффекта даже, а состояния – взрывчатости, вырывающейся из повседневности. Но можно и застрять в этом стремлении выйти за пределы обыденности. Нравственным ориентиром здесь может служить серьезное и безукоризненно чистое творчество А. Веберна. Главное ведь себя найти, а не просто выделиться за счет «ненормативной музыкальной лексики». Но у молодых бывают вещи, на которых я учусь. (Хотя я и не собираюсь, по правде говоря, гнаться за молодежью). Учусь новому взгляду, новому пространству звуковому, новому пониманию времени. На самом деле, каждый из нас невольно стремится к неведомому, к познанию того, что за пределами видимого. Это религиозное какое-то состояние, своего рода богоискательство: какую-то тайну открыть, какой-то мир, который светится, цель перед тобой, которая может тебе дороже жизни. И когда я вижу такие состояния у молодых (и дело абсолютно не в том – Лахенману они подражают или нет) — я понимаю это стремление. И потом они оснащены технически, они находятся в другом положении. То, что мы чуть не кровью завоевывали, им достается легко — информационное пространство другое. А для нас было открытием, даже откровением каждое   прилетевшее из-за пределов закрытого пространства событие музыкальное.

МО: А как происходило Ваше становление как композитора. Ведь Ваши педагоги — Г. Фрид, В. Фере — наверное, учили Вас на классических образцах?

АВ: Не совсем. Фрид был человеком, который появился в нужное время в моей жизни. Ведь я поступил в Мерзляковку довольно невежественным человеком. Много слушали сочинений Малера, Шостаковича, Прокофьева, Бартока. Да и Фере был не так прост — в юности он примыкал к АСМу.

Но к авангардизму я пришел не сразу. Более того, сперва мне не очень нравились произведения авангардистской направленности — из того, что удавалось услышать. Только после консерватории произошел поворот. Немалую роль в этом сыграли знакомство с Э. Денисовым, посещение лекций Ф. Гершковича.

МО: Вы сами чувствуете какие-то изменения в том, что сейчас пишете?

АВ: Я пишу интуитивно. Я не ушел со своей столбовой дороги. Но мне ужасно не хочется все это декларировать. Я чувствую, что дело не в словах, а в самом пути. Наступил какой-то период, когда не хочется что-то провозглашать. Это все более интимный процесс. Началось это довольно давно: с «Музыки для Ангела», наверное. Я чувствую, мне хочется не столько музыки, которая врезается в слушателя, заставляет его ежиться, сколько той, которая его скорее обволакивает. Я стремлюсь к такой музыке в идеале, у меня это редко получается, 3 – 4 произведения могу назвать: «Исчезновение», «Белая музыка», «Песня из романа Платонова», «Из жизни эльфов». Они не отяжелены ничем, фактурно очень прозрачны, как бы невесомы.  Хотя есть и другие сочинения.

МО: Как так получается, что Вы в своих сочинениях используете одну и ту же серию, а музыка у Вас всегда разная?

АВ: Во-первых, я научился со своей серией обращаться. Я все больше давал ей свободу. Первые мои додекафонные сочинения были очень строгие, ортодоксальные, если хотите («Соната для шести»). А потом я позволял себе такие допущения, которые, сохраняя происхождение серийное, делали музыку совершенно неузнаваемой. В «Героической колыбельной» или «Песне из романа Платонова» — там никто не слышит этого. Только для автора важно наличие серии, поскольку это дисциплинирует работу. Для меня всегда высшей целью было достижение эффекта спонтанности процесса, когда слушатель вообще не думает о технической стороне.

Я свободно совмещаю тональную музыку и серийность. Для меня очень важно время и организация во времени, но это не значит, что звуковысотно я должен писать каждый раз одно и то же. И если возникает желание написать диатоническую музыку — ясную — я себя в этих случаях не останавливаю. Что делали послевоенные авангардисты? Они делали серийным каждый звук, каждый оттенок, каждую длительность. В этом есть что-то механистическое. Они взяли фактуру Веберна, но не учли его опыт со временем.

Я давно понял, что можно развивать свой язык отклонением от окаменевающих догм. Главное — вслушиваться в себя, не быть рабом собственных открытий. Важно научиться открывать и дальше. Иначе ты становишься конвейерным композитором, просто работаешь на количество.

«Всегда следую найденному пути»

МО: Какие сочинения Вы считаете этапными в своем творчестве?

АВ: Со «Слова» (1975) начался тот найденный путь, которому я до сих пор следую. «Слово» — не рассчитанное произведение, интуитивное. В нем нет никакой двенадцатикратности, оно даже не серийное. Оно первое в понимании музыки как действенной силы, которая включает в себя окружающее пространство и слушателей. Спустя два года я начал работать над «Memoria-2», Там уже я сознательно находил некую структуру, которая выстраивала это пространство.

Из последних по времени создания сочинений следует назвать «Музыкальную жертву» для виолончели и фортепиано (2007). Это трех- пятичастное произведение тональное, поэтому мне его было труднее писать. (Серия используется только на уровне временного строения сочинения). Мне казалось, что это шаг вперед какой-то, он доказывает, что дело не только в серийной звуковысотности, серийность может быть заложена и во временном пространстве, в организации произведения в целом. Я сам себе хотел доказать, что такая структура – не моя блажь, она работает на разном стилевом уровне, в разных по характеру сочинениях. По жанру это соната. Первые четыре части разворачиваются как этапы единого, они идут по нарастающей в целом. Первые две части называются «Соло» и «Дуэт», 3 часть «Восхождение», что соответствует регистровому развитию от низов до верха с расширением фактуры, к кульминации — тому, ради чего все собственно было написано — 4-й части. Это — цель всего развития – посвящение маме. Это жертва, которую я приношу ее памяти.

Еще одно знаковое сочинение — «Песнь песней» (2010), оно тоже написано не по заказу, а скорее из побуждения иметь в своем творческом портфеле кантату. Я хотел создать музыкальный эквивалент «Песни песней». Здесь почти нет серийности. Это свободно написанная квази- импровизация. Мне помог молодой композитор А. Наджаров: он обычный синтезатор трансформировал через компьютер в «арфу» Давида, которая по тембру напоминает, скорее, цимбалы. Получился уникальный инструмент:  «цимбалы» с диапазоном рояля. Древность здесь подчеркнута «речитациями» этих цимбал, которые написаны с использованием расширенного звукоряда из сцепленных тетрахордов. Кантата 3-хчастная, и каждая часть начинается игрой на этом «инструменте». 1 часть — экспозиция образов, собственно «пение» начинается во второй части — это диалог двух влюбленных. Разгорающееся чувство сопровождается музыкальным развитием: это и канон ударных, и развивающаяся фактура.

МО: Есть ли в этом сочинении элементы изобразительности?

АВ: Скорее, изображение чувства. Сам первоисточник настолько поэтичен и образен, что невольно возникают соответствующие музыкальные эквиваленты. Этот текст — не просто о любви юноши и девушки, этот текст о любви как таковой. Слова, которые шепчут исполнители в конце: «Положи меня, как печать на сердце твоем, как перстень на руке твоей, потому что крепка как смерть любовь…», — подводят итог этому действу.

МО: Говоря о Вашем этапном сочинении Sine nomine (2010), Вы сказали, что у кого-то возникли аналогии с книгой Бытия и что это правильно, так как по форме это одно и то же. Это метафора?

АВ: Для меня это очень многозначащее произведение. По жанру это симфония, по форме — там от начала до конца проводится cantus firmus, который распространяется примерно на 18 минут. Но он не слышен, и это замечательно, что он не слышен. Он важен только для меня, автора, потому что скрепляет и осмысляет все целое.

Люди очень любят оперировать словами Бог, долг, совесть. А мне не хотелось употреблять эти слова, обращаясь к какому-то высшему началу, которое невыразимо и не имеет названия даже. (Не случайно имя Бога запрещалось не только всуе употреблять, но и вообще произносить). Для меня это начало всего, в том числе и музыки. Это выражение какого-то высшего закона, который проявляется и в форме музыкальной. Более того, в этой музыкальной форме выстроена не только вся Вселенная, но и вся история — в том числе человеческая. По музыкальным законам организован весь мир. Все что происходит. Я продолжаю настаивать на этом, хотя это звучит несколько высокопарно. Поэтому Книга Бытия естественно под это подкладывается. Это ведь тоже глобальная книга, которая охватывает музыку Бытия. Когда я работал, я думал о некоей идее и ее саморазвитии. Тут музыка ничего не «изображает».

«У нас очень любят шоковую терапию»

МО: В разговоре с Вами, я с удивлением обнаружила, что многие   сочинения Вы написали «просто так», по просьбе друзей, по внутреннему побуждению.

АВ: Так сложились «Музыка для ангела», Песня на слова Платонова, «Agnus Dei»…

Все писалось в стол вплоть до того, как мне заказали музыку к фильму «Шантажист». (Соня Губайдулина, ввиду занятости, отказалась от этой работы и предложила мою кандидатуру). Может быть, немножко поздновато, потому что я уже привык к «вольному» образу жизни. Это было очень жестко — мне в какой-то степени нужно было себя сломать: надо было писать на сюжет, который мне не нравился. Это был типичный советский фильм, с какими-то разбирательствами, собраниями. Правда, там кончилось все трагично – мальчик застрелил своего однокашника. (Сюжет был взят из действительности, сценаристом был знаменитый наш автор Э. Володарский, хотя это явно не лучший его фильм).

Через это надо видимо было пройти, чтобы потом написать музыку к фильму режиссера Р. Хамдамова «Анна Карамазофф». (Уверен, что меня на работу над музыкой и к этому фильму «сосватала» Соня).

Да и опера «Влюбленный дьявол», над которой я работал 14 лет, тоже писалась в стол.

МО: А в чем конкретно проявлялась еще помощь С. Губайдулиной?

АВ: Я чувствовал, что многие предложения исходят от нее, но она это никогда не афишировала. Если бы не она, не было бы и Гидона Кремера в моей жизни. В 1995 в Большом зале консерватории был фестиваль Губайдулиной, Сильверстова и Пярта. Там Сильвестрова божественно играл Г. Кремер. Соня подвела меня к нему, познакомила. И сразу же Гидон заказал мне произведение для шубертовского фестиваля. Так возникла Фантазия для скрипки и оркестра (1996), а потом им были заказаны Танго «Hommage à Gidon», «Приношение» (2004) для ансамбля, обработка баховской инвенции (2010). Если бы не поддержка этих людей как раз в эти годы, в первой половине 90-х, — не знаю, что бы со мной было.

МО: Как Вы, воспитанный на других идеалах, сейчас живете в стране, в которой победил культ золотого тельца?

АВ: Жизнь в любой стране неоднозначна. Тогда внутренняя свобода проявлялась в том, что меня совершенно не заботило — что там в правительстве, я жил и писал музыку. Не могу сказать, что в профессиональном смысле было лучше — никто за пределами Дома композиторов нас не исполнял. Сам мир неоднозначен. Тогда были свои трудности, здесь и сейчас — другие. Там была политически обреченная   власть, любое сопротивление которой всех объединяло. Здесь — другое. Вы сами произнесли эти слова — золотой телец.

Но… Трагедия сегодняшней жизни не только во всеобщей меркантилизации, а в смещении ориентиров: высокое было объявлено ненужным, а низкое — достойным уважения. Такое «нравственное предпочтение» — это тоже насилие — над душой… И еще, я чувствую кощунственный какой-то обман десятков миллионов людей, которых десятилетиями приучали к рабству, а в 90-е годы как слепых котят выбросили за борт. Хорошо, что мне друзья помогли: Губайдулина, Денисов. Но я знаю музыкантов, которые просто исчезли с горизонта, как будто их никогда и не было. И дело ведь не только в моих коллегах, а в общей ситуации. Как можно так играть людьми? Ведь жизнь человеческая очень коротка.

МО: Мир перевернулся. Что Вам в этой ситуации помогало оставаться самим собой?

АВ: Мне кажется, для этого ничего не надо делать. В каком-то смысле я должен быть благодарен судьбе, невзирая на все трудности, которые пришлось испытать. Стало возможно ездить, исполняться, говорить свободно. Другое дело, какой ценой это все достигнуто. Ценой разлома страны, разлома уклада, разлома надежд. У нас очень любят шоковую терапию. Нет к людям достойного отношения. Мы ищем только сверху причину, а не надо далеко искать: достаточно выйти на улицу и посмотреть, как люди обращаются друг к другу, как разговаривают. Ничтожных людей, как таковых, нет.  И видя примеры смягчения нравов, хочется надеяться, что мы все придем к пониманию того, что высшая ценность — это человек.

Основные сочинения А. Вустина:

«Соната для шести» (1973)
«Ноктюрны» (1971 – 1982)
«Слово» (1975) для духовых и ударных
«Памяти Бориса Клюзнера» (1977) для голоса, скрипки, альта, виолончели и контрабаса, на автобиографический текст Ю. Олеши
«Memoria-2» (1978) концерт для ударных, клавишных и струнных
«Возвращенье домой» (1981) на стихи Д. Щедровицкого
«Посвящение Бетховену» («Hommage à Beethoven», 1984), концерт для ударных и малого симфонического оркестра
«Праздник» (1987) для детского и смешанного хоров и симфонического оркестра на тексты русских певческих книг XVII века
«Влюбленный дьявол» (1975 – 1989), опера по Ж. Казотту, либретто В. Хачатурова
«Белая музыка» (1990) для органа
«Героическая колыбельная» (1991) для ансамбля, посвящена А. Раскатову
«Музыка для десяти» (1991) на текст Ж.-Ф. Лагарпа
«Agnus Dei» (1993) для смешанного хора, ударных и органа
«Музыка для Ангела» (1995) для саксофона, вибрафона и виолончели
«Песня из романа Платонова» (1995) для хора и оркестра
«Исчезновение» (1995) для баяна, виолончели и струнного оркестра
Трио (1998) для фортепиано, скрипки и виолончели
«Sine Nomine» (2000) для оркестра
«Голос» (2001) для альта (меццо-сопрано) соло, стихи О. Седаковой
Credo (2004) для ансамбля
«Театр» (2006) для голоса (меццо-сопрано) и ансамбля на стихи Д. Щедровицкого
«Музыкальная жертва» (2007) для виолончели и фортепиано
«Поиски звука» (2008) для солирующих колоколов и оркестра
«Canticum canticorum» («Песнь Песней», 2010) для голосов и ансамбля
«Литания» (2011) для ударных, голосов и органа
«Из жизни эльфов» (2011) для фортепиано, скрипки и виолончели
«Ветер» (2012), кантата на тексты А. Блока (2013)

Запись Александр Вустин: «Я ощущаю себя свободным» впервые появилась Газета "Музыкальное обозрение".

]]>
24 апреля — 75 лет композитору Александру Вустину http://muzobozrenie.ru/24-aprelya-75-let-kompozitoru-aleksandru-vustinu/ Tue, 24 Apr 2018 15:05:36 +0000 http://muzobozrenie.ru/?p=32815 А. Вустин стал одним из зачинателей второй волны русского авангарда: с начала 90-х годов, наряду с Э. Денисовым и В. Екимовским, он — один из лидеров Ассоциации современной музыки (АСМ-2)

Запись 24 апреля — 75 лет композитору Александру Вустину впервые появилась Газета "Музыкальное обозрение".

]]>
Александр Вустин входит в когорту ведущих современных российских композиторов. Один из лидеров российского музыкального авангарда, активный участник возрождения Ассоциации современной музыки в 90-х годах ХХ века. С 2016 года — композитор-резидент Государственного академического симфонического оркестра России имени Е.Ф. Светланова.

Александр Вустин родился 24 апреля 1943 года в Москве. В 1961 году окончил музыкальное училище при Московской консерватории (в числе его педагогов — Д. Блюм и Г. Фрид), в 1969 — Московскую консерваторию по классу композиции у В. Фере.

Среди учителей А. Вустина был выдающийся музыковед и педагог Ф. Гершкович. Большой духовный и творческий опыт он получил в общении и дружбе со старшими коллегами Э. Денисовым, С. Губайдулиной.

В 1969 – 1974 гг. А. Вустин работал музыкальным редактором Всесоюзного радио, с 1975 по 2010 гг. в издательстве «Композитор».

А. Вустин стал одним из зачинателей второй волны русского авангарда: с начала 90-х годов, наряду с Э. Денисовым и В. Екимовским, он — один из лидеров Ассоциации современной музыки (АСМ-2).

Произведения композитора исполняются на фестивалях «Московская осень», «Музыкальный форум». Его музыка звучала в Австрии и Германии, Франции и США, Швейцарии и Голландии.

В исполнении произведений А. Вустина участвовали Ансамбль солистов Госоркестра (дирижер Ю. Николаевский), Ансамбль солистов ГАБТа (дирижер А. Лазарев); Оркестр кинематографии (дирижеры В. Кожухарь, В. Понькин); Московский ансамбль современной музыки п/у А. Виноградова; «Шенберг-ансамбль» п/у Л. Маркиза и Р. де Леу; оркестр Radiofilarmoia (дирижер Э. Клас); Московский Новый Хор п/у Е. Растворовой; Свободный камерный оркестр Берлина п/у К. Хагеля; ансамбль «Студия новой музыки» п/у В. Тарнопольмкого (дирижер И. Дронов); Трио К. Делангль (саксофон), Ж. Жоффруа (вибрафон), В. Вестфаль (виолончель); Струнный квартет Sine Nomine; Симфонический оркестр ВВС п/у М. Браббинса; Камерный оркестр и детский хор г. Фреден; ансамбль Seattle ChamberPlayers; ансамбль М. Пекарского; солисты Г. Кремер, А. Ивашкин, Л. Давыдова, Е. Васильева, И. Соколов и многие другие хорошо известные российские и зарубежные исполнители и коллективы.

Произведения А. Вустина неоднократно издавались издательствами «Советский композитор», «Композитор», «Музыка», M.P.Belaieff, Henry Lemoine, Hans Sikorski.

В 2002 году А. Вустин был назван лауреатом газеты «Музыкальное обозрение» в рейтинге «Персоны и события» (номинация «Композитор года».

В 2004 — один из авторов Концерта для симфонического оркестра «Десять взглядов на десять заповедей» (коллективное сочинение, посвященное 15-летию «МО»).

Творчеству композитора посвящена книга Д. Шульгина «Музыкальные истины Александра Вустина» (М., 2008), статья В. Ценовой в сборнике «Музыка из бывшего СССР» (вып. 1, М., 1994).

С 2016 года Александр Вустин — композитор-резидент Госоркестра России им. Светланова. На эту позицию он был приглашен по инициативе художественного руководителя коллектива Владимира Юровского.

«Музыку Александра Вустина я знаю и изучаю уже давно, — говорит В. Юровский. — Его положение в современной музыкальной жизни особое. О нем с восхищением говорят и музыканты, и музыковеды, и критики, и, что довольно редко бывает в творческой среде, коллеги-композиторы.

А еще меня поражает, с какой теплотой, с каким знанием, тактом, вкусом и сам Вустин отзывается о чужой музыке. Он открыт самым разным течениям, но при этом неизменно сохраняет собственное лицо. Для меня его творчество находится на стыке российских и европейских традиций, и очень жаль, что по какой-то причине он до сих пор был мало востребован как автор симфонических партитур. Отчасти именно поэтому мне показалось интересным пригласить его к сотрудничеству — как композитора, для которого написание оркестрового сочинения станет значительным событием.

Есть и иные причины. Сейчас публика филармоническая и публика, интересующаяся современной музыкой академического толка, к сожалению, пересекаются достаточно редко. Кроме того, велика еще настороженность, которую питают и слушатели, и исполнители по отношению к новым произведениям. Присутствие в одной программе давно признанных шедевров и буквально только что созданных выдающихся опусов как раз и призвано помочь решить эту насущную задачу.

Госоркестр берет на себя задачу целенаправленно пропагандировать творчество одного из современных композиторов, причем композитора такого значения, что играть его музыку для нас будет честью и радостью. Я надеюсь, наша инициатива станет началом долгой и очень нужной традиции».

Запись 24 апреля — 75 лет композитору Александру Вустину впервые появилась Газета "Музыкальное обозрение".

]]>
Мистическая симфония: моноспектакль «Портрет» по мотивам повести Гоголя поставили во Владимире http://muzobozrenie.ru/misticheskaya-simfoniya-monospektakl-portret-po-motivam-povesti-gogolya-postavili-vo-vladimire/ Tue, 24 Apr 2018 14:11:56 +0000 http://muzobozrenie.ru/?p=32795 В столице Владимирской области в рамках фестиваля к 20-летию Губернаторского симфонического оркестра поставили симфонический моноспектакль по мотивам повести Гоголя «Портрет»

Запись Мистическая симфония: моноспектакль «Портрет» по мотивам повести Гоголя поставили во Владимире впервые появилась Газета "Музыкальное обозрение".

]]>
В столице Владимирской области в рамках фестиваля к 20-летию Губернаторского симфонического оркестра поставили симфонический моноспектакль по мотивам повести Гоголя «Портрет», главную роль в котором сыграл известный актер театра и кино Евгений Ткачук.

Во Владимире завершилась серия грандиозных концертных программ в честь 20-летнего юбилея Владимирского губернаторского симфонического оркестра. Череду экспериментальных концертов завершил симфонический спектакль по мотивам повести Николая Гоголя «Портрет». Финальный «аккорд» собрал в Центре классической музыки полный зал зрителей.

Как и обещал ранее директор Центра классической музыки, главный дирижёр Владимирского губернаторского оркестра Артём Маркин, фестивальные события охватили большой пласт истории музыки и получились всеобъемлющими.

В честь открытия более 300 музыкантов, в том числе из Ярославля и Твери, исполнили для владимирской публики «Симфонию тысячи участников» Густава Малера, написанную в начале 20 века. Не остались без внимания гениальные произведения композиторов 18 века: культовый французский клавесинист Жан Рондо приехал во Владимир, чтобы дать несколько концертов на новом клавесине.

Моноспектакль по гоголевскому «Портрету» стал уникальным проектом, над которым совместно работали Губернаторский оркестр и известный российский актёр театра и кино, режиссёр и сценарист Евгений Ткачук. Автором инсценировки стал сам Ткачук, а музыкальную «ткань» спектакля создал композитор и аранжировщик Кирилл Уманский.

Гоголевский «Портрет» в мистическом ключе повествует о муках творчества, о том, что только незамутненный и бескорыстный талант может создать нечто действительно божественное и насколько губительным для таланта оказываются деньги. Гоголь в своей небольшой повести поднимает извечное противостояние материального и духовного начал в жизни любого творца и наглядно демонстрирует, к какому безумию, алчности и зависти может прийти проданная за гроши в угоду публике душа, неспособная более сотворить нечто чистое и бескорыстное.

Постановка получилась по-гоголевски мистической и особенно проникновенной за счет тщательно подобранного музыкального сопровождения. Само действо началось, когда в зале Центра классической музыки стали собираться первые зрители: в свете свечей главный герой вполголоса читал церковные молитвы, – это стало занимательным прологом, который настраивал зрителей на нужный лад.

Большое внимание в постановке уделялось освещению и игре света и теней: причудливые фигуры отображались на стенах и потолке зала, подчеркивая трагический подтекст истории. Минималистические декорации – задернутые шторы на окнах, развешенные картинные рамы, высокие подсвечники со свечами, почтовый ящик и главное – картина, запечатлевшая ростовщика, – смогли передать нужную атмосферу.

Главному герою, роль которого исполнил Евгений Ткачук, удавалось постоянно держать зрителей в напряжении, действием было охвачено все пространство зала классической музыки. Симфоническая музыка – Бах, Шостакович, Шнитке, Чайковский, авторская музыка Кирилла Уманского, – подчеркивала и трагические события, и переживания в жизни главного героя.

Финальным «экспериментом в эксперименте» для постановки стало наложение соло электрогитары на классическую музыку.

Пожалуй, самым радостным для потенциальных зрителей станет тот факт, что постановка симфонического спектакля в Центре классической музыки не будет единственной: Артем Маркин уже заявил о планах продемонстрировать экспериментальную постановку на одном из многочисленных российских кинофестивалей в рамках дополнительной программы.

Запись Мистическая симфония: моноспектакль «Портрет» по мотивам повести Гоголя поставили во Владимире впервые появилась Газета "Музыкальное обозрение".

]]>
Артем Маркин: о себе, работе, творчестве и политике http://muzobozrenie.ru/artem-markin-o-sebe-rabote-tvorchestve-i-politike/ Tue, 24 Apr 2018 13:34:59 +0000 http://muzobozrenie.ru/?p=32787 Губернаторский симфонический оркестр 11 апреля 2018 года отмечает круглую дату - 20 лет с момента основания. К двадцатилетию оркестра приурочен целый фестиваль, который начался с грандиозного концерта-открытия. Он, по словам маэстро Артема Маркина — «фестиваль в фестивале»

Запись Артем Маркин: о себе, работе, творчестве и политике впервые появилась Газета "Музыкальное обозрение".

]]>
Губернаторский симфонический оркестр 11 апреля 2018 года отмечает круглую дату – 20 лет с момента основания. К двадцатилетию оркестра приурочен целый фестиваль, который начался с грандиозного концерта-открытия. Он, по словам маэстро Артема Маркина — «фестиваль в фестивале».

Впервые во Владимире прозвучало самое монументальное произведение Густава Малера, «Симфония тысячи» – Восьмая симфония. Одно из самых масштабных симфонических произведений в мировом репертуаре требует  огромных вокальных и инструментальных сил. На сцену Центра классической музыки в этот вечер вышли около 300 музыкантов.

Двадцатилетие Губернаторского симфонического оркестра – прекрасный повод пообщаться с главным человеком этого музыкального коллектива – дирижером и директором Артемом Маркиным.

О себе

Я, как человек занимающийся творчеством, вижу себя через призму искусства. Не могу давать себе какую-либо оценку. Да и вообще, сложно рассказывать что-то о себе со стороны стороннего наблюдателя.

О хобби

Этот вопрос всегда ставит меня в тупик. Я никогда не знаю, как на него правильно ответить. Моя работа, наверное, и является моим хобби. Она слита с ним воедино. Один человек у нас в оркестре очень любит рыбалку. Я же увлечен музыкой на 100 процентов.

О коллективе

В творческой среде принято говорить что рабочий коллектив – это сплоченная группа единомышленников. Полной правдой это никогда не будет, но все привыкли так отвечать. Возможно, это потому, что наши зрители и слушатели хотят видеть нас выше обычных человеческих проблем. Но коллектив музыкантов, как и других работников искусств, прежде всего, представляет из себя обычный срез общества.

О человеческой разнице

Все музыканты нашего оркестра объединены одной профессией. Но наша разница иногда перекрывает общность искуства и больше разъединяет. Если эта разница носит какой-то катастрофический масштаб, то люди в коллективе работать перестают. Но баланс надо искать. Если мы отличаемся настолько, насколько мы схожи, значит работать вместе можно.

О человеческой разнице

Все музыканты нашего оркестра объединены одной профессией. Но наша разница иногда перекрывает общность искуства и больше разъединяет. Если эта разница носит какой-то катастрофический масштаб, то люди в коллективе работать перестают. Но баланс надо искать. Если мы отличаемся настолько, насколько мы схожи, значит работать вместе можно.

Об адаптации

В процессе работы есть два важных момента. Это общение с дирижером и адаптация в коллективе. Причем второй момент зачастую бывает даже важнее. Адаптацию в коллективе не каждый может пройти. Здесь есть и элемент каких-то взаимных уступок и взаимопонимания. Не должно быть быть перебора с эгоизмом. Разница между людьми должна уравновешиваться общностью.

О мнении большинства

В нашей работе важное место занимает подчинение мнению большинства. Что самое интересное, оно чаще всего бывает правильным. Не бывает такого, чтобы все ошибались, а только одно мнение верное. Поэтому я не могу сказать, что быть ведомым обществом – это плохо.

О подчинении

Как руководитель большого творческого коллектива, считаю очень важным уметь подчиняться своим коллегам. Я рад получить мнение коллектива, а когда его нет, приходится включать функцию руководителя. Приходится что-то предлагать, на чем-то настаивать. Но надо делать это, учитывая мнения коллектива. Часто бывает, что в итоге появляется совершенно иной, отличный, но гораздо более успешный путь.

О политике

Оценивать деятельность нашего губернатора можно с разных точек зрения. Я как, человек близкий к искусству, могу анализировать ее исключительно через призму культурной жизни региона. За последние пять лет мы сделали очень большой шаг в этом направлении. У нас уже ежегодно проходят такие крупные музыкальные события как «Музыкальная экспедиция», «Лето Господне», Танеевский фестиваль и многие другие.

О подготовке кадров

Сейчас в музыкальные школы закупают новые современные инструменты, теперь у нас есть хорошо функционирующая, разноуровневая база подготовки музыкантов. Мы своими силами можем воспитывать себе творческую смену с самого начала. Более того, получать хорошее и качественное образование, может не только в областном центре, но и в небольших городах нашей области. Если бы на эту сферу не обращало внимание администрация Владимирской области, то всего бы этого не было.

Немного истории:

Официально история оркестра начинается с 16 ноября 1998 года. Именно тогда, 20 лет назад, вышло Постановление Главы Администрации Владимирской области Н.В.Виноградова № 797 «О создании Владимирского Губернаторского симфонического оркестра». Оркестр возглавил Артём Маркин, ученик выдающегося маэстро Арнольда Каца. Кстати, первая репетиция оркестра состоялась 1 апреля – за восемь месяцев до получения официального статуса.

За двадцать сезонов Владимирский Губернаторский симфонический оркестр под руководством А.Маркина исполнил более 500 концертных программ, включающих симфонические и камерные произведения, оперы в концертном исполнении («Кармен», «Евгений Онегин», «Алеко»), композиции в стилях симфо-джаз и симфо-рок, мюзикл “Гардемарины”. ВГСО неоднократно выступал с монографическими программами на лучших сценах Москвы – в Большом и Рахманиновском залах Московской Государственной Консерватории, Концертном Зале им. П.И. Чайковского, Московском Международном Доме Музыки. Записано три компакт диска – «Неосимфоджаз», «Симфоническая музыка Чайковского», «Сингапур» Владимира Мартынова.

Постоянными творческими партнерами Владимирского Губернаторского симфонического оркестра являются выдающиеся музыканты – звезды мирового исполнительского искусства: Николай Петров, Денис Мацуев, Николай Луганский, Бориc Березовский, Александр Гиндин, Екатерина Мечетина, Полина Осетинская, Вадим Руденко, Татьяна Гринденко, Алена Баева, Дмитрий Коган, Никита Борисоглебский, Борис Бровцын, Даниил Гришин, Александр Князев, Борис Андрианов, Денис Шаповалов. С февраля 2004 года репетиционной и концертной базой ВГСО является новый Зал классической музыки, зарекомендовавший себя одним из передовых центров музыкальной культуры России.

Источник публикации Владимирские новости, 11.04.2018

Запись Артем Маркин: о себе, работе, творчестве и политике впервые появилась Газета "Музыкальное обозрение".

]]>
Даниэль Баренбойм вернул премию «Эхо» в знак протеста http://muzobozrenie.ru/danie-l-barenbojm-vernul-premiyu-e-ho-v-znak-protesta/ Tue, 24 Apr 2018 10:19:39 +0000 http://muzobozrenie.ru/?p=32781 Пианист и дирижер Даниэль Баренбойм и оба возглавляемых им оркестра – государственная капелла Берлина и арабо-израильский оркестр молодых музыкантов West-Eastern Divan Orchestra вернули свои премии “Эхо” в знак протеста против присуждения премии рэперам Kollegah und Farid Bang. По мнению Байренбойма и его коллег, альбом рэперов содержит антисемитские, гомофобные и другие “унижающие людей тексты”, а реакция […]

Запись Даниэль Баренбойм вернул премию «Эхо» в знак протеста впервые появилась Газета "Музыкальное обозрение".

]]>
Пианист и дирижер Даниэль Баренбойм и оба возглавляемых им оркестра – государственная капелла Берлина и арабо-израильский оркестр молодых музыкантов West-Eastern Divan Orchestra вернули свои премии “Эхо” в знак протеста против присуждения премии рэперам Kollegah und Farid Bang. По мнению Байренбойма и его коллег, альбом рэперов содержит антисемитские, гомофобные и другие “унижающие людей тексты”, а реакция оргкомитета премии “Эхо” “весьма невнятна”.

До этого свои премии “Эхо” вернул известный немецкий рок-музыкант и актер Вестернхаген. В заявлении Баренбойма, в частности, говорится, что “свобода мнений и свобода творчества относятся к важнейшим достижениям открытого демократического общества”. Однако в заявлении отмечается, что любой свободе сопутствует и ответственность, в частности, ответственность в уважении достоинства других людей.

“Это убеждение является основой моих мыслей гражданина и моей работы в искусстве. Антисемитизм, гомофобия, ненависть к женщинам – мизогиния, презрения к слабым или к тем или иным меньшинствам являются злоупотреблением свободой, к которому мы, как общество, не имеем права относиться с терпимостью. Мы обязаны возвышать свой голос против подобных явлений и не имеем права их поддерживать и, таким образом, усиливать, а давая им премии, еще и легитимизировать. В противоположность этому мы должны сегодня больше, чем когда-либо бороться за человечность, взаимное уважение и сочувствие”, — говорится в заявлении Баренбойма.

С критикой рэперов и оргкомитета, присуждающего премии, выступили многие германские музыканты, в частности звезда поп-музыки, исполнительница шлягеров, рекордсменка по числу премий “Эхо” русская немка по происхождению Хелена Фишер.

“Эхо” (Echo Music Prize, или ECHO) считается самой престижной германской музыкальной премией, вручаемой за выдающиеся достижения в области звукозаписи в различных номинациях — от классики до рэпа. Существует с 1992 года.

Источник публикации Радио Свобода, 23.04.2018, Юрий Векслер

Запись Даниэль Баренбойм вернул премию «Эхо» в знак протеста впервые появилась Газета "Музыкальное обозрение".

]]>
25 апреля — заключительный концерт абонемента «WWW.БАЯН.РУ. Звезды баяна и аккордеона» сезона 2017/18. Айдар Салахов (баян). Представление и интервью – Андрей Устинов http://muzobozrenie.ru/25-aprelya-zaklyuchitel-ny-j-kontsert-abonementa-www-bayan-ru-zvezdy-bayana-i-akkordeona-sezona-2017-18-ajdar-salahov-bayan-predstavlenie-i-interv-yu-andrej-ustinov/ Tue, 24 Apr 2018 09:40:53 +0000 http://muzobozrenie.ru/?p=32774 Запись 25 апреля — заключительный концерт абонемента «WWW.БАЯН.РУ. Звезды баяна и аккордеона» сезона 2017/18. Айдар Салахов (баян). Представление и интервью – Андрей Устинов впервые появилась Газета "Музыкальное обозрение".

]]>

Московская филармония и газета «Музыкальное обозрение» представляют абонемент «WWW.БАЯН.РУ. Звезды баяна и аккордеона» с участием мастеров исполнительства на этих инструментах. Заключительный концерт абонемента сезона 2017/18 состоится 25 апреля 2018 года. Айдар Салахов (баян). Автор и ведущий  — главный редактор газеты «Музыкальное обозрение» Андрей Устинов.

www.баян.ru.
Звёзды баяна и аккордеона
25 апреля 2018, начало в 19:00
Камерный зал Филармонии

Айдар Салахов (баян)
Андрей Устинов (представление программ и исполнителей)
Ансамбль Elegato
Айдар Салахов (баян)
Дмитрий Тарбеев (контрабас)

В ПРОГРАММЕ:

Вивальди
«Зима» (1 часть)

Чайковский
«Думка»

Мендельсон
«Песня за прялкой» из цикла «Песни без слов»

Мурена – Коломбо
Вальс-мюзет «Равнодушие»
Татарская народная песня «Апипа»

Римский-Корсаков
Вторая песня Леля из оперы «Снегурочка» (переложение для баяна и контрабаса Салахова и Тарбеева)

Салахов – Тарбеев
«Случайная встреча» для баяна и контрабаса

Тарбеев, Салахов
«Горная тропа» для баяна и контрабаса

Кориа
«Фиеста»

Де Абреу
«Тико-тико»

Гардель
Танго из кинофильма «Запах женщины»

Тарбеев – Салахов
“Elegato” для ансамбля

Паганини
Каприс № 24

Донато
“Ella es Asi”

Таланов
“Aura”

Амиго
“Roma”

Петерсбургский
«Утомлённое солнце»

Эллингтон
«Караван»
Поппури на популярные темы

Салахов, Тарбеев
Фантазия на татарские темы

Салахов – Тарбеев
“Improve”

Запись 25 апреля — заключительный концерт абонемента «WWW.БАЯН.РУ. Звезды баяна и аккордеона» сезона 2017/18. Айдар Салахов (баян). Представление и интервью – Андрей Устинов впервые появилась Газета "Музыкальное обозрение".

]]>
Конским волосом по струнам рояля http://muzobozrenie.ru/konskim-volosom-po-strunam-royalya/ Mon, 23 Apr 2018 17:18:05 +0000 http://muzobozrenie.ru/?p=32768 Фестиваль «Наурзыз-21» в Казахстане делает первые серьезные шаги в освоении новой музыки, уже осмысленные и уверенные

Запись Конским волосом по струнам рояля впервые появилась Газета "Музыкальное обозрение".

]]>
Ещё несколько лет назад Дягилевский фестиваль в Перми был уютным, но локальным событием, а Московский фестиваль «Другое пространство» ютился в камерных залах Филармонии. Сегодня их границы так расширились, что на летние события на Урале скупают билеты за несколько часов, а концерт Юровского на «Другом пространстве» в огромном амфитеатре становится «музыкальной переписью Москвы» (см. «НГ» от 10.11.16). Фестиваль «Наурзыз-21» в Казахстане делает первые серьезные шаги в освоении новой музыки, уже осмысленные и уверенные. Любителям современного искусства город Алма-Аты (Алматы) пора отмечать на карте как must go: такой концентрат музыкантов мирового класса и организационный уровень фестиваля может соперничать с самыми успешными русскими и зарубежными проектами.

«Наурыз-21» проводится в седьмой раз на базе национальной консерватории им. Курмангазы, и уже получил большой кредит доверия у аудитории: единственный фестиваль новой музыки в Центрально-Азиатском регионе и Казахстане каждые два года собирает дружественный очаг вокруг непривычного, живого и актуального искусства. В этом году он обрёл по-настоящему высокий градус значимости. Конкретные цифры – 12 казахстанских и 4 мировых премьеры за четыре дня – выглядят очень солидно, но главная ценность – хедлайнеры фестиваля.

Художественный руководитель Санжар Байтереков пригласил в казахстанский город музыкантов из Франции, Австрии, Италии, Израиля и России, и дело даже не в расширении географических горизонтов: уровень приглашённых гостей достигнул олимпийский вершин. Сами организаторы, кажется, не могли поверить, что главные фигуры современной музыки– композиторы Тристан Мюрай и Клаус Ланг, флейтист Марио Кароли, ансамбль Nikel, скрипач Владислав Песини, дирижёр Фёдор Леднёв – приняли участие в фестивале. Уж что говорить о поражённых слушателях, многие из которых впервые услышали новозвучия европейских авторов.

Структура фестиваля сложилась стройная и насыщенная по интенсивности. С самого утра проходили лекции и мастер-классы гостей фестиваля с учащимися консерватории. Запомнились удивлённые глаза студентов во время игры конским волосом по струнам рояля от Антуана Француаза из Nikel, скрупулёзный разбор шести тактов из пьесы для электрогитары от Ярона Дойча и игра обертонами на органе от Клауса Ланга.

Приглашённые композиторы Ланг и Мюрай встречались со слушателями каждый день, рассказывая о методах своей работы, а на вечерних концертах вместе с ними наблюдали за жизнью своих пьес. Язык их сочинений перепутать сложно, хотя они оба работают с акустическими объектами, смешивая обертоны звуков. Мюрай всемирно известен как отец спектрального анализа – в 70-х годах он с французскими коллегами с помощью компьютера разобрал звук почти до атомарных основ. Он использует гармоники – призвуки одного тона – для создания мелодических линий и оркестровых вертикалей, но собирает их в очень разные композиции. На трёх концертах прозвучали напряженно-набухающая оркестровая пьеса«Reflections I», «Vampyr!» для электрогитары, который качает, как соло гитаристов Карлоса Сантана и Эрика Кдэптона. И красочно-мерцающие «13 цветов заходящего солнца», уже вошедшие в репертуар многих ансамблей новой музыки.

K. Lang – фамилия с инициалом Клауса Ланга – с немецкого переводится как «звук», и именно звук становится у него объектом искусства. Композитор с детства играет на органе, и, видимо, выбрал его звучание за образец: объемный, вибрирующий гул, исходящий из сотни труб слышится в сочинениях совсем другого состава инструментов. Будь то оркестр или ансамбль, из тишины возникают длительные, едва трепещущие биения волн с постепенным уплотнением акустической массы, и переносят в космическое пространство вне времени. Говорят, в городе сформировался целый фан-клуб любителей его пространственных композиций, что, впрочем, неудивительно.

Пьесы казахстанских композиторов звучали почти каждый день и подавляющее большинство без всяких скидок вписалось в уровень европейских программ: тут и более старшее поколение, как, например, Владимир Стригоцкий-Пак и Ольга Хромова, и совсем начинающее – Рахат-Би Абдысагин. Произведения первого вечера показывают этот диалог очень наглядно. Тройной состав Государственного оркестра исполнил «Толгау» известного композитора Актоты Раимкуловой, занимающей сейчас пост вице-министра культуры и спорта в Казахстане, и «Гелиос» Санжара Бейтерекова, выпускника Московской консерватории, собравшего сам фестиваль. Симфоническая поэма Раимкуловой находится в зоне кульминации казахстанской музыки, где ещё прослушиваются национальные отзвуки в окаймлении полнокровных техник композиции ХХ века, а концерт для скрипки Бейтерекова делает шаг в новые горизонты. Первые громогласные аккорды оркестра и взлетающие стрелы пассажей у солиста Владислава Песина сжигают догматы традиционных мотивов, переводя в модус жестких, упругих и бескомпромиссных категорий.

Дирижёр Фёдор Леднёв обозначил крайние точки музыкальных событий, в первый день выступив с государственным оркестром, а в заключительный – с единственным ансамблем современной музыки в Казахстане «Игеру».

Количество исполнителей на открытии фестиваля впечатлило: создать такой масштаб в новой эстетике без лирических мелодий и тональностей исключительно само по себе, не говоря уже о достижении качества. Опытный маэстро из Санкт-Петербурга неделю колдовал с оркестром, что тот в итоге то пылал ядреной эмоциональной силой и замирал в нужных моментах, то окутывал зал обволакивающими сонорными объятиями.

Молодой ансамбль «Игеру» за два с половиной года уже полюбился местным зрителям, и в заключительный вечер фестиваля показал себя совсем взрослым коллективом. Не только зрители, но и композиторы горячо благодарили исполнителей и дирижёра после концерта, а русский автор Олег Пайбердин, которому не удалось добраться до фестиваля, оставил свой хвалебный отзыв под видео на Facebook. И действительно, его «Guohua» можно назвать едва ли не главным открытием вечера: с музыкой казахстанских авторов многие слушатели уже знакомы по другим сочинениям, а к магнетической музыке Мюрая и Ланга уже успели немного привыкнуть.

Пьеса Пайбердина с отсылкой к древней китайской живописи, с её концентрацией, пластичными линиями и энергичными бликами удачно взаимодействовала с французской колористикой «13 цветов заходящего солнца».

Центральную часть концертов заняли выступления гостей. Команда израильского ансамбля Nikel подобрала контрастную программу: тут и медитативный Ланг, и электрошоковый Мюрай для электрогитары, и немного буйный цикл Энно Поппе «Fleisch». Пьеса Энн Клир«The square of yellow light that is your window» и вовсе получилась арт-объектом: к примочкам у ударных все уже как-то готовы, но наблюдать за игрой на электрогитаре, лежащей на столе, и за сменой приспособлений для струн рояля под гулкие высказывания саксофона любопытно даже избалованному слушателю. Дребезжащие звоны и струны соединились в органичную фактуру, поэтому публика хотя и удивилась, но благодарила восторженно.

В сфере перформативности с ними явно соперничал итальянский атлант Марио Кароли. Королями звука на фестивале были все, но он на своём сольном концерте разложил флейтовый тон на тысячи осколков, совместил с собственным голосом и почти приблизился к танцу, введя публику в гипнотическое потрясение. Он менял инструменты, обращаясь к густым краскам альтовой версии флейты, переходил по сцене от пульта к пульту, мучая присутствующих вопросом взаимодействия пространства и самих пьес, но никому в голову не пришёл вопрос об оскорблении эстетических чувств или (не) художественности музыки. Щелчки клапанов, удары языком, присвисты, мультифоны – весь существующий спектр классики новых приемов игра на флейте приняли очень горячо, как и самих современных композиторов– Брайана Фёрнихоу из «новой сложности»,потрясающего соратника Кароли – Сальваторе Шаррино, с его поэтичными вдохами-выдохами, экзотику из Ирана, Японии, Румынии (Дойна Ротару написала пьесу специально для Марио), и, конечно, мастера из Казахстана – Бейбита Дальденбая с его мировой премьерой.

Выбор сочинений и исполнителей определяет суть любого фестиваля, но когда речь идёт о современных сочинениях – зона риска повышается до нервно-мигающей красной лампочки. Шорохи, скрежеты, звоны в партитуре могут вдохновить и поразить, но также напугать и довести до раздражения, поэтому сделаешь шаг не в ту сторону – и с первых звуков рискуешь навсегда отбить интерес к новой музыке вообще.

После концертов «Наурыз-21» восхищённые и озадаченные зрители, никогда прежде не сталкивающихся с подобными звучаниями, обсуждали свои впечатления и начали переосмысление музыки как категории – что это, как работает, почему именно так. Сработало позитивное движение навстречу друг другу организаторов и публики фестиваля: первые скрупулезно подобрали программу, со всеми компромиссами и рисками, вторые открыто пошли на контакт с неизвестным.

Примерно так должно быть реагировали в России, когда в 90-е годы нам нанесли визиты Штокхаузен и Лахенман, открывая дверь в незнакомый звуковой мир, еще недавно закрытый политическими засовами. Сегодня в эпоху глобализации и интернет-паутины, познакомиться с сочинениями первых имён новой музыки может каждый зашедший на Уoutube, но их записи не лежат на поверхности и не входят в рекламные предложения. Личные встречи с создателями музыки и живое исполнение в десятки раз увеличивает силу воздействия и формируют нужную позицию в принятии даже самых странных и необычных явлений.

Источник публикации Независимая газета, 19.04.2018, Татьяна Яковлева

Запись Конским волосом по струнам рояля впервые появилась Газета "Музыкальное обозрение".

]]>
Быть или не быть музыкальной критике? http://muzobozrenie.ru/by-t-ili-ne-by-t-muzy-kal-noj-kritike/ Mon, 23 Apr 2018 16:55:12 +0000 http://muzobozrenie.ru/?p=32755 Пятый Транссибирский Арт-фестиваль решил обеспечить арт-критикам образовательную базу и возможность обмена мнениями и мыслями и открыл Академию арт-журналистики

Запись Быть или не быть музыкальной критике? впервые появилась Газета "Музыкальное обозрение".

]]>

«Говорить о музыке – всё равно, что танцевать об архитектуре»,

– припечатал профессию музыкального критика американский актер Стив Мартин. Однако музыка и музыкальная критика всегда идут рука об руку, и обращать музыку в буквы труженики пера будут до тех пор, пока не растает финальная нота прощальной мелодии в тишине гибнущего мира.

«Я верю, что, рождаясь в жизнь, художественное произведение в свою очередь рождает вокруг себя энергию мысли»,

– сказал музыковед и композитор Борис Асафьев, подтверждая, что рефлексия творческого процесса в текстах журналистов – вещь неизбежная и дружественная этому процессу.

Писать об искусстве нужно, и нужно делать это хорошо. Пятый Транссибирский Арт-фестиваль решил обеспечить арт-критикам образовательную базу и возможность обмена мнениями и мыслями и открыл Академию арт-журналистики.

“Сущность музыки – откровение, о ней нельзя дать никакого отчета, и подлинная музыкальная критика есть наука, основанная на откровении”.

Генрих Гейне (1797 – 1856), немецкий поэт

Занятия Академии прошли с 19 по 22 марта 2018 года. Ее участников гостеприимно приютил ДК «Энергия» г. Новосибирска, руководитель которого Анастасия Медведко всегда покровительствует творческим образовательным проектам Транссибирского Арт-фестиваля.

Куратором академии стал известный московский журналист, главный редактор газеты и интернет-издания «Музыкальное обозрение» Андрей Устинов.

В своей приветственной речи на открытии Академии Андрей Устинов задает вопрос аудитории:

«Есть ли будущее у музыкальной журналистики?»

Вопрос виснет в воздухе, повторённый многократно, и становится пусковым механизмом к четырехдневным обменам мнениями, дискуссиям, вопросам от студентов, рассуждениям преподавателей.

Первым ответом на этот вопрос стал многочисленный наплыв кандидатов, желающих стать студентами Академии: послушать о том, как решаются судьбы музыкальной и театральной критической мысли в России, явилась почти сотня человек. Срез аудитории трудно определить даже приблизительно: тема оказалась горячо интересной и совсем юным студентам, которые прибыли целыми делегациями во главе с преподавателями, и работникам пресс-служб различных филармоний и театров.

Даже кандидатам искусствоведческих наук и доцентам университетов захотелось освежить свои знания и вновь побывать на учебной скамье.

“Квалифицированный критик может ошибаться более квалифицированно”.

Манфред Хинрих (р. 1926), немецкий музыковед

Учебный план был построен таким образом, что лекции спикеров кратко охватили почти все стороны профессии. Внушал уважение и педагогический состав: лучшие перья музыковедческой мысли России приехали в столицу Сибири и откликнулись на зов Фестиваля в Новосибирске, чтобы дать мастер-классы в «Хогвартсе арт-критиков».

Ирина Яськевич, кандидат искусствоведения, проректор по творческой работе Театрального института в Новосибирске, в своей лекции обозначила все типы изданий, пишущих об искусстве, и дала короткую жанровую классификацию текстов арт-журналистики – это было поистине мастерское резюмирование большого объема информации.

Петр Поспелов. Фото Александр Иванов

Критик и композитор Петр Поспелов сосредоточился на любимом жанре – рецензии. Отобрав несколько текстов, автор и редактор газеты «Ведомости» дал подробный редакторский разбор каждого текста.

Эстафету с текстами студентов приняла Юлия Бедерова: известный в музыкальной журналистике автор также подробно рассмотрела несколько присланных рецензий.

Студенты с трепетом ждали этих разборов. Оба журналиста отметили стилистические погрешности в текстах, обилие штампов, канцеляризмов и прочих врагов легкого стиля изложения.

Как научить студентов писать просто о сложном? Отчасти, за эту задачу взялась оперный критик Ая Макарова. Она обучала студентов искусству писать тексты для блога: именно такой формат высказывания о театре и о музыке позволяет отбросить все штампы и стереотипы, выйти за рамки и почувствовать себя свободно в словесном океане осмысления искусства.

И, если тексты студентов, созданные для реальных или предполагаемых СМИ, грешили тяжеловесностью и неповоротливостью способов изложения мыслей, занятия Аи Макаровой помогли студентам расслабиться и отпустить авторский стиль на свободу.

Павел Райгородский. Фото Александр Иванов

При составлении учебного плана преподаватели не обошли вниманием и литературно-издательскую театральную деятельность. Музыковед и редактор издания «Музыкальное обозрение» Павел Райгородский рассказал студентам о правильном оформлении программки для концерта, о критериях точности и целесообразности размещаемой в ней информации.

Его знамя подхватили Татьяна Белова, начальник литературно-издательского отдела Большого театра, и оперный критик Ая Макарова. В их выступлении были представлены все образцы литературно-издательской деятельности театра от внутренних печатных изданий до буклетов и программок к спектаклям.

Обилие образцов упомянутой печатной продукции вызвало волну интереса студентов, – яркими и содержательными текстами о спектаклях Большого театра хотелось зачитываться, позабыв о занятиях.

Невероятно насыщенной новым и увлекательным содержанием стала лекция профессора Высшей Школы Экономики Анны Качкаевой. Журналист и медиаэксперт показала такие возможности работы с медиа-ресурсами, что для многих в тот день случилась переоценка пользы проведенного за компьютером времени.

Анна Качкаева. Фото Александр Иванов

“Ухо критика – гораздо более деликатный орган, чем гортань певца”.

Джордж Бернард Шоу, (1856 – 1950), английский драматург, музыкальный критик

Практическими заданиями для академиков стали посещения всех вечерних концертов Фестиваля. Выступления знаменитого скрипача Гидона Кремера, испанского виолончелиста Пабло Феррандеса, юной скрипачки-виртуоза Леи Чжу, дирижеров Лио Куокмана и Жана-Клода Казадезюса вместе с Новосибирским академическим симфоническим оркестром подпитывали студентов впечатлениями и материалами для рецензий.

Академия провела для учащихся творческие встречи, предоставив своим подопечным возможность пообщаться с куратором Академии Андреем Устиновым и звездами Фестиваля Вадимом Репиным и Гидоном Кремером.

Андрей Устинов посвятил разговор со студентами истории создания и развития газеты и интернет-издания «Музыкальное обозрение». Трудно переоценить влияние этой газеты на музыкальный процесс нашей страны. Ставшая «публичным голосом» Союза композиторов, газета «Музыкальное обозрение» создала ассоциацию музыкальных конкурсов, сделав информацию о них открытой и доступной. Газета сыграла большую роль в создании новой музыки и представлении современных композиторов широкой публике.

Показав студентам видео с фрагментами концертов и перформансов, организованных «Музыкальным обозрением», Андрей Устинов закончил свое выступление рассказом о роли издания в продвижении творчества композитора Мечислава Вайнберга в нашей стране в преддверии его столетнего юбилея.

Творческая встреча с Вадимом Репиным. Фото Александр Иванов

Встреча с Вадимом Репиным, хедлайнером фестиваля, была целиком посвящена диалогу студентов Академии со знаменитым музыкантом.

Академики интересовались творческим и личностным ростом музыканта, особенностями репертуарной политики Фестиваля, педагогическим опытом скрипача, его личными музыкальными пристрастиями. Особенное любопытство студентов вызвала грядущая премьера, написанная для Фестиваля великой Софией Губайдулиной.

Вадим признался, что переговоры с Софией Асгатовной заняли несколько лет, поскольку она берется за выполнение не более двух или трех заказов ежегодно:

– Вот уже несколько лет я стучу в двери ее души. И вдруг получаю сообщение от ее издательства, она согласна! Это большой подарок для меня. Любые три ноты, которые она пишет – гениальны!

Третьим героем творческих встреч со студентами Академии стал легендарный скрипач Гидон Кремер. Знаменитый музыкант начал встречу с показа фильма «Картинки с Востока», созданного совместно с Сандро Канчели, в котором причудливо зарифмованы творчество сирийского скульптора Низара Али Бадри и музыка К. Штокхаузена и Р. Шумана. В фильме Гидон Кремер транслирует в том числе и свою гражданскую позицию:

– Тема беженцев очень актуальна не только в Европе, но и во всем мире. Что-то всколыхнулось в моем сердце, и захотелось что-то сделать.

Творческая встреча с Гидоном Кремером. Фото Александр Иванов

После показа фильма Кремер ответил на вопросы студентов и ведущих Андрея Устинова и Юлии Бедеровой. В разговоре речь шла о том, почему музыканта волнует тема «перемещенных лиц», среди которых было немало композиторов, о проекте, в котором были исполнены 24 прелюдии Мечислава Вайнберга для виолончели соло в переложении для скрипки.

Этот проект стал «встречей двух искусств» – скрипача Гидона Кремера и фотографа Антанаса Суткуса, чьи фотографии дополнили музыкальный образный ряд прелюдий на концерте.

“Музыкальные критики – сторожевые псы музыки”.

Джордж Бернард Шоу (1856 – 1950), английский драматург, музыкальный критик

Итоговым мероприятием Академии стал круглый стол, во время которого куратор Андрей Устинов вновь поднял вопрос, с которого Академия началась: «Есть ли будущее у музыкальной журналистики?»

Все преподаватели Академии – Ирина Яськевич, Петр Поспелов, Ая Макарова, Татьяна Белова, Юлия Бедерова, Анна Качкаева, Екатерина Бирюкова – были единодушны в своем прогнозе: он был оптимистичным.

Круглый стол "Музыкальное журналистика: есть ли будущее?". Фото Александр Иванов

Но более своих преподавателей были оптимистичны учащиеся Академии. И молодые студенты, и взрослые, уже состоявшиеся в этой профессии, сочли открытие Академии событием беспрецедентным и новым, пользу от занятий Академии несомненной, а новые связи, появившиеся в процессе, – бесценными.

Елена Лапшина (пресс-служба Саратовской филармонии):

“Академия стала колоссальным толчком для моего личностного роста. Мы общались здесь с такими людьми – каждый из них настоящая звезда в своей профессии. Меня абсолютно очаровал Петр Поспелов, это потрясающе интеллигентный человек, я получила от него много профессиональных знаний, которые пригодятся мне в работе. Уезжаю с массой идей, которые нужно упорядочить в голове. Очень хочется, чтобы Академия продолжалась и в следующем году”.

Антон Ванчугов, студент 5 курса НГК им. М. И. Глинки, теоретический отдел:

“Это была очень интересная школа, лекторы постарались в очень краткой форме изложить нам всю суть своего опыта, накопленных знаний. Конечно, жаль, что не все тексты успели разобрать, их слишком много. Но разбор даже той малой части, который удалось услышать, будет кладезью для нашего профессионального роста.

Замечательно, что Пятый Транссибирский Арт-фестиваль собрал музыковедов со всей страны. В нашей огромной стране консерваторий не так много, очень приятно, что Академию открыли именно в Новосибирске”.

Дмитрий Варликов, студент 3 курса, НГК им. М. И. Глинки, теоретический отдел:

“Это очень важное мероприятие, рад открытию Академии. Это поможет нам, будущим журналистам, правильно рассказывать о том, что такое музыкальный процесс.  Был затронут дискуссионный вопрос: «Есть ли будущее у музыкальной журналистики?» Мне кажется, благодаря таким мероприятиям, безусловно, это будущее есть”.

Наталья ШКУРАТОВ

Запись Быть или не быть музыкальной критике? впервые появилась Газета "Музыкальное обозрение".

]]>
София Губайдулина: «Музыка — главный источник духовной жизни» http://muzobozrenie.ru/sofiya-gubajdulina-muzy-ka-glavny-j-istochnik-duhovnoj-zhizni/ Mon, 23 Apr 2018 10:54:48 +0000 http://muzobozrenie.ru/?p=32748 Яркой премьерой Транссибирского арт-фестиваля, который продолжается  в Новосибирске, стало произведение классика современной музыки, одного из самых известных российских композиторов Софии Губайдулиной

Запись София Губайдулина: «Музыка — главный источник духовной жизни» впервые появилась Газета "Музыкальное обозрение".

]]>
Яркой премьерой Транссибирского арт-фестиваля, который продолжается  в Новосибирске, стало произведение классика современной музыки, одного из самых известных российских композиторов Софии Губайдулиной. Называется сочинение «Диалог: Я и Ты». Написано по заказу скрипача, художественного руководителя фестиваля Вадима Репина и исполнено им в сопровождении Новосибирского академического симфонического оркестра под руководством Андреса Мустонена. После премьеры София Асгатовна ответила на вопросы «Известий».

— Вы однажды сказали: «Помимо духовного восстановления нет никакой более серьезной причины для сочинения музыки». Как вам кажется, может ли музыка сегодня способствовать восстановлению духовности человека?

— Я думаю, что музыка — главный источник духовной жизни в современном обществе. Конечно, и поэзия, и литература, и живопись, и архитектура способствуют этому. Но музыка — самый непосредственный способ связи между материальным и духовным. Наша жизнь проистекает в пространстве между вещественностью и не-вещественностью. И музыка обладает материалом, который в наибольшей степени способствует движению в этом пространстве, обеспечивает корреспонденцию между материей и духом.

— Роль академической музыки в обществе изменилась по сравнению с временем, когда вы начинали свой творческий путь?

— Да, я чувствую изменения — как раз в сторону движения к материальности. Отношение к искусству и культуре стало более прагматичным, финансовым. Когда я начинала сочинять в раннем детстве, то чувствовала непосредственную жизнь в этом пространстве, без чего-то постороннего. Теперь же вся культурная жизнь стала настолько материальной, что мне кажется особенно важным в принципе сохранить человечеству духовное пространство, которое было в годы моей молодости.

— Считаете ли вы классическое искусство элитарным?

— Считаю. Это не всем доступно. Классика наиболее сложна для восприятия, она не рассчитана на большое количество людей. Это факт. Единственное, на что мы можем надеяться, — что на концерты будет приходить как можно больше публики, которая будет готова слушать. Но такая публика — это и есть интеллектуальная и художественная элита.

— Вы по-прежнему активно сочиняете. Каждый год у вас — премьеры. Что сегодня вас вдохновляет на композицию?

— Прежде всего природа. Пребывание среди деревьев, в поле, созерцание солнца, луны, звезд. Взаимодействие с природой для меня это очень важно.

— В молодости вы жили в столице, но тем не менее всё равно сочиняли. Тогда были другие источники вдохновения? 

— Москва была окружена зеленой зоной, и я всё время питалась этой природой, когда жила в городе. Тогда еще не было такого криминального состояния экологии. Когда оно наступило, я почувствовала, что оторвана от основного источника.

— В авторской аннотации к вашему новому произведению сказано, что исходным импульсом стала книга Мартина Бубера «Я и Ты». Какой текст может сподвигнуть вас на сочинение — философский, религиозный, художественный?

— Я сейчас сочиняю ораторию, которая называется «О любви и ненависти». Там я использую сакральные тексты — из Библии, Евангелия, молитвословов. Я помню свой какой-то особый восторг, когда я создавала «Страсти по Иоанну» и «Пасху по Иоанну». Тогда я тоже имела дело с сакральными текстами, они мне наиболее близки. Кроме того, я часто  обращалась к поэзии. Ближе всего мне Марина Цветаева, Райнер Мария Рильке. Этот тип чувствования, эта фантазийность меня особенно привлекают.

— Следите ли вы за тем, что происходит сейчас в академической музыке? Знакомитесь ли с творчеством молодых композиторов?

— Да, я довольно много встречаю молодых композиторов, которые показывают свои партитуры, посылают мне какие-то сочинения. Кроме того, я слышу их музыку на фестивалях, подобных транссибирскому. И я оцениваю это очень позитивно. Мне кажется, что у молодых есть большое стремление совершенно свободно развивать свою фантазию, свое слышание мира, причем в различных аспектах и направлениях. В этом плане сейчас очень благодатный период.

— Один из главных композиторов-новаторов XX века Антон Веберн говорил, что когда-нибудь его произведения будут петь хоры в детских садах. Как мы знаем, этого не случилось. Вы верите, что ваша музыка со временем станет понятной широкой аудитории?

— Классическую музыку прошлых веков тоже трудно понять. Может быть, даже труднее, чем современную. Музыка XX века оказывается более доступна, чем сочинения Жоскена Депре, Орландо Лассо или Людвига ван Бетховена. Попробуйте разобраться в этой сложнейшей субстанции!

Кстати, я заметила, что многие музыканты стараются привлечь детскую аудиторию. Однажды я приехала на репетицию своего сочинения Glorious Percussion для солистов-ударников и большого симфонического оркестра. Саймон Рэттл, который дирижировал этим сочинением, пригласил на репетицию детей — причем не из музыкальных, а из обычных школ.

— В качестве зрителей или исполнителей?

— Просто послушать репетицию. Я была удивлена. Обернулась, смотрю — много детей сидит в зале. А ведь репетиция — это сложнейший процесс. Но в итоге мы увидели совершенно потрясающий результат — конечно, с помощью музыкальных руководителей этой группы. Дети решили, что тоже могут музицировать. И через какое-то время состоялся концерт, где эти дети импровизировали. Кто пришел с трубой, кто с маленькой виолончелью, кто с какими-то дудочками…

Девочка или мальчик выходили дирижировать. И они попытались сымпровизировать что-то вроде моего сочинения. Получилась будто бы пародия, но меня это очень порадовало. Выходит, посещение репетиции дало такой творческий импульс: «А не попробовать ли нам сделать так же?» Для меня это был подарок.

— Широкая аудитория знает ваше творчество в основном по киномузыке и саундтрекам к мультфильмам. Вся страна смотрела «Маугли», «Чучело»… Как вы сегодня оцениваете то, что было вами сделано в этой сфере?

—  Это был заработок, нужно было на что-то жить. Композитор в этой ситуации оказывается в роли актера. Главное лицо в кино — режиссер, и если я создаю киномузыку, то обязана считаться с тем, что не я хозяйка положения. Я должна ориентироваться на изображение, сюжет и режиссерскую трактовку. Должна этому подчиняться. Когда же я сочиняю Glorious Percussion, то сама за всё отвечаю, это моя инициатива, мое сочинение, мой ребенок.

— Но опыт работы в кинематографе как-то повлиял на ваше самостоятельное творчество?

— Безусловно. Этот опыт дал мне очень хорошую практику. Я могла плотно работать с исполнителями. Сочиняла, а на следующий день уже слышала звуковой результат. И могла выбрать любой состав музыкантов — ансамбль, оркестр…

Я старалась сочинять для большого оркестра. Причем могла поработать с ударником отдельно, с группой струнных — отдельно. Могла попросить хор. Или если, например, мне нужен детский хор — пожалуйста. Государство это оплачивало, что чрезвычайно важно. Без такой практики просто невозможно было бы двигаться дальше.

— Вы много лет живете уединенно, вдали от мегаполисов, почти как отшельник. Некоторое время назад среди музыкантов ходила легенда, что София Губайдулина включает телефон на пять минут в день. И кто успел, тот дозвонился. Это правда?

— Правда. Для сочинения музыки мне нужно достаточно много времени, чтобы сосредоточиться. Звонок отрывает меня, возвращает в материальную реальность.

— Вы до сих пор включаете телефон на пять минут?

— Я не включаю его вообще…

Источник публикации Известия, 13.04.2018. Сергей Уваров

Запись София Губайдулина: «Музыка — главный источник духовной жизни» впервые появилась Газета "Музыкальное обозрение".

]]>